Romantyzm(ks. romantyzm) - fenomen kultury europejskiej XVIII-XIX wieku, z reakcją na edukację i stymulowanie postępu naukowo-technicznego; Współczesne i artystyczne bezpośrednio w kulturze europejskiej i amerykańskiej XVIII wieku - I poł. XIX wieku. Charakteryzują się twierdzeniami o samoocenie życia duchowo-twórczego o wyjątkowości, obrazami silnych (najczęściej buntowniczych) nałogów i charakterów, uduchowionym i emocjonalnym charakterze. Rozszerzył się zakres działalności. W XVIII wieku wszystko nazywało się romantycznym, wszystko cudowne, fantastyczne, malovnichi, które są w książkach, a nie w prawdzie. Na początku XIX wieku romantyzm stał się znakiem nowego, bezpośredniego, antyklasycyzmu i edukacji.

Romantyzm w epoce prosperity i nadejścia rewolucji przemysłowej, oznaczany pojawieniem się lokomotywy parowej, parowozu, parowca, fotografii i przedmieść fabryk. Wychowanie Yakshho charakteryzuje kult róży i wywodzi się z zasadzek cywilizacji, wtedy romantyzm to kult natury, która jest naturalna w ludziach. W dobie samego romantyzmu kształtuje się zjawisko turystyki, alpinizmu i pikników, przebłysk innowacji i jedności ludzi z naturą. Będziemy domagać się wizerunku „szlacheckiego dzikusa”, rozwścieczonego „mądrością ludową”, a nie uchwyconego przez cywilizację. Romantycy Tobto chcieli pokazać niewinną osobę w niespotykanej dotąd scenerii.

Romantyzm jako pierwszy zwyciężył w Nimechchinie, w liczbie pisarzy i filozofów szkoły Yunsky (V.G. Vakkenroder, Lyudvig Tik, Novalis, bracia F. i A. Schlegeli). Filozofia romantyzmu Buli została usystematyzowana w pracach F. Schlegla i F. Schellinga. Rozwój niemieckiego romantyzmu wykazał zainteresowanie motywami kazachskimi i mitologicznymi, które szczególnie dobrze zaistniały w twórczości braci Wilhelma i Jacoba Grimmów Hoffmanów. Heine, naprawiając swoją twórczość w ramach romantyzmu, rzuca jej krytyczne spojrzenie.

W Anglii jest sporo zoomów z niezłym dopływem. W Anglii pierwsi przedstawiciele śpiewającej „Lakes School”, Wordsworth i Kolridge. Smród bezpośrednio ustanowił swoje teoretyczne podstawy, zdając sobie sprawę z ceny Nimechino za godzinę z filozofią Shellinga i spojrzeniami pierwszego nimeckiego romantyka. Dla angielskiego romantyzmu istnieje charakterystyczne zainteresowanie podejrzanymi problemami: gorzkie zawieszenie smrodu chroni stare, przedmieszczańskie vidnosini, doświadczenie natury, proste, naturalne uczucia.

Przyznamy przedstawiciela angielskiego romantyzmu є Byrona, który za słowami Puszkina, „Marszczyć brwi, romantyzm i beznadziejność”... Jego twórczość ogarnia patos walki i protestu przeciwko nowoczesności, przeciwko wolności i indywidualizmowi.

Twórczość Shella, Johna Keatsa, Williama Blake'a jest podobna do angielskiego romantyzmu.

Romantyzm rozszerzył się na największe europejskie regiony, np. Francję (Chateaubrian, J. Stahl, Lamartin, Victor Hugo, Alfred de Vinyi, Prosper Merime, Georges Sand), Włochy, A. U. Foskon, Polska (Adam Mickiewicz, Yulush Slovatsky, Zygmunt Krasinsky , Tsiprian Norvid) i USA (Washington Irving, Fenimor Cooper, WK Bryant, Edgar Po, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville).

Podobnie, przed francuskimi romantykami, zdobył sobie Stendala, protestującego przeciwko romantyzmowi, ale nie więcej swoich towarzyszy. W epigrafie do powieści „Chervone i Chorne” rozpoznał słowa „Prawda, Girka Prawda”, wyrażające we własnych poklikanach realistyczne preliminacje ludzkich postaci i vchinks. Buv skryby zajęty jest romantycznymi, nieskrępowanymi naturami, dla jaka ma prawo do „viraliati do miłości dla szczęścia”. Szanując mnie, zorganizuję tylko zawieszenie, aby ludzie mogli realizować swoje życie, które sama natura dała pić do dobrobytu.

Zvyazyay vvazhaєte, że w Rosji romantyzm w poezji U. A. Zhukovskiego (chcę przedromantycznego ruku, który przekształcił się w sentymentalizm, często nawiązuje do działań poezji rosyjskiej powstałej w latach 1790-1800). Rosyjski romantyzm ma wolność klasycznego sprytu, balady, romantycznego dramatu. Stverdzhutsya new yavlenya o dniu sensu podróży, jak być postrzeganym jako niezależna sfera życia, w odróżnieniu od drugiej, idealnej osoby ludu; kolishn_y spójrz, jak poez_ya wydawała się pustą rozrywką, byliśmy pełni usług, aby wydawać się już nieszczęśliwymi.

Wczesna poezja A.S. Puszkina również rozwijała się w ramach romantyzmu. Szczytem rosyjskiego romantyzmu jest poezja M. Yu Lermontowa „Rosyjski Byron”. Filozofia Lyrica F.I. Tyutchev є z dnia na dzień po ukończeniu, w podolaniu romantyzmu w Rosji.

Literatura do modernizmu, nowoczesny styl.

Literatura XX wieku ze względu na swój stylistyczny i ideologiczny projekt jest nienaganna od literatury XIX wieku, można ją zobaczyć tylko trzy razy bezpośrednio. Jednocześnie o tych zwięzłych literatura dawała antitrochę większych talentów, a nie literatura minionego stulecia. Europejska literatura artystyczna XX wieku Zberigє Virnist Tradycje klasyczne. Na pograniczu dwóch stolic pamięta się plejadę pisarzy, których twórczość nie zmieniła jeszcze aspiracji i innowacyjnego szumu XX wieku: angielski romans John Galsworth(1867-1933), twórca towarzyskiej powieści (trylogia „Saga o Forsycie”), słynni pisarze Tomasz Mann (1875-1955), autor powieści filozoficznej „Charivna Gora” (1924) i „Doktor Faust” (1947), który otwiera moralną, duchową i intelektualną shukannya europejskiego intelektualisty, oraz Genrikh Belle (1917-1985), przejmując ze swoich powieści i opowiadań krytyki społecznej elementy animacji franczyzy i Romain Rolland(1866-1944), który w powieści „Jean Christophe” wyobrażał sobie duchową shukannya i metanny genialnego muzyka, tego zajazdu.

W tej samej godzinie literatura europejska uświadomiła sobie natchnienie modernizmu, który powinien być ukazany z wyprzedzeniem w podróży. Tak więc przewodnimi postaciami surrealizmu byli francuscy poeci P. Eluard (1895-1952) i L. Aragon (1897-1982). Najbardziej znaczące w nowoczesnym stylu była poezja i proza ​​- powieści M. Prousta („Na dowcipach spędzonej godziny”), J. Joyce („Uliss”), ks. Kafka („Zamek”). Tsi Romani pojawił się na gruncie Pierwszej Świętej Wojny, która zrodziła pokolenie, które w literaturze będę nazywać „zagubionym”. Zapach bycia analizowanym to duchowo, psychicznie, patologicznie ludzie manifestujący się. Duchowe ї metodologiczne priyom - zwycięstwo widziane przez francuską filozofkę, przedstawicielkę intelektualizmu i „filozofii życia” Anri Bergson (1859-1941) do metody analizy „drogi swidomości”, która jest poza polem ludzi Opisawszy ludzkie świadectwo, tworząc rzeczywistość, mogę bez przerwy zmieniać się, jako powód, w jakim celu ma zostać pozbawiony powierzchni kuli, aby uporządkować potrzeby praktyki i życia społecznego. W ich własnych warstwach zeznania mogą być składane tylko przez Zusillian samoostrożności (introspekcji) i intuicji. Podstawą wiedzy jest stawanie się coraz czystszym, a materia i dowody są esencją przejawów, zrekonstruowaną przez rozum na podstawie faktów bezprecedensowej świadomości. Yogo szef robota „Creative Evolution” przyniósł Bergsonowi chwałę nie tylko jako filozof, ale jako pisarz (1927). Bergson pojawił się także na polu dyplomatycznym i pedagogicznym. Wydaje się, że wgląd w talent oratorski Bergsona, bo wiem o tym wspaniałym języku francuskim, w 1928 roku parlament francuski wywarł szczególne wrażenie na jedzeniu o przeniesieniu wykładu z auli Colleges de France , przyszły ruhu. położyć się na ulicach.

Filozofia Bergsona natchnęła intelektualną atmosferę Europy, w tym literaturę. Wśród pisarzy pierwszej połowy XX wieku „potik swidomostów” z filozoficznej metody poznania przekształcił się w skuteczne podejście artystyczne.

Filozoficzne idee Bergsona stały się podstawą słynnej powieści francuskiego pisarza Marcel Proust(1871-1922) „Na figle spędzonej godziny” (w 14 tomach). Robot, który jest cyklem romansów, służy jako viraz wszystkich dziecięcych spogadіv, będzie viplivayut z pіdsvіdomostі. Niech przeminie godzina ludu, nowy napływ sentymentów i nastrojów, przemówień - pisarz będzie informował tkankę stworzenia chimerycznymi skojarzeniami i przejawami pamięci mimicznej. Dosvid Proust - obraz wewnętrznego życia ludzi jak "strumień svidomosty" - mav ma wielkie znaczenie dla pisarzy Bagatiocha XX wieku.

Vidatny irlandzki pisarz, przedstawiciel prozy modernistycznej i postmodernistycznej James Joyce(1882-1941), wpadając spiralnie w bergsonowską recepcję, w nowy sposób pisania, dla którego artysta forma pożyczki dla człowieka, który ma formę pożyczki dla człowieka, koduyuchi z własnych pomysłów, psychologicznych i inspirujących. W twórczości artystycznej Joyce'a jest to jak „potik swidomości”, ale parodia, stylizacja, komiczna priyomia, mitologiczne i symboliczne wersje znaczeń. Do układu analitycznego mówimy o tekście nadzorującym obraz ludzi, o nowej antropologii, bliskiej antropologii strukturalnej, która również charakteryzuje się dojmującą winą na aspekty społeczne. Wewnętrzna forma twórczości literackiej Buttha przekształciła się w aktywne studiowanie literatury XX wieku.

