Становлення мистецтв і практична фіксація їх видів відбувалися в епоху, що суттєво відрізнялася від нашої, і здійснювалися людьми, чия влада над речами була незначною порівняно з тією, яку ми маємо. Однак дивовижне зростання наших технічних можливостей, набуті ними гнучкість і точність дозволяють стверджувати, що незабаром у стародавній індустрії прекрасного відбудуться найглибші зміни. У всіх мистецтвах є фізична частина, яку вже не можна більше розглядати і якою не можна більше скористатися так, як раніше; вона більше не може перебувати поза впливом сучасної теоретичної та практичної діяльності. Ні речовина, ні простір, ні час останні двадцять років не залишилися тим, чим вони були завжди. Треба бути готовим до того, що такі значні нововведення перетворять всю техніку мистецтв, надаючи тим самим впливом геть сам процес творчості і, можливо, навіть змінять чудовим чином саме поняття мистецтва.

Paul Valery. Pieces sur l'art, p.l03-I04 (La conquete de Pubiquite).

Передмова

Коли Маркс взявся аналіз капіталістичного способу виробництва, цей спосіб виробництва переживав свою початкову стадію. Маркс організував свою роботу так, що вона набула прогностичного значення. Він звернувся до основним умовам капіталістичного виробництва та представив їх таким чином, що за ними можна було побачити, на що буде здатний капіталізм надалі. Виявилося, що він не тільки породить дедалі жорсткішу експлуатацію пролетарів, а й нарешті створить умови, завдяки яким виявиться можливою ліквідація його самого.

Перетворення надбудови відбувається набагато повільніше, ніж перетворення базису, тому знадобилося понад півстоліття, щоб зміни у структурі виробництва знайшли свій відбиток у всіх галузях культури. Про те, як це відбувалося, можна судити тільки зараз. Цей аналіз має відповідати певним прогностичним вимогам. Але цим вимогам відповідають не так тези про те, яким буде пролетарське мистецтво після того, як пролетаріат прийде до влади, не кажучи вже про безкласове суспільство, як положення щодо тенденцій розвитку мистецтва в умовах існуючих виробничих відносин. Їхня діалектика проявляється в надбудові не менш ясно, ніж в економіці. Тому було б помилкою недооцінювати значення цих тез для політичної боротьби. Вони відкидають низку застарілих понять — таких як творчість і геніальність, вічна цінність і таїнство, — неконтрольоване використання яких (а нині контроль здійснимо важко) веде до інтерпретації фактів у фашистському дусі. Нові поняття, що вводяться далі в теорію мистецтва, відрізняються від більш звичних тим, що використовувати їх для фашистських цілей зовсім неможливо. Проте, вони придатні для формулювання революційних вимог у культурній політиці.

I

Твір мистецтва у принципі завжди піддавалося відтворенню. Те, що було створено людьми, завжди могло бути повторене іншими. Подібним копіюванням займалися учні для вдосконалення майстерності, майстри — для ширшого поширення своїх творів, нарешті, треті особи з метою наживи. Порівняно з цією діяльністю технічне репродукування твори мистецтваявляє собою нове явище, яке, хай і не безперервно, а розділеними великими часовими інтервалами ривками, набуває все більшого історичного значення. Греки знали лише два способи технічного відтворення творів мистецтва: лиття та штампування. Бронзові статуї, теракотові фігурки та монети були єдиними витворами мистецтва, які вони могли тиражувати. Всі інші були унікальними і не піддавалися технічному репродукуванню. З появою гравюри на дереві вперше стала технічно репродукована графіка; пройшло ще досить довгий час, перш ніж завдяки появі друкарства те саме стало можливим і для текстів. Ті величезні зміни, які викликало в літературі друкарство, тобто технічну можливість відтворення тексту, відомі. Однак вони становлять лише один окремий, хоч і особливо важливий випадок того явища, яке розглядається тут у всесвітньо-історичному масштабі. До гравюри на дереві протягом середньовіччя додаються гравюра різцем на міді та офорт, а на початку дев'ятнадцятого століття — літографія.