Stwórz wybitnego austriackiego pisarza Franz Kafka(1883-1924) za jego życie nie wzbudziły one wielkiego zainteresowania czytelników. Bezpretensjonalny w cenie, zdobądź jedną z najnowszych proz XX wieku. W powieściach „Proces” (1915), „Zamek” (1922), które opisywane są w groteskowych i przypowieściowych formach, ukazując tragiczną bezsilność ludzi w odsuniętych od absurdu współczesnego świata. Kafka z przebiegłą siłą pokazał brak ludzi przed wzajemnymi kontaktami, bez siły wyjątku wobec niedostępnych ludzkiemu rozumowi składanych mechanizmów władzy, ukazując marny Zusilli, jak relacjonowali ludo-chłopi aby samemu ocalić ich przed innymi. Analiza „sytuacji bliskich kordonu” (sytuacje lęku, intrygi, napięcia) zwracają na Kafkę uwagę egzystencjalistów.

Blisko nowego, ale swobodną drogą do żartu nowego, przenieś tę nową poezję na zmist, Austriak śpiewa tę prozę Rainer Maria Rilke(1875-1926), jakby otwierał cykl melodyjnych wierszy w głównym nurcie tradycji symbolicznych i empirycznych pierwszej dekady XX wieku. Śpiewają o egzystencjalnych problemach ludu, tragicznych podziałach, prazmirkovu o egzystencjalnych problemach i miłości.

Romantyzm jako bezpośredni wyraz malarstwa ukształtował się w Europie m.in. w XVIII wieku. Romantyzm lat 20-30 ma swój własny romantyzm. 19 rozstanie.

Sam termin „romantyzm” zachowuje ucho słowa „powieść” (w XVII wieku powieści były używane w odniesieniu do twórczości literackiej, pisanej nie po łacinie, ale przez tych, którzy przypominają kogoś innego - francuskiego, angielskiego itp. ). Wszystko stało się romantyczne, gdy wszystko jest nierozsądne i śmieszne.

Jako przejaw kultury ukształtował się romantyzm ze szczególnym postrzeganiem, wyhodowany przez worki Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Róże w ideałach Wieku Edukacji, romantycy, którzy przeciwstawiali się harmonii i integralności, stworzyli nowe ideały estetyczne i wartości artystyczne. Głównym przedmiotem tego szacunku stały się postacie z doświadczenia doświadczenia i modlenia się o wolność. Bohaterem romantycznych stworzeń jest nieopisany lyudin, który z woli doliny pojawił się w składanym otoczeniu życia.

Jeśli chcę romantyzmu, vinik jaka protestuje przeciwko klasycyzmowi, vin buv jest bardzo blisko reszty. Romantycy chastkovo bule tacy przedstawiciele klasycyzmu, jak N. Poussin, K. Lorrain, J. OD Engr.

Romantycy przynieśli obrazy svєrіdnі ryżu narodowego, czyli tych, którzy nie rozpoczęli tajemnicy klasycystycznej.
Najbardziej przedstawicielem francuskiego romantyzmu jest T. Zheriko.

Teodor Żeriko

Theodore Gericault, wielki francuski malarz, rzeźbiarz i grafik, urodził się w 1791 roku. u Ruana u przyszłej rodziny. Jest za wcześnie, by wykończyć talent artysty. Często dzieje się tak dlatego, że Zheriko siedzi w szkole i maluje konie. Jednocześnie pragnuw jaka należy przenieść do papiru zwanego ryżowym tvarinem i przenieść jego charakter i charakter.

Po ukończeniu liceum w 1808 r. Zheriko dowie się z domu maistera obrazu Karla Verne'a, który słynie z wizerunków koni na płótnie. Protestujący styl Verneta nie jest godny młodego artysty. Nieprzerwany ostoją zalishaє i dołączenie do navchannya aż do pierwszego, nie mniej utalentowanego malarza, nіzh Verne, P. N. Guerin. Teraz, w obecności dwóch znanych artystów, Zheriko Tim nie stał się cudownym dzieckiem tradycji malarskich. Yogo prazvazhnіmi nauczyciele shvidshe przez wszystkie lata w odniesieniu do Zh. A. Gro i Zh. L. David.

Przychodzi mi na myśl wczesne stworzenie Zheriko, ale smród jest tak bliski życiu, jak to tylko możliwe. Niektóre zdjęcia są znakomicie urozmaicone i żałosne. Smród widać w nastrojach autora w świetle otsintsi navkolishnogo. Jak tyłek, można umieścić obrazek pod nazwą „Oficer filmów cesarza przed godziną ataku”, który został ustawiony w 1812 roku. Całe płótno zostało po raz pierwszy wylane do Salonu Paryskiego. Smród topielca opanował robot młodego artysty, dumnie doceniając talent młodego mistrza.

Tvir bulwarów w okresie historii Francji, jeśli Napoleon był w wieku świetności. Konfederaci uwielbiali yogo, wielkiego cesarza, który przybliżył się do większej części Europy. Sam obraz został namalowany w takim nastroju dla wrogów armii napoleońskiej. Na płótnie znajdują się świadectwa żołnierzy jadących konno do ataku. Yogo potępiający zakręty іshuchіst, vіdvaga i nieustraszoność przed śmiercią. Cała kompozycja
znakomicie dynamiczny i emocjonalny. Na pierwszy rzut oka wygląda, jakby był prawdziwym uczestnikiem obrazów na płótnie.

Postać ważnego żołnierza niejednokrotnie była rozpoznawana przez twórczość Zheriko. Wśród innych obrazów szczególnie interesujących, aby stać się bohaterami obrazów „Oficer Karabinek”, „Oficer Karabinek przed atakiem”, „Portret Karabinka”, „Rany Karabinka”, które zostały wykonane w latach 1812-1814 skała. Pozostały robot to cudowne, Tim, że Bula jest prezentowana w Chergovy Vistavtsi, gdy przechodzi obok Salonu tego samego zh roku. Nie jest to jednak kompozycja przyprawiająca o zawrót głowy. Ci, którzy pokazali węże, które stały się twórczym stylem artysty, stali się nayvazhlivіshim. Jako pierwsze z tych płócien zauważono, że było dużo uczuć patriotycznych, potem stwory, które kosztowały 1814, żałosność bohaterów obrazu zostaje zastąpiona dramatem.

Pasuje do nastroju artysty, ale znowu boole jest przywiązane do kapsuły, którą widziano o tej godzinie z Francją. O 1812 r. Napoleon, poczęwszy strajki w Rosji, na dźwięk wina, jak gdyby został ukłuty przez znudzonego bohatera, wzmógł chwałę pechowego watażka i wściekłą dumę wśród pretendentów. Rozcharuvannya w ideale Zheriko przed obrazem „Rany Kirassiera”. Na płótnie widnieje wizerunek rannego wojownika, którego wkrótce ogarnie pole bitwy. Wygraj spiralę do szabli - zbroi, yaku, mozhlivo, pozbawione odłamka chilinu, po przycięciu go, po wejściu na górę.

Sam niezadowolony z polityki Gericault Napoleona podyktował, że wstąpił do służby aż do Ludwika XVIII, który objął tron ​​francuski w 1814 roku. W pesymistycznych nastrojach buloty są powiązane z tymi, które przysłali z innego pogrzebanego posiadłości Francji Napoleon (okres Stu Dni), młody artysta opuszczający ojczyznę Burbonów. Ale tutaj na nowym czeku rozcharuvannya. Yunak nie spokyno spontanicznie kibicował drużynie, ponieważ król wiedział wszystko, aż do godziny panowania Napoleona. Ponadto, dla Ludwika XVIII reakcja feudalno-katolicka została wzmocniona, ziemia z powrotem, zwracając się do starego władcy zaaranżuje. Tsiogo nie mógł zaakceptować młodego, coraz bardziej złośliwego Ludina. Jeszcze wcześniej, rozwścieczeni ideałami, Yunakowie wyprzedzili armię, oszukani przez Ludwika XVIII i ponownie zajęli Penzel i Farbi. Tsi rocka nie można nazwać jasnym i prymitywnym w twórczości artysty.

U 1816 s. Wirus Gericaultє na drodze do Włoch. Spędzając czas w Rzymie i Florencji oraz arcydziełach vivchivshi słynnego majstrіv, artysta utonie w monumentalnym malarstwie. Szczególnie malowano freski Mikelangelo, które zdobiły Kaplicę Sikstinsky. Pod koniec godziny Zheriko będzie w stanie stworzyć, ze względu na swoją skalę i wielkość, bogate w to, co można sobie wyobrazić płótna artystów renesansu Visoky. Wśród nich największym zainteresowaniem jest zostać „Vikradennya nimfi centaur” i „Lyudin, yaka kidak bik”.

Ten sam obraz obyczajów starców można zobaczyć na obrazie „Wielkie konie w Rzymie”, napisanym ok. 1817r. i jest to pokaz najlepszych w jednym z karnawałów, jak w Rzymie. Specyfikę danej kompozycji i tej niejako ukształtował artysta z pierwszego planu rozsypujących się rysunków natury. Co więcej, postać jest rysowana zgodnie ze stylem całej kreacji. O ile pierwszy jest etapem, jak opisać życie Rzymian - kolegów artysty, o tyle wizerunek męskich bohaterów antycznych jest podany w zamiejskiej kompozycji, ale żaden z nich nie pochodzi ze starożytnych przekazów. Na tsom Zheriko Ide na drodze J.L. Davida, który na obraz bohaterskiego patosu nadilav jego bohaterów w starożytnej formie.

Niezadowalające napisanie obrazu Gericaulta zwróci się do Francji, która została członkiem przeciwnej grupy, którą utworzył malarz Horace Vernet. W drodze do Paryża artystę szczególnie przyciągnął grafik. U 1818 s. w środku najważniejszej kuli „Zwrot ku Rosji”. Litografia przedstawia zwisających żołnierzy armii francuskiej, mrugających na zaśnieżonym polu. Życie i prawdziwe obrazy osób pocztowych i torturowanych. Kompozycja ma w sobie patos niemy i patos heroiczny, charakterystyczny dla wczesnych robotów Gericaulta. Artysta pragmatycznie odwzorowuje prawdziwy obóz przemówień, musi śmiało robić, bo wojny francuskie zostały porzucone przez ich dowódcę w obcych krajach.

Po raz pierwszy w dziele „Odwracanie się od Rosji” zabrzmiał temat walki ludzi ze śmiercią. Jednak tutaj motyw zwrotów akcji nie jest tak jasny, jak w pracach Gericaulta. Kolbą takich płócien może być obraz, który nazwałem "Plit" Medusi ". Vona Bula została napisana w 1819 roku. a dodatkowo zainstalowano go w Salonie Paryskim. Na płótnie znajdują się wizerunki ludzi walczących z szalejącym żywiołem wody. Artysta pokazuje nie pozbawianie obywateli kraju i udręki, ale pragmatyzm, czy to, by móc przeżyć śmierć.

Rozpoczął się spisek skomponowania dyktand, który rozpoczął się w 1816 roku i objął całą Francję. Słynna fregata „Meduza” najechała na rafę i zatopiła wybrzeże Afryki. Trzy 149 osób, które znajdowały się na pokładzie statków, zdołały uciec z mniej niż 15, z których środkowymi byli hirurg Savinja i inżynier Correr. Kiedy przybyli do Batkiwszczyny, smród uwolnił małą książeczkę, jak opowiedzieć o ні garniturze, że szczęśliwe maluchy. Od czasu, gdy Francuzi dowiedzieli się o tych, którzy nieczęsto podróżowali, aby obwiniać niekompletnego kapitana statku, wysłali na pokład kustosza szlachetnego przyjaciela.

Obrazy skrzydeł Zheriko są znakomicie dynamiczne, plastyczne i wszechstronne, co osiągnął artysta, który stworzył najbardziej zaawansowane i kopiowane roboty. Aby wiernie oddać na płótnie straszne wydarzenia, przekazać uczucia ludzi, jak chodzić nad morzem, artysta widzi świadków tragedii, to trywialna godzina, aby zobaczyć osoby z dolegliwościami, jak na polować na jednym morzu, a więc statek awaryjny. Artysta przez godzinę stworzył ogromną liczbę robotów portretowych.

Przebłysk jak morze niegodziwe, jak morze ryjące się, by zetrzeć z ludźmi lasy niemieckiej płyty. Całość jest bardzo wyrazista i dynamiczna. To tak, jak i publikując ludzi, odpisując od natury: artysta bulo viconano kіlka etiudy z obrazów morza przed godziną burzy. Pratsuyuchi nad monumentalną kompozycją, Zherikault wielokrotnie obejmował przed przygotowaniem wcześniejszych studiów, a we wszystkich przypadkach, aby przedstawić naturę żywiołu. Główną osią obrazu jest spojrzenie na majestat wroga, wyprzedzanie go w realizmie i prawdziwości tego, co widziane.

„Plit” Meduzi” jest reprezentowany przez Zheriko jako wspaniały mistrz kompozycji. Godzina Dovgy artysta mirkuvav nad czasem, podobnie jak rozwój postaci na zdjęciu, pomysł autora schob naipovnishe visloviti. Na spacerze robota dodano kalkomanię zmiany. Eskizi, jak zmieniać obrazy, żeby opowiedzieć o tych, którzy za pomocą kolekcji Geriko chcieli przedstawić walkę ludzi, którzy walczą na ciele, jeden po drugim, mimo że widzieli taką interpretację historii. W wersji szczątkowej płótno przedstawia ten moment, w którym ludzie, którzy już byli rozgniewani, wymachują statkiem „Argus” na horyzoncie i wyciągają ręce. Pozostały dopovnennyam, zanim obraz został przesunięty na dole, praworęczne płótna, posty ludzi. Sama wygrana była ostatnim dotknięciem kompozycji, yaka nabula napisał bardzo tragiczną postać. Warto zauważyć, że zmiana została wprowadzona tylko wtedy, gdy zdjęcie było już na wystawie w Salonie.

Obraz Żeriko jest bogaty w jego monumentalizm i rozwiniętą emocjonalność, w której jest wiele dzieł burmistrzów wysokiego renesansu (także Sądu Ostatecznego Michała Anioła), bo artysta wie, za co stał się droższy.

Obraz „Plit” Medusi”, który stał się arcydziełem francuskiego malarstwa, mały majestatyczny sukces w dziwnych stawkach, gdy poparli nowe gabloty rewolucyjnych ideałów. Same powody przyjęcia środka całej szlachty i oficjalnych przedstawicieli sztuki twórczej Francji. Samo płótno o tej godzinie nie zostało kupione przez państwo od autora.

Damy Wam urok, oddamy Wam swoją pracę w Batkiwszczynie, Zheriko Wirushak do Anglii, prezentując swojego ukochanego robota na dworze Anglików. W Londynie obraz przejął słynny obraz z wielkich pochówków.

Zheriko zbliża się do angielskich artystów, ponieważ wspiera ich w ich umysłach i naprawdę przedstawia akcję. Życie i poza stolicą Anglii, Zheriko, przypisując cykl litografii, z których środek najbardziej interesuje robotów, które zostały nazwane „Wielką angielską syuyta” (1821) i „Starym głupcem, który jest w świecie Bilya piekarnia” (1821). W ostatnim miejscu sportretował londyńskiego włóczęgę, na obraz wrogości, którą malarz dostrzegł w procesie sprowadzania życia ludzi do pracujących dzielnic miasta.

W tym samym cyklu zniknęły te same serie litografii, takie jak „Flandersky Koval” i „Bilya Vorit Adelphin Shipyard”, które przedstawiają jaskrawy obraz życia zwykłych ludzi w Londynie. Tsikavi w cich robotach przedstawiające konie, wspaniałe psy i widoki. Pachnie tak, jakby pochodziło od cichych, pełnych wdzięku i zeszklonych stworzeń, jak bule namalowane przez artystów, którzy są częścią Gericault.

Przytłoczony stolicą Anglii Zheriko będzie zajęty litografiami i chłopięcymi tworami. Jednym z najpiękniejszych robotów tego okresu był obraz „Wyścigi konne w Epsom”, który został uruchomiony w 1821 roku. Na obrazie artysta przedstawia konie, które pędziły na pełnych obrotach, a stopy ich zvsimów nie dotykają ziemi. Tsey przebiegły priyom (zdjęcie przyniosło, że takiej pozycji dla koni nie da się zrobić przez godzinę, ale wyobraźnia artysty) mistrz vikoristovuє w celu stworzenia kompozycji dynamizmu, spojrzenia na wrogów bliscavic koni . Spróbuj zobaczyć, jak dokładne są plastikowe (pozycja, gesty) postaci ludzkich, a także zastępczych i soczystych kolorowych zwierząt (ruda, gniazda, konie bili; pęczko-niebieskie, ciemne ryby) ...

Temat wyprzedzania, yaka, już dawno odwrócił szacunek malarza swoją szczególną ekspresją, wielokrotnie powtarzaną w pracach Zheriko, który pisał do ukończenia robota na „Stribki in Epsom”.

Do 1822 artysta stał się Anglikiem i zwrócił się do rodzimej Francji. Tu należy zadbać o korzenie wielkich płócien, które były zbliżone do dzieł Majstrów renesansu. Wśród nich są „Handel czarnymi”, „Otwieranie drzwi w інквізиції вінквізиції w Hiszpanii”. Mimo że obrazy były tak niekompletne, śmierć sprawiła, że ​​Zheriko dokończył robota.

Na szczególną uwagę zasługują prezentowane portrety, których trzony prezentowane są dla okresu od 1822 do 1823 r. Historia jest pisana ze szczególnym szacunkiem. Po prawej, w tym, w którym portrety zastąpił przyjaciel artysty, który był psychiatrą w jednym z paryskich miast. Smród statystyk był szalony, pokazując rozwój psychiki ludzi. Tak więc malowano portrety Boga: „Bóg jest stary”, „Bóg jest”, „Bóg jest, który ogłasza się wodzem”. Dla mistrza malarstwa ważne jest tutaj, aby nie pokazywać oznak objawów choroby, jak przekazać wewnętrzny, psychiczny stan osób schorowanych. Na płótnach, przed oczami, pojawiają się tragiczne wizerunki ludzi chorych ze smutku.

Pośrodku portretów Zheriko, w szczególnym miejscu, znajduje się portret Murzyna, niczym ninja perebuvag w zbiorach Muzeum w Rouen. Trzy płótna na spojrzenie zdumienia w volova lyudin, gotowe do walki z mocami wiedźmy do końca. Obraz jest niezwykle yaskraviy, emocjonalny i wszechstronny. Ludina na zdjęciu jest jeszcze bardziej podobna do cichych, zdecydowanych bohaterów, jak bule pokazane wcześniej przez Gericaulta w świetnych kompozycjach (na przykład na płótnie „Plit” Meduzy”).

Gericault bouv jaka mistrz malarstwa i cudowny rzeźbiarz. Zrób to w pełnej formie obrazu na kolbie z XIX wieku, z pierwszymi przebłyskami romantycznych rzeźb. Niektóre dzieci są szczególnie zainteresowane niezwykle ekspresyjną kompozycją „Nimfa i Satyr”. Złapali obrazy Rosji właśnie po to, aby przekazać plastyczność ludzkiego ciała.

Theodore Gericault tragіnuv 1824 r. pod Paryżem, po rozstaniu na godzinę, spadają z konia. Yogo wczesna śmierć Buli nie była inspirowana przez wszystkich współpracowników słynnego artysty.

Twórczość Gericault wyznaczyła nowy etap w rozwoju malarstwa Francji, a pierwsze malowanie światłem - okres romantyzmu. W swoich robotach mistrz tchnął klasyczne tradycje. Stwórz znakomicie kolorowe yogo i wydobądź całą wszechstronność w świetle natury. Wprowadzając w kompozycję ludzkie posty, artysta pragmatycznie podchodzi do tego, o ile coraz wyraźniej wewnętrzne przeżycia ludzi.

Pieśń o śmierci Geriko przywołała młoda współpracowniczka artysty, Ege. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, słynny francuski artysta i grafik, tradycja prodovzhuvach do romantyzmu, urodził się w dziele Gericault, urodzonego w 1798 roku. Nie ukończyłeś nauki w Liceum Cesarskim, 1815 s. Delacroix dołącza na dzień przed wizytą Maister Guerin. Jednak metody artystyczne młodego malarza nie ukazały się czytelnikowi, który opuścił go na kilka następnych lat.

U Guerina Delacroix miał dużo czasu, aby dojść do malowania kreatywności Davida i malarstwa epoki renesansu. Kultura starożytności, której tradycje nastąpiły i Dawid, jest główną kulturą w rozwoju sztuki światła. W tym celu stwórz naturalne ideały dla Delacroix przez poetów starożytnych Greków, a wśród nich zwłaszcza dużą liczbę pomysłów na dzieła Homera, Horacego i Marka Aureliusza.

Wraz z pierwszymi robotami Delacroix pojawiły się niedokończone płótna, które młody artysta popchnął do walki z Grekami z Turkami. Ale artysta nie zaczął dostrzegać tajemnicy i przesłania, ale nie chciałem malować obrazu.

O 1822 s. Delacroix vistavlya w paryskim Salonie jego robot pod nazwą „Dante i Vergil”. Jest to płótno, które jest znakomicie emocjonalne i yaskrave zgodnie z kolorem gamma, bogato w to, co robot Zheriko „Plit” Medusi”.