З появою літографії репродукційна техніка піднімається на принципово новий щабель. Набагато більш простий спосіб перекладу малюнка на камінь, що відрізняє літографію від вирізування зображення на дереві або його травлення на металевій пластинці, вперше дав графіку можливість виходити на ринок не тільки досить тиражами (як до того), але і щодня варіюючи зображення. Завдяки літографії графіка змогла стати ілюстративною супутницею повсякденних подій. Вона почала йти в ногу з друкарською технікою. У цьому відношенні літографію вже через кілька десятиліть обійшла фотографія. Фотографія вперше звільнила руку в процесі художньої репродукції від найважливіших творчих обов'язків, які відтепер перейшли до ока, що спрямоване в об'єктив. Оскільки око схоплює швидше, ніж малює рука, процес репродукції отримав таке потужне прискорення, що вже могло встигати за усною мовою. Кінооператор фіксує під час зйомок у студії події з тією самою швидкістю, якою говорить актор. Якщо літографія несла в собі потенційну можливість ілюстрованої газети, поява фотографії означала можливість звукового кіно. Вирішення завдання технічного звуковідтворення розпочали наприкінці минулого століття. Ці зусилля, що сходяться, дозволили прогнозувати ситуацію, яку Валері охарактеризував фразою: «Подібно тому як вода, газ і електрика, підкоряючись майже непомітному руху руки, приходять здалеку в наш будинок, щоб служити нам, так і зорові і звукові образи будуть доставлятися нам, з'являючись і зникаючи за велінням незначного руху, майже знака »1. На рубежі XIХ і XX століть кошти технічної репродукції досягли рівня, перебуваючи на якому вони не тільки почали перетворювати на свій об'єкт всю сукупність наявних творів мистецтва та серйозно змінювати їх вплив на публіку, але й посіли самостійне місце серед видів художньої діяльності. Для вивчення досягнутого рівня немає нічого пліднішого аналізу того, яким чином два характерні для нього явища — художня репродукція та кіномистецтво — надають зворотний вплив на мистецтво в його традиційній формі.

II

Навіть у найдосконалішій репродукції немає одного моменту: тут і зараз твори мистецтва — його унікальне буття в тому місці, де воно знаходиться. На цій унікальності і ні на чому іншому трималася історія, в яку твір був залучений до свого побуту. Сюди включаються як зміни, які з часом зазнавала його фізична структура, так і зміна майнових відносин, до яких воно було залученим 2 . Сліди фізичних змін можна виявити лише з допомогою хімічного чи фізичного аналізу, який може бути застосований до репродукції; Що ж до слідів другого роду, то вони є предметом традиції, у вивченні якої за вихідну точку слід приймати місце знаходження оригіналу.

Тут і зараз оригіналу визначають поняття його справжності. Хімічний аналіз патини бронзової скульптури може бути корисним визначення її справжності; відповідно свідчення, що певний середньовічний рукопис походить зі зборів п'ятнадцятого століття, може бути корисним для визначення його справжності. Все, що пов'язане з справжністю, недоступне технічній – і, зрозуміло, не лише технічній – репродукції 3 . Але якщо стосовно ручної репродукції, яка кваліфікується в цьому випадку як підробка, справжність зберігає свій авторитет, то стосовно технічної репродукції цього не відбувається. Причина тому двояка. По-перше, технічна репродукція виявляється самостійнішою стосовно оригіналу, ніж ручна. Якщо йдеться, наприклад, про фотографію, то вона в змозі висвітлити такі оптичні аспекти оригіналу, які доступні лише об'єктиву, що довільно змінює своє положення в просторі, але не людському оку, або може за допомогою певних методів, таких як збільшення або прискорена зйомка, зафіксувати зображення просто недоступні звичайному погляду. Це перше. І, до того ж, і це по-друге, вона може перенести подобу оригіналу в ситуацію, для самого оригіналу недоступну. Насамперед вона дозволяє оригіналу зробити рух назустріч публіці, чи то у вигляді фотографії, чи то у вигляді грамофонної платівки. Собор залишає площу, на якій він знаходиться, щоб потрапити до кабінету поціновувача мистецтва; хоровий твір, що пролунав у залі або просто неба, можна прослухати в кімнаті. Обставини, в які може бути поміщена технічна репродукція витвору мистецтва, навіть якщо й не торкаються у всьому іншому якостей твору — у будь-якому випадку вони знецінюють його тут і зараз. Хоча це стосується не тільки творів мистецтва, а й, наприклад, пейзажу, що пропливає в кіно перед очима глядача, однак у предметі мистецтва цей процес вражає його найбільш чутливу серцевину, нічого схожого за вразливістю природні предмети не мають. Це його справжність. Справжність будь-якої речі - це сукупність всього, що вона здатна нести в собі з моменту виникнення, від свого матеріального віку до історичної цінності. Оскільки перше становить основу другого, то репродукції, де матеріальний вік стає невловимим, похитну виявляється і історична цінність. І хоча торкнута лише вона, похитнутим виявляється і авторитет речі 4 .