Dwa razy później kolejne zdjęcie Delacroix - „Rizanina na Khiosi” zostało poddane ocenie obserwatorów w Salonie Bula. Został w nią wciągnięty wieloletni pomysł artysty na pokazanie walki między Grekami a Turkami. Oryginalna kompozycja obrazu zbudowana jest z kilku części, które odróżniają otoczenie grupy ludzi, a skóra jest bardzo dramatycznym konfliktem. W całym Nini Tvir celebruje wroga wielkiej tragedii. Wobec napięcia i dynamizmu, nadrobić rakhunok jednocześnie płynne i rześkie linie, jak tworzyć figury postaci, jak doprowadzić proporcje ludzi do wyobrażeń artysty. Jednak sam obraz uosabia realistyczny charakter żywej perwersji.

Metoda twórcza Delacroix, rozpowszechniona na całym świecie w „Rise on Xiosi”, jest odległą formą stylu klasycznego, przyjętą przez przedstawicieli oficjalnych szkół francuskich i przedstawicieli sztuki twórczej. Z ostrą krytyką powstał w Salonie obraz młodego artysty.

Niezrażony pechem artysta stanie się wierny swojemu ideałowi. W 1827 r. Jest jeszcze jeden Tvir, poświęcony tej samej walce narodu greckiego o niepodległość – „Grecia na ruinach Missolonga”. Ożywiona na płótnie postać dumnej Greczynki sprawi, że Grecja stanie się unpokyrnu.

W 1827 r. Delacroix zwyciężył w dwóch robotach, które na korytarzu naśladowały żarty mistrza, wykorzystując metody artystycznej rotacji. Tse obrazu „Śmierć Sardanapala” i „Marino Falєro”. Na pierwszym z nich tragedię sytuacji przekazały w Rosji ludzkie artykuły. Statyczny i spokojny tutaj є pozbawiają obrazu samego Sardanapala. Kompozycja „Marino Fal'ro” jest dynamicznie pozbawiona figury głowy postaci. Niektórzy bohaterowie Nemov dogonili myśli o tych, którzy są teraz.

Zrób 20 kamieni. XIX wiek Delacroix zastanawiał się nad niską kreacją, której fabuła została zaczerpnięta z wszelkiego rodzaju dzieł literackich. O 1825 r. Mitety po spędzeniu czasu w Anglii, w ojczyźnie Williama Szekspira. Jednocześnie za wrogów zapłacił tragedia słynnego dramaturga Delacroix bulo vikonano litografii „Makbet”. W latach 1827-1828 otworzył litografię „Faust”, która została przypisana do tego samego dzieła Goethego.

Na skrzyżowaniu z kapsułą, którą widziano z Francji w 1830 roku, Delacroix zwyciężył na płótnie „Wolność, jaką jesteśmy ludem”. Rewolucyjna Francja przedstawiona jest w postaci młodej, silnej kobiety, zaborczej, odważnej i niezależnej, która śmiało przewodzi NATO, w którym widzi się stanowisko robota, studenta, rannego chłopca, paryską grę w „Znedolenikach”) . ).

Tsei tvir pomitno powrócił z niektórych robotów artystów, którzy zostali pozbawieni prawdziwości przekazu tego kapsuły. Na płótnach Delacroix fałdy, charakterystyczny wysoki heroiczny patos. Obrazy tutaj są є zagalnye symbole wolności i niepodległości narodu francuskiego.

Wraz z przybyciem Ludwika Filipa, króla burżuazyjnego bohaterstwa, do władzy doszły uczucia tych, którzy głoszą Delacroix, który nie znał idei burżuazyjnego życia. U 1831 s. artysta zd_ysnyu podróż do krajów Afryki. Wygranie wizyty w Tangerze, Meknes, Oranie i Algierii. O tej samej godzinie Delacroix wyjechał do Hiszpanii. Życie Zejście dosłownie oczarowuje artystę swoim uderzającym przepływem. Wygraj svoryuє naris, maluchy i wiele robotów akwarelowych.

Widząc Maroko, Delacroix napisał płótna poświęcone Zejściu. Zdjęcia, na których artysta pokaże paski i bitwę przywódców- Maurów, superdynamicznie dynamiczny i wszechstronny. Mają kompozycję "Algierki w swoich komnatach", stworzoną w 1834 roku, zbudowaną spokojną i statyczną. Mają tępy dynamizm i napięcie, które dominuje w większych wczesnych robotach artysty. Delacroix jest tutaj mistrzem koloru. Kolirna gama, zwycięska przez malarza, we wszystkich przypadkach, pod każdym względem, pośród rozwoju palatri, który będzie kojarzył się z wyglądem farb Odejdź.

Obecnie płótno „Żydowskie wesele w Maroku”, napisane ok. 1841 r. Atmosferę Taєmnicha shidna tworzą tu twórcy trafnego przekazu artysty o artystycznej jakości inter'eru narodowego. Kompozycja wydaje się być w ogóle dynamiczna: artysta pokazuje, jak ludzie załamują się przez zgromadzenia i wchodzą do wspólnoty. Światło, które wnika do pomieszczenia, dając obraz realizmu i zbytniej pewności siebie.

Prace Delacroix są nadal obecne z podstawowymi motywami młodych. Tak więc na widokach zorganizowanych w pobliżu Salonu w 1847 r. na sześć jego występów pięć kul zostało przydzielonych do życia i zejścia.

Mieć skałę 30-40-ti. XIX wiek w twórczości Delacroix jest nowy. Jedynym mistrzem jest tworzenie tematów historycznych. Wśród nich szczególnie szacunek dla zasług płótna „Protest Mirabo przeciwko uwolnieniu stanów ogólnych” i „Boissy d'Angla”. Eskiz ostnogo, zeznania w 1831 r. pod Salonami є pokażemy wizualnie kompozycje na temat powstania ludowego.

Obraz ludu jest przypisany do obrazu „Bitwa pod Poyatє” (1830) i „Bitwa pod Taibur” (1837). Dynamizm walki, upadek ludzi, ich rozłączenie, gniew rodaków ukazane są tu z mocnym realizmem. Artysta pragmatycznie przekazuje pasję ludzi, upolowanym bazhanom, be-be-be-be-able. Sam post ludzi jest głową przy przekazywaniu dramatyzmu historii, jak to zobaczyć.

Jeszcze częściej w kreacjach Delacroix zmiana przesteru pojawia się ostro poprzez kontrastowanie jeden do jednego. Szczególnie życzliwy można zobaczyć na płótnie „Zdobywanie Konstantynopola przez Chrestonopolis”, napisanym w 1840 r. Na pierwszym planie grupa ludzi pochowanych w żalu. Za ich plecami - potworna bestia, urzekająca swoim pięknem. Natychmiast pojawiają się figurki najlepszych mediatorów, których straszne postaci kontrastują z postaciami żałobnymi na pierwszym planie.

„Zabranie Konstantynopola z podręcznikami” przedstawia Delacroix jako wspaniałego kolorystę. Yaskravі że nasichenі farbi nie noszą jednak tragicznego ucha, vyraznymi є żałobną postati, roztashovanі blisko spojrzenia. Navpaki, bagata palіtra svoryu vіdchuttya święty, obchodzony na cześć ocalałych.

Nie mniej jaskrawska kompozycja „Sprawiedliwość Trajana”, osadzona w tym samym 1840r. Współpracownicy artysty widzieli cały obraz jednego z najpiękniejszych obrazów malarza. Szczególnie interesujący jest fakt, że przed godziną mistrz robota eksperymentuje ze sferą koloru. Przekieruj tych nowoprzybyłych do nowych ludzi biznesu. Wszystkie kompozycje Farbi są dokładnie takie jak natura. Zwycięska kreacja obezwładniła straże malarza za zimami natury. Artysta przywiózł їkh do schodennika. Następnie za nagraniami potwierdzili, że pokazano destrukcję Delacroix w obszarze tonalności, a ostatnio powiedziano im o kolorze, którego założycielem jest E. Chevreuil. Ponadto wizja artysty bycia artystą z paletą, niczym szkoła wiktoriańska w Wenecji, była jak mały majestat dla nowego tyłka.

Wśród płócien Delacroix szczególnie popularne są portrety. Meister stał się trochę gatunkiem. W tym, po malowaniu pozbawionym spokojnych ludzi, z chybotliwymi pokładami wiedzy, rozciągającymi się na trywialną godzinę, których duchowy rozwój był widoczny w oczach artysty. Ten obraz na portretach jest pokręcony i glibok. Takie są portrety Chopina i Georges Sand. Na płótnie przypisanym do pisma (1834) przedstawiona jest szlachcianka o silnym duchu, kobieta, która będzie zajęta swoimi towarzyszami. Portret Chopina, napisany przez chotirm in rock piznishe w 1838 roku, reprezentuje poetycki i uduchowiony obraz wielkiego kompozytora.

Tsikaviy oraz znakomicie plastyczny portret domowego skrzypka i kompozytora Paganina, autorstwa Delacroix, ok. 1831 r. Styl muzyczny Paganiniego jest w pewien sposób bogaty, podobnie jak metoda małego chłopca artysty. Dla twórczości Paganina charakterystyczna jest ta sama ekspresja i jest napięta emocjami, jak malarze byli u władzy.

Kraєvidi pożycza z kreatywności Delacroix nie jest wielką myszką. Smród smrodu okazał się jeszcze bardziej znaczący w gałęziach malarstwa francuskiego drugiej połowy XIX wieku. Krajobrazy Delacroix to unikatowe realia, które dokładnie oddają światło i niezauważalne życie natury. Przy rozmyciu kolb całych płócien „Niebo”, zwodniczo dynamizmem, na niebie przemykają palacze i „Morze jest widoczne z brzegów Dyuppy” (1854), w którym artysta wygląda jak płuca nad morzem.

O 1833 s. mitez zabierze posłów króla francuskiego do sali przyjęć w Pałacu Burbonów. Robot nad ramionami monumentalnego triva chotiri rocki. W przypadku viko
Pozostały robot Delacroix stał się znakiem kropli Świętych Aniołów w kościele Saint-Sulpice pod Paryżem. Vona Bula Viconana w latach 1849-1861. Vikoristovuchi yaskravі, soki farbi (rozhva, yaskravo-blue, buzkov, rose na tle torfowo-blakitowym i zhivto-brązowym), artysta otwiera się w kompozycjach nastroju radia, więc wiklikє w blasku podróży. Pejzaż, inkluzje na obrazie „Wignania Ilyodora ze świątyni” jako naturalne tło, wizualnie rozległa przestrzeń kompozycji i kropli gruntujących. Z drugiej strony, pragmatyzm nibi i ograniczenie przestrzeni, Delacroix wprowadził do kompozycji balustradę. Razmіshchenі za jej figurkami ludzi są zbudowane w formie platynowych sylwetek.

Eugene Delacroix zmarł w 1863 roku. w Paryżu.