Те, що при цьому зникає, може бути підсумовано за допомогою поняття аури в епоху технічної відтворюваності витвір мистецтва позбавляється своєї аури. Цей процес симптоматичний, його значення виходить за межі галузі мистецтва. Репродукційна техніка, так можна було б висловити це в загальному вигляді, виводить предмет, що репродукується, зі сфери традиції. Тиражуючи репродукцію, вона замінює його унікальний прояв на масовий. А дозволяючи репродукції наближатися до людини, яка її сприймає, де б вона не знаходилася, вона актуалізує репродукований предмет. Обидва ці процеси викликають глибоке потрясіння традиційних цінностей - потрясіння самої традиції, що представляє зворотний бік кризи і оновлення, що переживається людством. Вони знаходяться у найтіснішому зв'язку з масовими рухами наших днів. Їх наймогутнішим представником є ​​кіно. Його суспільне значення так само в його найбільш позитивному прояві, і саме в ньому, не мислимо без цієї деструктивної складової, що викликає катарсис: ліквідації традиційної цінності у складі культурного спадщини. Це найбільш очевидно у великих історичних фільмах. Воно дедалі більше розширює свою сферу. І коли Абель Ганс 5 в 1927 році з ентузіазмом вигукував: «Шекспір, Рембрандт, Бетховен будуть знімати кіно... Всі легенди, всі міфології, всі релігійні діячі та й усі релігії... чекають на екранне воскресіння, і герої нетерпляче юрмляться біля дверей », * він - очевидно, сам того не усвідомлюючи, - запрошував до масової ліквідації.

III

Протягом значних історичних часових періодів разом із загальним способом життя людської спільності змінюється також і чуттєве сприйняття людини. Спосіб і образ організації чуттєвого сприйняття людини - засоби, якими воно забезпечується - обумовлені як природними, а й історичними чинниками. Епоха великого переселення народів, в яку виникла пізньоримська художня індустрія та мініатюри віденської книги Буття, породила не тільки інше, ніж в античності, мистецтво, а й інше сприйняття. Вченим віденської школи Ріглю і Вікхофу, які зрушили махину класичної традиції, під якою було поховано це мистецтво, вперше спало на думку відтворити по ньому структуру сприйняття того часу. Як не велике було значення їх досліджень, обмеженість їх полягала в тому, що вчені вважали за достатнє виявити формальні риси, характерні для сприйняття в пізньоримську епоху. Вони не намагалися — і, можливо, не могли вважати це за можливе — показати суспільні перетворення, які знайшли вираз у цій зміні сприйняття. Що ж до сучасності, то тут умови для такого відкриття сприятливіші. І якщо зміни у способах сприйняття, свідками яких ми є, можуть бути зрозумілі як розпад аури, існує можливість виявлення суспільних умов цього процесу.