Delacroix bouvie większość malarzy w pierwszej połowie XIX wieku. Wiele wątków tych obrazów pochodzi z dzieł literackich słynnego mistrza pióra. Tsikavim є fakt, że najczęściej ludzie piszą swoich bohaterów, a nie vikoristovuchi modelem. Kto zawahał się zobaczyć i zobaczyć nazwiska. W myśl Delacroix malarstwo jest łatwe do złożenia, a nie prymitywne kopiowanie linii. Artysta ma vvazhav, scho mystestvo persh dla wszystkich dziedzin sprytu nastroju i twórczego pomysłu mistrza.

Delacroix jest autorem szeregu prac teoretycznych poświęconych jedzeniu koloru, metody i stylu artysty. Tsi pratsi służyło artystom kolejnych pokoleń jako latarnia morska z żartu ich artystów, dzięki czemu powstały kompozycje wikorystyczne.

ZAGALNO CHARAKTERYSTYKA EPOKI DO ROMANTYZMU.

Romantyzm - (fr.romantyzm), іdeyniy i artystyczne bezpośrednio w europejskiej i amerykańskiej kulturze duchowej Chin 18 1. połowa XIX wieku. Francuski romantyzmnarodziny rodziny z Hiszpaniiromans(Tak nazwali romanse hiszpańskie w połowie wieku, a później powieść lyarsky), poprzez angielski.romantyk(romantyk)romański, i wtedyromantyczny w scho oznaczało 18 art. cudowny, fantastyczny, malovniche. Na kolbie 19 łyżek. Słowo romantyzm stało się określeniem znaczenia nowego, prostolinijnego, protoleskiego klasycyzmu literackiego.

Romantyzm w tradycyjnym, niehistorycznym znaczeniu tego słowa pojawił się jako punkt antyedukacyjny ruchu antyedukacyjnego, który przetoczył się przez wszystkie kraje europejskie. Yogo to główna społeczno-ideologiczna zmiana myślenia - zniechęcenie cywilizacji burżuazyjnej, postępu społecznego, przemysłowego, politycznego i naukowego, który przyniósł nowe kontrasty i antagonizmy, a także duchowo opuszczone specjalności.

Korzystając z tradycji średniowiecza, hiszpańskiego baroku i angielskiego renesansu, romantycy rozwinęli wspaniałe wyrafinowanie, głębię wewnętrznej natury ludzi. Dla nich Lyudina jest małym allsvit, mikrokosmosem. Napięcia zainteresowania silnymi i jasnymi zmysłami, wszechogarniającymi nałogami, tymi ruinami duszy, nową stroną, rozciągnę się na indywidualne, niewidzialne - ryż romantycznej tajemnicy.

To jasne, bo w młodych damach sztuki pojawiły się tendencje romantyczne.

MUZYKA.

W muzyce romantyzm jest jak linia prosta w latach dwudziestych XIX wieku. Końcowy okres jej rozwoju, który zyskał miano neoromantyzmu, będzie bawił resztę dziesięciu lat XIX wieku. Wcześniej muzyczny romantyzm pojawił się w Austrii (F. Schubert), w Nimechchina (K.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) i we Włoszech (N. Paganin, V. Bellin, wczesny J. Verdi); Tanio we Francji (G. Berlioz, D. Aubert), Polsce (F. Chopin), Ugorszczynie (F. List). Na ziemi kozhn_y mamy narodowe formy nabuvav; Równocześnie w okolicy panowały tendencje romantyczne (szkoła leipzyska i weimarska szkoła Nimechchiniego). Podczas gdy estetyka klasycyzmu opierała się na sztuce plastycznej z mocnym stylem i pełnią artystycznego obrazu, o tyle muzyka stała się romantycznym virazem sztuki jako gra nieprzerwanej dynamiki wewnętrznego doświadczenia.

Muzyczny romantyzm jest inspirowany takimi nowymi gorliwymi tendencjami do romantyzmu, jak antyrasizm, prymat duchowości i uniwersalizmu, zoosredzhenizm w wewnętrznym świecie ludzi, nieskończoność ich uczuć i postaw. Szczególnie ważna jest rola lirycznego kolby, emotikon doskonały, swoboda lizania. Zarówno pisarzy romantycznych, jak i muzycznych romantyków pociągają ostatnie, odległe krainy egzotyczne, miłość do przyrody, kult ludowej tajemnicy. W tych stworzeniach kryją się liczne narracje, legendy, opowieści. Piosenka ludowa była postrzegana jako podstawa profesjonalnej sztuki muzycznej. Folklor będzie dla nich spontanicznym nosem o narodowym smaku, pozą, która nie pachnie jak tajemnica.

Muzyka romantyczna wywodzi się po prostu z czołówki muzyki szkoły klasycznej. Vona mensh rzuca się w oczy za zmistą, pozornym działaniem ponad obiektywnie obserwacyjnym planem, a poprzez specyficzność doświadczenia ludzi (artysty) w całym bogactwie wizji. Siła władzy leży w sferze charakterystycznej, a czasem portretowo-indywidualnej, które są utrwalone w dwóch głównych typach: psychologicznym i gatunkowym. Szersze przedstawienie ironii, humoru, groteski wiatru. Godzina na zainteresowanie tematami narodowo-patriotycznymi i heroiczno-wizualnymi (Chopin, Lista, Berlioz). Ogromne znaczenie ma obrazowanie muzyczne, pisanie dźwiękowe. Dość często to nie ma znaczenia. Melodia jest stara, bolsh zindywidualizowana i relfnoyu, wewnętrznie minlivoyu, vidguknoyu na ostatniej ruinie stanów psychicznych; harmonia i instrumentacja stają się bogate, jasne, jasne. Na tle logicznego porządku w strukturze klasyków wzrostu, rola okiennic, a także niektóre z najczęstszych charakterystycznych przykładów.

Centrum szacunku dla kompozytorów, stając się najbardziej syntetycznym gatunkiem opery, zostaje zapożyczone od romantyków jako wiodąca ranga kazkowa – fabuła fantastyczna, czarująca, pożyteczna i egzotyczna. Pierwsza romantyczna opera Hoffmanna „Undina”.

Muzyka instrumentalna stała się oryginalnym gatunkiem symfonii i sonat. Jednak smród środka jest boolowski. W instrumentalnych utworach młodych form rodzą się tendencje do malarstwa muzycznego. Pojawiają się nowe gatunki pomysłów, na przykład śpiew symfoniczny, które są wirusowe w sonatowym alegro i sonatowo-symfonicznym cyklu. Wiąże się z tym program muzyczny, a program muzyczny romantyzmu jest jedną z form syntezy arcydzieł, która za pomocą jednej literatury przekształca się w muzykę instrumentalną. Nowym gatunkiem stała się także balada instrumentalna. Smukłość romantyków do końca życia jak żylaste niskie otoczenie, obrazy, sceny przybliżały rozwój romantycznych miniatur i cykli (Schubert, Chopin, Schumann, Arkush, Brahms)

W misterium Musical-Vikonavskiy pojawił się romantyzm w emocjach vikonannya, bogactwie farb, jaskrawych kontrastach, wirtuozerii (Paganini, Chopin, Liszt). Nierzadko zdarza się, że muzyczne zwycięstwo, podobnie jak twórczość mniej znaczących kompozytorów, powoduje, że romantyczne postacie godzą się z jakością salonu. Muzyka romantyczna jest pełna nieuniknionej wartości artystycznej, żywej i nudnej na nadchodzące epoki.

TEATR.

W teatralnym misterium romantyzm ukształtował się w latach 10 i 40 XIX wieku. Podstawa estetyki teatralnej stała się całkiem dosłownie. Podnosząc się przeciwko klasycznej zasadzie uszlachetniania natury, aktorzy z szacunkiem odnieśli się do kontrastujących ze sobą obrazów ludzkiego życia. Ogromny patos, stronniczość okrucieństwa, prawdziwość ideału stworzonego dla wybuchu emocji, dramatyczny wyraz tajemnicy aktorów, uderzający gest. Jednak romantyczna svitovidchuttya niosła twórczy subaktywizm (zaakcentowany vinyatkovy, chimeryczny); Emocjonalizm był napędzany efektami retorycznymi, melodramatyzmem. Teatr romantyczny uparcie afirmował doświadczenie sceniczne, bezposrednost, prawdziwość i szerokość szarości - jako głównego bohatera twórczości aktorskiej. Romantyzm jest dla teatru enigmatyczny i wszechstronny (kreowanie artystycznego posmaku, historyczna autentyczność dekoracji i kostiumów, gatunkowa prawdziwość scen masowych i szczegółów produkcji). Artystyczne okrucieństwa Yogo podsyciły bogato to, w czym rozpoczęły główną zasadzkę realistycznego teatru.

TWÓRCA MISTESTVO.

U wyobrażeniowej Pani w malarstwie i na wykresie pojawił się romantyzm tego, co najpiękniejsze, w rzeźbie widoczny jest mensz. W architekturze romantyzm, o słabym wizerunku, tkwiącym z głową, w ogrodzie i parku, tajemnicę tej architektury małych form, oznaczaną dominacją motywów egzotycznych, jak również wprost w hibny gotyk. Naprikіntsі 18 - na kolbie 19 łyżek. Narysuj romantyzm jasnym światem władzy: w Anglii - niełatwo przejrzeć malowniczych i graficznych twórców Fyusli, którzy mają klasyczną klarowność obrazów, zmarszczone brwi i groteskową witalność; w malarstwie, grafach i poezji W. Blake'a - romantyzm przejścia na mistycyzm; w Hiszpanii - twórczość Goya Vicon to nierozwiązła fantazja i tragiczny patos, nieśmiały protest przeciwko feudalnej opresji i przemocy.

Ewidentnie przy obecnych wąsach, wszędzie iw przeszłości dzieci pozbawione są kulminacji, dramatycznie gościnnych chwil we współczesnej historii, romantycy znali te historie z historycznej przeszłości, legendy, folklor, życiorysy silnych postaci.

Romantyzm w centrum svitobudova i postawił lyudin. Lyudin jest na romantycznym dniu pod koniec spotkania. Portrety to głowa dla romantyków, pojawienie się yaskravoy indivdualnost, podkreślone życie duchowe ludzi, nastroje shvidkoplinnyh. Romantyczny krajobraz dorasta do księżyca ludzkich nałogów, a czeka na Ciebie mnóstwo naturalnych elementów. Romantycy cofnęli się do obrazów buntowniczej namiętności i heroicznej dziecinności, by w różnych chwytliwych formach artystycznych odtworzyć naturę wszystkich niewspieranych niepowtarzalnych przejawów.

W przeciwieństwie do klasycyzmu, romantycy przelewali kompozycje o dynamicznym dynamizmie i za każdym razem tworzyli upalną wędrówkę i vdajutsya aż do bardzo dużej ilości efektów przestrzennych; vikorystovuyasya yaskraviyu nasicheniye kolor, obrazy na kontrastach światła i cyny, ciepłe i zimne tony, rozkoszowały tym łatwym, nijakim sposobem pisania.

Tak więc, mimo całego fałdowania ideologicznej niegodziwości romantyzmu, jego estetyka broniła estetycznego klasycyzmu z XVII-XVIII wieku. Romantycy przeniknęli do kanonu klasycyzmu i stali się stolicą ducha dyscypliny i wielkości. W walce o artystyczną tajemnicę różnych przepisów romantycy nie ingerowali w swobodę twórczej wyobraźni artysty. Dziwne reguły klasycyzmu wydają się takie lepkie, smród przesiąknięty zmieniającymi się gatunkami, które rządziły ich wimoguą, ale widać prawdziwe życie natury, oszustwo piękna i niestosowności, tragedię. Gloryfikując naturalne ruiny ludzkiego serca, romantycy w opozycji do racjonalistycznych wimogów klasycyzmu, z szacunkiem zawiesili kult, logiczny dla logicznych postaci klasycyzmu, romantycy przeciwstawiali się skrajności niepodzielności.

ZAGALNIEGO ZASADY WYSTAWIANIA SIĘ WYKONAWSTWA OPEROWEGO W EPOCE ROMANTYZMU.

W operze z XIX wieku. istnieją dwa charakterystyczne przejawy:

- nurt „rekonstrukcji historycznej” w sferze scenografii;

- Rozkvit "bel canto";

Tak samo jest z 20 skałami skalistymi. 19 art. zrezygnować z walki o utrwalenie romantycznych dramatów. Aby zobaczyć zmianę stylu ze sztuki dekoracyjnej. Romantycy przywiązywali dużą wagę do koloru chwili. Scena jest mała, aby stworzyć atmosferę tej epoki, tak jak to wyobrażano na obrazie. Misce Diya przestała być domeną publiczną. Teraz to nie pałac przed nim, ale pałac rzymski, francuski, hiszpański z precyzyjnymi znakami stylu narodowego.

Krajobraz teatru romantycznego jest w stanie pokazać przyrodę bez indywidualnych upiększeń w całej nieskazitelnej wielkości.

Romantycy, aby wprowadzić w swoich p'usy obrazy jaskiń tajmnicheskikh, pidzemel, vyaznitsa. Dekoracje często przedstawiają burzę na morzu, burzę z piorunami, wybuch wulkanu i spontaniczną manifestację.

Deyak demokratyzacji wnosi do teatru zawieszenie burżuazyjnego zmarłego. Są publiczne teatry operowe, sala do oglądania tego, co jest pokazywane w klasie wydawniczej. Majestatyczną halę z 5-6 poziomów można zobaczyć dla publikacji młodszych szeregów i obóz w pobliżu zawieszenia.

Nayvazhivіshі vіnіnі wyciągając stół idź do sali dla gości na oglądanie i scenę. Już naprikіntsі 18 art. w miejsce świecy, która była wcześniej teatralnym tłumieniem, pojawiły się lampy gazowe, które zostały przejęte przez znaczną część XIX wieku. nawet wcześniej, ponieważ zmienili wygląd oświetlenia elektrycznego. Pierwszy łukowy szperacz Vinika w połowie XIX wieku. Prowadząc winiarnię dynama w ostatnim ćwierćwieczu, ilość i moc takiego światła dojrzała, pozwalając na rozwój efektów świetlnych (jasne senne deptaki, lubią wpadać do ciemnego pokoju, a nie spadać)

Na przykład teatry przechodzą na oświetlenie lampami elektrycznymi, a także projektorami.

Już w pierwszej połowie stolicy, w teatrze, pojawiają się gatunki widoków, z których można tworzyć ruiny statków, statków i statków morskich. Wielkie zainteresowanie mrugnęło do pantomimy wodnej, gdyby majestatyczne kałuże wody znajdowały się na scenie, na której grało morze. W tym samym czasie teatry, zwycięskie i stare spektakle teatralne, nakręciły wiele nowych.

W klasycznym teatrze dawnych czasów istnieje misce dei Bulo Edinim dla wszystkich p'usi. W dobie renesansu sama zasada była brana pod uwagę we Włoszech. Na 17 ul. teoretycznie z pomocą Francji zasady jednej misji zostały potwierdzone przez dramat Francji, za który wprowadzono cały proces w jednym rodzaju dekoracji. Zasada ta nie zyskała szacunku na ludowym Majdanie, a także w ludowym humanistycznym teatrze epoki renesansu w Hiszpanii i Anglii. Ale i tam przezwyciężona została zasada jednego. Rewizję tej zasady dopuszczano czasem w operze, co pozwalało na solidność efektownej dekoracji dodatkowego telewizora (pryzmaty, które można było owinąć). Tak było do pierwszych dziesięciu lat XIX wieku. To samo przesłanie przekazali romantycy dramatowi. Zmiany w dekoracji ekspozycji stały się tłem dla rozwoju ekspozycji. Zmiany zostały podane przed godziną przerw. Ale na szybkie przerwy między krokami, technika była dobrze znana, a nie tak, jak to było. Bagato kolishnіh zasobіv, wiroblyayuyutsya rozwój kapitału teatru, tyran dodał niskie ważne postawy. Najpierw znaczenia - prist_y dla tabletu z ekranem. Za pomocą maszyn hydraulicznych i elektrycznych scena była częściowo lub częściej kradziona; Kolejną satysfakcjonującą rzeczą jest to, że nowa stawka jest na scenie. Ja, nareshty, trzeci bardziej plastycznie, były tak zwane cysterny - wielkie laski Majdanu z boków sceny, de na tabliczkach, części dekoracji zapadały się, szykowały się do pójścia dalej i było tak sprytnie, że daje się wciągnąć za scenę.

Zwraca się do historii produkcji operowych XIX wieku, a potem przechodzi do brutalnego szacunku, aż do ukazania dokładnych scenariuszy scenicznych napisanych przez reżyserów. Oni, pierwsi od wszystkiego, ustalali drogę i wyjście, schematy sceny, iluzje efektu, ao aktorze nic nie mówili. Niełatwo jednak wytłumaczyć bezproblemową manierę reżysera, bo po prostu aktor oddał się sobie. To był udział reżysera w planowaniu dekoracji, rekwizytu i występu scenicznego, bo to była taka ranga, centrum sceniczne dla zwycięzców partii czołowych, centrum sceny, gdy wieje viconant, i zespół jest grany przez ten sam zespół, wszyscy naraz pojawili się znacznie bliżej ramp i dyrygenta.

Poza tsimi vinyatki triumfuje wolny operowy „realizm”, tobto. Konwulsyjna metannya na scenie abo, navpaki, posągowa niezdarność ze zwisającą do przodu jedną nogą, tą żałosną ręką na sercu.

Oskіlka era dyasnіy talenty baletowe, potem kompozytor i reżyser szeptali, jakby można było zademonstrować tajemnicę tancerzy w skórach.

W tym buła operowa vistava to żywy gatunek, z dużą ilością elementów architektonicznych i krajobrazowych, który służył jako pył dla szpiega stojącego na pierwszym samolocie.

STACJA OPERA WAGNER "KILTSE NIBELUNGU".

Wagner, który na nowo napisał swoją epokę i wyprzedza go jako twórca i teoretyk dramatów muzycznych, jest nierozsądnie związany z nią jako reżyserem najpotężniejszych dzieł.

"Kilce nibelunga" do postawienia przed dyrektorem zadania numerycznego, jak może dotyczyć maszyn i dekoracji.

Dno Renu i nieprzerwane życie wód, pływające dzieci i Alberichów, które przemienią się w węża; Wotan, jak spaść z ziemi i wiedzieć we mgle Mimi; ogień, kruszący się kamień, wysłany pod cios kopii Wotana, i wesele, jak bogowie, wkraczają do Walhalli; Śpiew Yerdiego, nareszti, wspaniały obraz spacerów, pędzących na ćmara, z martwymi wojownikami przywiązanymi do siodła.

Za wszystko Wagnerowi podoba się tradycyjna scena operowa z malowniczą scenerią, ekranami z łachtunków, włazami na awarie i prymitywnymi „uroczymi lichtarami”.

W swoich teoretycznych robotach Wagner nigdy nie buntował się przeciwko artystom w gorzkim teatrze, tej przeciętności... Liderzy malarstwa pejzażowego, scena uwikłają się w prawdę artystyczną, a maluchy, kolor, przede wszystkim świadek do samej natury służenia wszystkim artystom aspirującym do...

Jednak w praktyce wszystkie „żywe zwycięskie światła” i „zasoby optyczne” do niczego nie doprowadziły.

Przedstawienia Bayreuth posiadają dekoracyjne wzory, które charakteryzują się dużą liczbą przedstawień tej epoki. Tak więc dno Renu w pierwszej części tetralogii jest gigantyczną akwarelą; Mistyczny lis Zigfrida prodovzhu pokryty jest pierzastą folią, z przebiegłym płótnem i nieprzygotowanymi rekwizytami, z wyraźnymi opisowymi szczegółami, naturalistyczną „owsianką” z liści, giloka i stovburiwa. Przed tą kategorią efektów był używany jako dekoracja, przedstawiająca szkielety, pokazując zejście Wotana do królowej Nibelheimów.

Wymazywanie naturalistycznych konturów projektu, tak że konieczne jest uporczywe trzymanie się sporu o germańską walencję z Galavinami i „peryferia” oper na straganie „Bilo Ladies”, Prikhovati zobacz pritulika. oczy gapiów w manewrach technicznych, zwycięstwa nad potrzebą zmiany dekoracji w sytuacji awaryjnej.

Młoda para nie ma jednak czasu na śmiech, jak Wagnerowska vkazivka, ale dwukrotnego pojawienia się Yerdiego należy się obawiać. Tsia dowiedziała się od bogiń, ziemi wołodarki, matek bogów, małej visovuvatisha do pasa z włazu teatralnego.

To naprawdę komiczne, można powiedzieć, że groteskowemu rozwojowi sytuacji na scenie dość kontrastuje cudowne wołanie Wotana i potężne dźwięki orkiestry, a nie zwycięski szacunek i godne podziwu ataki na krytyków tej czy tamtej epoki ze smokiem, jak przemawiać do megafonu, owijając oczy, ogon, pluskanie o ziemię i brudne zęby w rytm muzyki.

Rola światła ma powstać w pierwszej kolejności, aż do naturalistycznego dnia i nocy, a także zmian w atmosferze, jeśli Wagner chce go użyć jako symbolu, w tym samym vipadzie wiążą się ze sobą pojawienie się śpiewających postaci. W aureoli blakitnego światła, vistupa Yerda; wycinek czerwonych wymian visvitlyu w „Valkiriya” i „Zigfridi” Wotan. Jeden z krytyków nieprzyjemnie rzuca się w światło: „nierozsądne jest ze względu na moc wymiany elektrycznej„ nadrabianie ”kolorów dekoracji i patrzenie na płótna, aby zastąpić drzewa”.