Було б корисно проілюструвати запропоноване вище історичних об'єктів поняття аури з допомогою поняття аури природних об'єктів. Цю ауру можна визначити, як унікальне відчуття дали, який би близький при цьому предмет не був. Ковзати поглядом під час літнього післяполуденного відпочинку по лінії гірської гряди на горизонті або гілки, під покровом якої проходить відпочинок, - це означає вдихати ауру цих гір, цієї гілки. За допомогою цієї картини неважко побачити соціальну обумовленість розпаду аури, що проходить у наш час. В основі його дві обставини, обидва пов'язані з дедалі більшим значенням мас у сучасному житті. А саме: пристрасне прагнення "наблизити" до себе речі як у просторовому, так і людському відношенні так само характерне для сучасних мас 6 , як і тенденція подолання унікальності будь-якої даності через прийняття її репродукції. День у день проявляється непереборна потреба оволодіння предметом у безпосередній близькості через його образ, точніше - відображення, репродукцію. При цьому репродукція в тому вигляді, в якому її можна зустріти в ілюстрованому журналі чи кінохроніці, цілком очевидно відрізняється від картини. Унікальність і постійність спаяні в картині так само тісно, ​​як швидкоплинність і повторюваність у репродукції. Звільнення предмета з його оболонки, руйнація аури — характерна риса сприйняття, чий «смак до однотипному у світі» посилився настільки, що його за допомогою репродукції вичавлює цю однотипність навіть із унікальних явищ. Так в області наочного сприйняття знаходить відображення те, що в галузі теорії проявляється як значення статистики, що посилюється. Орієнтація реальності на маси і мас на реальність - процес, вплив якого і на мислення, і сприйняття безмежно.

IV

Єдиність твору мистецтва тотожна його впаяності в безперервність традиції. У той же час сама ця традиція — явище цілком живе та надзвичайно рухливе. Наприклад, антична статуя Венери існувала для греків, котрим вона була предметом поклоніння, в іншому традиційному контексті, ніж для середньовічних клерикалів, які бачили у ній жахливого ідола. Що було однаково значуще і тих, й інших, то це її єдиність, інакше кажучи: її аура. Початковий спосіб приміщення твори мистецтва у традиційний контекст знайшов вираз у культі; Найдавніші витвори мистецтва виникли, як відомо, щоб служити ритуалу, спочатку магічному, а згодом релігійному. Вирішальним значенням має та обставина, що цей образ існування твору мистецтва, що викликає ауру, ніколи повністю не звільняється від ритуальної функції твору 7 . Іншими словами: унікальна цінність «справжнього» витвору мистецтва ґрунтується на ритуалі, в якому воно знаходило своє початкове та перше застосування. Ця основа може бути багаторазово опосередкована, проте й у найпрофанніших формах служіння красі вона проглядає як секуляризований ритуал 8 . Профанний культ служіння прекрасному, що виник у епоху Відродження і проіснував три століття, з усією очевидністю відкрив, зазнавши після цього терміну перші серйозні потрясіння, свої ритуальні підстави. А саме, коли з появою першого дійсно революційного репродукуючого засобу, фотографії (одночасно з виникненням соціалізму) мистецтво починає відчувати наближення кризи, яка через століття стає цілком очевидним, воно в якості реакції у відповідь висуває вчення про l'art pour l'art, що представляє собою теологію мистецтва. З нього потім вийшла негативна теологія в образі ідеї «чистого» мистецтва, що відкидає не тільки будь-яку соціальну функцію, а й будь-яку залежність від будь-якої матеріальної основи. (У поезії цієї позиції першим досяг Малларме.)

З появою різних методів технічної репродукції твори мистецтва його експозиційні можливості зросли у такому величезному обсязі, що кількісний зсув у балансі його полюсів переходить, як у первісну епоху, якісну зміну його природи. Подібно до того як у первісну епоху витвір мистецтва через абсолютну переважання його культової функції був у першу чергу інструментом магії, який лише пізніше був, так би мовити, упізнаний як витвір мистецтва, так і сьогодні витвір мистецтва стає, через абсолютну переважання його експозиційної цінності, новим явищем із цілком новими функціями, з яких сприймається нашою свідомістю, естетична, виділяється як та, що згодом може бути визнана супутньою 11 . У всякому разі, зрозуміло, що в даний час фотографія, а потім кіно дають найбільш значущі відомості для розуміння ситуації.

VI

З появою фотографії експозиційне значення починає витісняти культове значення по всій лінії. Проте культове значення не здається без бою. Воно закріплюється на останньому рубежі, яким виявляється людське обличчя. Цілком не випадково портрет займає центральне місце в ранній фотографії. Культова функція зображення знаходить свій останній притулок у культі пам'яті про відсутніх чи померлих близьких. У схопленому на льоту виразі обличчя на ранніх фотографіях аура востаннє нагадує про себе. Саме в цьому полягає їхня меланхолійна і ні з чим не порівнянна краса. Там, де людина йде з фотографії, експозиційна функція вперше пересилує культову. Цей процес зафіксував Атже, в чому і полягає унікальне значення цього фотографа, який на своїх знімках зафіксував безлюдні паризькі вулиці рубежу століть. З повним правом про нього говорили, що він знімав їх, наче місце злочину. Адже і місце злочину безлюдне. Його знімають задля доказів. У Атже фотографічні знімки починають перетворюватися на докази, що подаються на процесі історії. У цьому полягає їхнє приховане політичне значення. Вони вже вимагають сприйняття у сенсі. Вільно ковзний погляд, що споглядає, тут недоречний. Вони виводять глядача із рівноваги; він відчуває: до них потрібно знайти певний підхід. Вказівники — як його знайти — одразу виставляють йому ілюстровані газети. Вірні чи помилкові – все одно. Вони вперше стали обов'язковими тексти до фотографій. І ясно, що характер їх зовсім інший, ніж у назв картин. Директиви, які отримує від написів до фотографій в ілюстрованому виданні той, хто їх розглядає, набувають незабаром ще точнішого й імперативнішого характеру в кіно, де сприйняття кожного кадру визначається послідовністю всіх попередніх.

VII

Суперечка, яку вели протягом дев'ятнадцятого століття живопис і фотографія про естетичну цінність своїх творів, справляє сьогодні враження плутанної справи, що відводить від суті. Це, проте, не заперечує його значення, скоріше наголошує на його. Насправді ця суперечка була виразом всесвітньо-історичного перевороту, що, однак, не усвідомлювала жодна зі сторін. Тоді як епоха технічної відтворюваності позбавила мистецтво його культового заснування, назавжди розвіялася ілюзія його автономії. Однак зміна функції мистецтва, яка тим самим була задана, випала з поля зору сторіччя. Та й двадцятому століттю, яке пережило розвиток кіно, воно довго не давалося.