Romantyczny chaos i wszechstronność, które charakteryzują dekoracje, są tak wyraźne w ich kostiumach, że Lormowskie „rekonstrukcje historyczne” powstają w Operze Paryskiej Roberta Diabła. Projektantom kostiumów trudno było opisać szczegóły i detale, bo może nie zbroja Brungildy, ale też od półksiężyca do tego stopnia, że ​​nie jest mitologiczna, ale nie tyle suknia (także w modnych fałdach ), Zygm ni pół orzech, pół nijaka tunika, jest wyznaczony przez Loziego, by nie pokazywał świateł mitycznych bogów, by schodził do portu Nibelheim, by szedł na wesoło i harcował wśród hmarów.

„Teatr stracił teatralną tajemnicę” – pisze Wagner, i że wbrew duchowi opery, aktorska strona spektaklu staje się tematem jego szczególnego turbota.

Spіvak, który nie zbudował w ten sposób swojej partii, nie chciał toczyć się w dramacie, z dużym wniknięciem w ideę autora, nie zbudowaną na wymaganej przez kompozytora różnorodności wokalnej. Tomowi Wagnerowi polecono poprowadzić specjalne libretto do czytania, żeby nie pozbawić solistów, lecz chór, przeniknąć artystyczny sensor i poznać różnicę między interpretacjami, żebyście chcieli poznać sytuację.

Wagner wyraźnie scharakteryzował styl wokalny swoich dramatów muzycznych od listy do Listy: „Moja opera nie ma jednej płyty, ale frazy tzw. „deklamacja” i „spivu”. Moja recytacja to jedna godzina spiv, moja spiv to recytacja. Mam głupie zakończenie „spivu” i wyraźny „recytatyw”, ponieważ zapraszasz do oznaczenia dwóch różnych stylów wokalnych. Własno z włoskiego recytatywu, jeśli kompozytor nie może być brutalny, szanuj rytm recytacji, dam swobodę spivak, nie zostanę uderzony. U cichych ludzi depoetyczny tekst ciążących lirycznych bolączek sprowadza się do prostszych przejawów motywacji emocjonalnej, nie myślałem o słuszności rozumienia charakteru recytacji, jak to ma miejsce w scenach wokalnych. Temu, który wziął piosenkę za ekstrawagancki recytatyw i w rezultacie przeze mnie ustalony rytm, śpiewam swoją muzykę w takim świecie, jak jest w świecie, jak w vigaduv w muzyce tej harmonii do moich lirycznych melodii. Namagayuchis in Tsikh mіstsyah scho nagaduyut recytatyw, po prostu oharakterizuvati rytm deklamatsії scho vіdpovіdaє pereslіduvanim viraznim tsіlyam me, pytam dirigentіv i spіvakіv, mieszkańcy śmierdzą vikonovіs tsіd, music.

Wagner hvilyu odżywcze duchy. Orkiestra teatru Bayretian nie jest pozbawiona „mistycznej prirwy”, a jedynie wspomaga orkiestrowy komentarz, dzięki czemu tekst pojawia się na pierwszym planie dźwiękowym jako aktor.

T.ch., Wagner przedstawia dwie podstawowe vimoga do sp_vaku:

- nuty suvoro dotrimuvatisya

- prześlij tekst w ten sposób, shchob vin buv chutny i zrozumiliy.

Przed wagnerowskim aktorem stała pierwsza osoba. Ich głównym punktem jest potrzeba koordynacji grilla aktora z muzyką. Wagner vimag, schob akcja sceniczna dokładnie pasowała do oryginalnych motywów orkiestrowych.

Śledźcie pragmatyczną synchronizację blichtru i muzyki kompozytora z kompozytorską bazannią szlachty i serpentyn. „Tam wszędzie sposób operowy zaszczepił nas w szeroko rozłożonych ramionach z szeroko rozłożonymi rękami, co nic nie oznacza wołania o pomoc, chodziło nam o to, że trzy uniesione ręce, lub charakterystyczne wywinięcie barku lub głowy, są dość, żeby go znaleźć. ... poznaj viraz i w visonavchy zagadka(Skripal Paganіnі, spіvak ...

Romantyzm (14)

Streszczenie >> Kultura i kochanka

Posiłki ludowe, Kazachowie. Romantyzm Buv dużo ubierania się od demokratycznego ... mniej do malowania. W wyobraźni zagadka Romantyzm najwyraźniej przejawia się w malarstwie... Romantyzm... Artyści Romantyzm: Turner, Delacroix, ...

Romantyzm(Romantyzm) jest bezpośrednim i artystycznym directem, w kulturze europejskiej i amerykańskiej XVIII wieku - pierwszej połowy XIX wieku, jako reakcja na estetykę klasycyzmu. Niewielka grupa ludzi (1790-rr.) Od filozofii i podróży w Nimechchin, a od początku (1820-rr.) Rozszerzona w Anglii, Francji i innych krajach. Wygrywając ostatnie rozwinięcie mistrza, nawiguj nim bezpośrednio, tak jak zrobili odwrotnie.

Swoboda wyrażania siebie stała się nowymi kryteriami w sztuce, wzniesiono szacunek dla indywidualnego, niepowtarzalnego ryżu ludzi, natury, szerokości i otwartości, które odziedziczyły klasykę XVIII wieku. Romantycy widzieli racjonalizm i praktyczność, edukację jako mechaniczną, niespecyficzną i sztukę. Naturę smrodu na myszach chine wyznaczyła skuteczność zapachu, naturalność.

Widząc dla siebie cały system arystokratycznych rządów, ale upadek, smród zwiększył widoczność ich nowego wyglądu, widzą prawdę. Zmieniająca się rzecz w zawieszeniu. Zapachy znały swojego czytelnika z klasy średniej, który jest wysoki, gotowy do emocjonalnej edukacji i przytulania się przed artystą - geniuszem i prorokiem. Siła i pokora bule vidkinut. Dochodzi do zmiany silne emocje, które często sięgają skrajności.

Młodzi ludzie byli szczególnie przesiąknięci romantyzmem, ponieważ odebrali umiejętność czytania i częstego czytania (co z otyłym rozwinięciem poręcznej prawicy). Mam nadzieję rozwijać pomysły na indywidualny rozwój i samorealizację, ideały szczególnej wolności w oczach, aby sprostać poglądom racjonalizmu. Szczególnie rozwój został umieszczony w standardzie futra, a także w arystokratycznym zawieszeniu. Romantyzm uświęconej młodzieży zmienił zwrotkę Europy, stając się uchem uświęconej „klasy średniej” w Europie. I obraz Mandrovnik nad morzem do mgły W zasadzie można go nazwać symbolem okresu romantyzmu w Europie.

Deyakі romantycy zwrócili się do oswojonego, tajemniczego, navіt zhahlivy, ludowego jedzenia, kazoków. Romantyzm częściowo związał się z demokratycznymi, narodowymi i rewolucyjnymi ruchami, jeśli kultura Rewolucji Francuskiej jest „klasyczna”, to rewolucja francuska pomogła doprowadzić do nadejścia romantyzmu do Francji. Pod koniec godziny jest kilka literackich rukhów, jest kilka z nich - "Burza i Natarcie" w Nimechchin, prymitywizm we Francji, na chol tego, co stał Jean-Jacques Rousseau, powieść gotycka, ujął to określenie "Romantyzm"). Dzherelom natchnennya dla pisarzy Nimieckiego, teoretyków szkoły jeneńskiej (bracia Schlegel, Novalisa i Inshikh), którzy demaskowali się jako romantycy, Bula transcendentalna filozofia Kanta i Fіkhte, która opierała się na mocy twórczej. Niektóre z nowych idei założyciela Colridge dotarły do ​​Anglii i Francji, a także zapoczątkowały rozwój amerykańskiego transcendentalizmu.

W tej randze romantyzm narodził się jako nurt literacki, całkowicie wlewając go w muzykę, a mniej w malarstwo. W misterium imaginacyjnym romantyzm najpiękniej pojawił się w malarstwie tego wykresu, mniej w architekturze. W XVIII wieku miłosne motywy artystów znajdują się w pejzażach boule hirski i ruinach malovnichi. Najważniejsza jest dynamika kompozycji, objętość przestrzenności, bogactwo koloru, światło (na przykład tworzą Turner, Zheriko i Delacroix). Wśród najbardziej romantycznych artystów można wymienić Fuseli, Martinę. Możliwa jest także twórczość prerafaelitów i neogotyk w architekturze jako przejaw romantyzmu.

Na pograniczu XVIII i XIX wieku kultura europejska i amerykańska przeżywała narodziny, apel z okresu myśli i filozofii wychowania, z okresu romantyzmu. Przeplatanie działań Nimechchina w kulturze Anglii, Francji, Rosji i innych regionów Europy, romantyzm w artystycznym świetle z nowymi farbami, fabułami i smilizmem nagiej natury.

Nazwa nowego nurtu zrodziła się z ciasnego splotu znaczeń jednobrzmiących słów dawnych ziem - romantyzmu (Francja), romansu (Hiszpania), romantyzmu (Anglia). Po latach zakorzeniła się bezpośrednio i przeszła do naszych czasów jako romantyka - jest malowniczo cudowna, fantastycznie piękna, ale tylko w książkach, ale nie na prawdę.

Charakterystyka Zagalny

Romantyzm w epoce prosperity i nadejścia rewolucji przemysłowej, oznaczany pojawieniem się lokomotywy parowej, parowozu, parowca, fotografii i przedmieść fabryk. Wychowanie Yakshho charakteryzuje kult róży i wywodzi się z zasadzek cywilizacji, wtedy romantyzm to kult natury, która jest naturalna w ludziach.

W dobie samego romantyzmu kształtuje się zjawisko turystyki, alpinizmu i pikników, przebłysk innowacji i jedności ludzi z naturą. Będziemy domagać się wizerunku „szlacheckiego dzikusa”, rozwścieczonego „mądrością ludową”, a nie uchwyconego przez cywilizację. Romantycy Tobto chcieli pokazać niewinną osobę w niespotykanej dotąd scenerii. Jednym słowem, romantyzm przeciwstawił się postępowej cywilizacji.

Romantyzm w malarstwie

Glibina najpotężniejszych szczególnych przeżyć i myśli – osią jest przekazanie malarzowi poprzez swój artystyczny wizerunek, takich jak detale kryjące się za dodatkowym kolorem, kompozycje i akcenty. W ojczyznach istniały własne specjalności w interpretacji romantycznego obrazu. Wszystko wiąże się z filozoficznym nurtem, a także trzymającą w napięciu sceną polityczną, dotyczącą tego, jak żyjemy z tajemnicą bulo. Nie obwinianie obrazu.

O tej godzinie miasto zostało zmiażdżone przez inne księstwa i książęta i przeżywało poważny wstrząs społeczny. Artyści nie przedstawiali bohaterów-tytanów, nie rabowali monumentalnych płócien, w tym przypadku entuzjazm wkradł się w chwalebne duchowe światło ludu, moralną shukannya, ogrom tego piękna. To największy świat romantyzmu w malarstwie, pejzażach i portretach Nimechchina.

Tradycyjnym standardem gatunku jest Roboti Otto Runge. W portretach malarza, poprzez obróbkę ryżu, odsłonięcie tych oczu, poprzez kontrast światła i światła, zostaje przekazana pochwała artysty i nadmierna drobiazgowość wyjątkowości, przebłysk światła jest poczuł. Zarządcy krajobrazu są hiperbolicznymi, a mały świat boskimi obrazami drzew, ptaków i zwierząt. Otto Runge uświadomił sobie także bogactwo ludzkich specjalności, podobieństwo natury, niepoznawalnej i zamożnej.

Autoportret "Mi trzy", 1805, Philip Otto Runge

We Francji romantyzm w malarstwie rozwijał się według tych samych zasad. Tęgi, trzymający w napięciu życie, a także rewolucyjne wstrząsy pojawiają się w malarstwie i ciężkich malarzach na obraz boskich i historycznych fabuł, a także „nerwowych”

Twórczość T. Geriko ma bardziej romantyczne pomysły. Malarstwo otwierające pulsującą głębię emocji, profesjonalnie rozpędzone światłem i kolorem, wyobrażające zapowiedzi wolności i walki.

Derby w Epsom, 1821, Teodor Zheriko

„Oficer gwardii cesarza Kijowa, idąc do ataku”, 1812

Jego obraz epoki romantyzmu znany był także na płótnach artystów, gdyż nikczemne wewnętrzne lęki, nienawiść i nienawiść w wyraźnych kontrastach światła, cyny i pivtonu. Zamówienie Vibilenі tila G.I.Fusli z fantasmagorієyu wigadan potwornością, nagimi i brzmiącymi spragnionymi kobietami E. glibini stolіt Gothic i Revival na powierzchni to ci, którzy wcześniej tak stracili swoje maski przez starożytne kanony.

Koszmar, 1781, Johann Heinrich Füsli

Wolność, dostarcz ludziom, 1830, Eugene Delacroix

Raiduga, Iwan Aiwazowski

Jako obraz XIII i XIV wieku pojawi się skąpy bouvie na emocję, a na początku trzywiecznego okresu formowania się artysty wczesnego i wysokiego renesansu, z przedmieść o aktualności późniejsze życie w skrajności, jak na okres Prospektu, pozwoliło spojrzeć na światła, widok na rzeczywistość.

Aby przekazać namiętności, artyści udali się do vikorystannya soczystych farb, jasnych kresek i obrazów „efektów specjalnych”.

Bidermejur

Jeden z punktu widzenia romantyzmu w malarstwie є style bidermeur... Głównym ryżem jest Bidermeyura-Idealizm. Malarstwo ma mało scen, aw innych gatunkach obrazy mają charakter kameralny. Malowanie jest pragmatyczne, aby poznać idylliczny urok małych ludzi. Tendencje Tsya syagє zwłaszcza narodowej walki Nimieckiego, przed mieszczanami.

Książka hrobak, bł. 1850, K. Spitzweg

Jeden z największych przedstawicieli malarstwa Bidermeur, Karl Spitzweg, pisał diva-tapicerkę, jak nazywano ich w Nimechchin, filisters, jako wine-boo i siebie.

Na pewno bohaterowie amatorów, mali ludzie z prowincji, którzy podlewają trojandy na balkonach, liście, kucharze, skrybowie. Obrazy Spitzwega mają humor, śmieją się ze swoich bohaterów, ale beznamiętnie.

Rozumienie „Bidermejir” krok po kroku rozszerzyło się na modę, sztukę użytkową, grafikę, wnętrza, meble. Sztuka użytkowa ma najlepsze rozwinięcie do tworzenia listy produktów i zapasów. Do 1900 roku słowo to oznaczało także „stare dobre godziny”.

Prowincjonalne w stylu Bidermejir, chcę artystów ze stolicy w całym stylu, z Berlina i Vidni. Przeniknął bidermeur i do Rosji. Napar Yogo є w robotach rosyjskiego maystrіv, A.G. Venetsianov i V.A. Tropinin. Viraz „Russian Biedermeier” іsnu, chcę brzmieć bez wzruszenia ramionami.

Śpiący pasterz, 1823-24, AG Venetsianov

Portret rodzinny hrabiów Morkowików, 1813, WA Tropinin

Rosja ma zegarek bidermeyur-tse pushkinsky. Bidermeyur moda zegarków Pushkinsky. Tse redingot, kamizelka i cylinder dla choloviks, laski, spodnie vuzky z paskami. Inodi-frak. Kobiety nosiły sukno z wysokim stanem, szerokim dekoltem, szerokimi plecami w formie pierścienia, kropelek. Przemówienia bully są proste, bez składanych ozdób.

Dla inter'eriv styl Bidermeyera charakteryzuje intymność, równowaga proporcji, prostota form i jasna kolorystyka. Stosując kule światła i przestronności, poprzez wnętrze, wybaczy nam to świat, aczkolwiek komfortowo psychicznie. Ściany pokoi z dużymi oknami obsadzone były dużymi lub małymi oknami, oklejonymi wytłaczanymi, śniadymi gobelinami. Malunok na vіkonnykh fіranki i meble obbivtsі buv są takie same. Wszystkie detale do wnętrz kolorowanków i dla najmłodszych z wizerunków kolorowanków.

Jest „czysty pokój”, który ma być „pokojem”, ponieważ nie pokutowali w życiu codziennym. Taka, zzvychay zakrita "pokój nedilna", służył pozbawiony przyjmowania gości. Wczesny spokój dano mieszkającemu inter'erowi przez wykonanie w cieple mebli i prawdziwych akwareli, rycin, a także mnóstwo ozdób i pamiątek. Podobnie jak i jednocześnie z podobieństwami stylistycznymi, praktyczny bidermayor jest dostępny tylko dla mebli, które pokazują funkcjonalność i wygodę. Mikołaja wyposażenia wydawały się nie pasować do ich projektu, gdyż w przeszłości dekoracyjność szła na inny plan.

Na początku XX wieku bidermeyur został oceniony negatywnie. Yogo rozumili jaka „wulgarny, miszchansky”. Masz rację, władze są w takiej sytuacji, jak intymność, intymność, sentymentalizm, poezja przemówień, które wymagały takiej oceny.

Romantyzm w literaturze

Sprzeciwiał się romantyzmowi eposu oświatowego i słownemu planowi: mova romantycznych stworzeń, pragmatyzmowi bycia naturalnym, „bezczynnym”, dostępnym dla wszystkich czytelników, był bohaterem klasy szlachetnej, „tragicznej” dla klasyka, tragedia

Romantyczny bohater-Funkcja jest składana, wrażliwa, wewnętrzne światło jest doskonale jasne, nieistniejące; tse ts_liy vsesvit, wytrzeć povny. Romantycy tsikavili wszystkie uzależnienia, zarówno wysokie, jak i niskie, w przeciwieństwie do jednego. Uzależnienie od Visoki - miłość we wszystkich przejawach, niska chciwość, ambicja, dobroduszność. Zainteresowanie silnymi i jasnymi sentymentami, wszechogarniającymi nałogami, tymi ruinami dusz, które są charakterystyczne dla romantyzmu.

W starym zachodnioeuropejskim romantyzmie pesymizm w stosunku do zawieszenia kosmicznych proporcji nabuva staje się „chorym na kapitał”. Bohaterom romantycznych kreacji (FR Chatobriana, A. Musset, J. Byron, A. Vinya, A. Lamartin, G. Heine i in.), Moc nastroju beznadziejności, psucia się, gdy pęcznieją charakter miasta. Dokładność została wchłonięta w świat, zło rządzi światłem, stary chaos został wskrzeszony. Temat „strasznego światła”, który dominuje w całej literaturze romantycznej, stał się bardziej popularny w tak zwanym „czarnym gatunku”, a także w pracach Byrona, K. Brentano, ET A. Hoffmana, E. Po i N. Hawthorne'a.

W tej samej godzinie romantyzm toczy idee, rzucając wiki na „straszne światło” – pierwsze dla wszystkich idei wolności. Romantyzm Rozcharuvannya - tse rozcharuvannya ze względu na prawdę, ale postęp i cywilizację - pozbawiona jest tylko jednej strony. Odrzucenie strony centralnej, widoczność świata pod władzą cywilizacji da Ci najlepszą drogę, drogę do ideału, ideału, absolutu. Tsey shlyakh maє virishiti wszystko ociera, zwiększając zmiany w życiu. Tse shlyakh do perfekcji, „do rzeczy, wyjaśniając, co jest wymagane do shukati od widocznej strony” (A. De Vinyi).

Dla niektórych romantyków w świetle jest wiele niewiedzy i zagadek, ponieważ trzeba żałować i nie zmieniać udziału (śpiew „szkoły jeziora”, Shatobrian, V.A. Zhukovskiy). W inshikh „złe zło” niegodziwy protest, vimagalo zemsta, walka. (J. Byron, P.B. Shelli, Sh.Petefi, A. Mickiewicz, wczesny A.S. Puszkin). Wypijmy tych, którzy powąchali zapach ludzi przez jeden dzień, zavdannya takiego wezwania nie powinno być warzone do końca zvychaykh zavdan. Nawpaki, nie przesłonięci wszystkim, romantycy zobowiązali się odgadnąć tamnitsa ludzkiego tyłka, bestialskiego dla natury, opierając się na własnym sentymencie religijnym i poetyckim.

Przed przemówieniem sam Żukowski włączył do literatury rosyjskiej jeden z najbardziej ulubionych gatunków romantyzmu zachodnioeuropejskiego. balada... Menedżerowie rosyjskich czytelników Żukowskiego dowiedzieli się o baladach Keta, Schiller, Burger, Sauti, V. Scott. „Zmiana w prozie to niewolnik, zmiana w wersecie to supernik”, a słowa powinny zostać narzucone samemu Żukowskiemu i sprowadzone z powrotem do jego pozycji, do jego własnej zmiany.

Pislya Zhukovskiy do gatunku baladi jest bardzo bogaty w poezję - A.S. Puszkin ( Piosenka o rzece Oleg, Utonął), M.Ju.Lermontow ( Wrak statku, Syrena), A.K. Tołstoj ( Wasil Szibanow) to w.