Якщо до того даремно витратили чимало розумових сил, намагаючись вирішити питання, чи є фотографія мистецтвом — не спитавши себе раніше: чи не змінився з винаходом фотографії і весь характер мистецтва, — невдовзі теоретики кіно підхопили таку ж поспішно викликану дилему. Однак труднощі, які створила для традиційної естетики фотографія, були дитячою забавою, порівняно з тими, що приготувало їй кіно. Звідси сліпа насильність, характерна для теорії кіно, що зароджується. Так, Абель Ганс порівнює кіно з ієрогліфами: «І ось ми знову опинилися, внаслідок надзвичайно дивного повернення до того, що вже одного разу було, на рівні самовираження стародавніх єгиптян... Мова зображень ще не досягла своєї зрілості, бо наші очі ще не звикли до нього. Ще немає достатньої поваги, достатньої культової поваги до того, що він висловлює» 12 . Або слова Северин-Марса: «Якому з мистецтв була приготована мрія... яка могла б бути такою поетичною і реальною одночасно! З цього погляду кіно є ні з чим не порівнянним засобом вираження, перебувати в атмосфері якого гідні лише особи найблагороднішого способу мислення в найбільш таємничі моменти їхньої найвищої досконалості» 13 . А Олександр Арну прямо завершує свою фантазію про німе кіно питанням: «Чи не зводяться всі сміливі описи, якими ми скористалися, до дефініції молитви?» 14 Надзвичайно повчально спостерігати, як прагнення записати кіно в «мистецтво» змушує цих теоретиків із незрівнянною безцеремонністю приписувати йому культові елементи. І це при тому, що тоді, коли публікувалися ці міркування, вже існували такі фільми, як «Парижанка» та «Золота лихоманка». Це не заважає Абелю Гансу користуватися порівнянням з ієрогліфами, а Северін-Марс говорить про кіно так, як можна було б говорити про картини Фра Анжеліко. Характерно, що ще й сьогодні особливо реакційні автори ведуть пошуки значення кіно в тому ж напрямку, і якщо не прямо в сакральному, принаймні до надприродного. Верфель констатує з приводу екранізації «Сну літньої ночі» Рейнхардтом, що досі стерильне копіювання зовнішнього світуз вулицями, приміщеннями, вокзалами, ресторанами, автомобілями та пляжами якраз і було безперечною перешкодою на шляху кіно до царства мистецтва. «Кіно ще не вловило свого істинного сенсу, своїх можливостей... Вони полягають у його унікальній здатності виражати чарівне, чудове, надприродне природними засобами та з незрівнянною переконливістю» 15 .

VIII

Художня майстерність сценічного актора доносить до публіки сам актор власною персоною; водночас мистецька майстерність кіноактора доносить до публіки відповідну апаратуру. Наслідок цього двоякий. Апаратура, що представляє публіці гру кіноактора, має фіксувати цю гру у всій її повноті. Під керівництвом оператора вона постійно оцінює гру актора. Послідовність оціночних поглядів, створена монтажером з отриманого матеріалу, утворює готовий змонтований фільм. Він включає певну кількість рухів, які мають бути упізнані як рухи камери — не кажучи вже про її особливі положення, як, наприклад, крупний план. Таким чином, дії кіноактора проходять через низку оптичних тестів. Це перше наслідок тієї обставини, що робота актора у кіно опосередковується апаратурою. Друге слідство обумовлено тим, що кіноактор, оскільки він не сам здійснює контакт з публікою, втрачає можливість театрального актора змінювати гру в залежності від реакції публіки. Публіка ж через це опиняється в положенні експерта, якому не заважає особистий контакт з актором, публіка вживається в актора, лише вживаючись в кінокамеру. Тобто вона стає на позицію камери: вона оцінює, тестує 16 . Не та позиція, на яку значущі культові цінності.

IX

Для кіно важливо не так те, щоб актор представляв публіці іншого, як те, щоб він представляв камері самого себе. Одним із перших, хто відчув цю зміну актора під впливом технічного тестування, був Піранделло. Зауваження, які він робить із цього приводу у романі «Знімається кіно», дуже мало втрачають від того, що обмежуються негативною стороною справи. І ще менше від того, що стосуються німого кіно. Оскільки звукове кіно не внесло у цю ситуацію жодних принципових змін. Вирішальний момент – те, що грають для апарата – або, у разі звукового кіно, для двох. «Кіноактор, — пише Піранделло, — почувається наче у вигнанні. У вигнанні, де він позбавлений не лише сцени, а й своєї особистості. З невиразною тривогою він відчуває незрозумілу порожнечу, що виникає від того, що його тіло зникає, що, рухаючись, розчиняється і втрачає реальність, життя, голос і звуки, що видаються, щоб перетворитися на німе зображення, яке миттєво мерехтить на екрані, щоб потім зникнути в тиші ... Маленький апарат гратиме перед публікою з його тінню, а він сам повинен задовольнятися грою перед, апаратом» 17 . Ту ж ситуацію можна охарактеризувати так: уперше — і в цьому досягнення кіно — людина опиняється в становищі, коли вона має впливати на всю свою живу особистість, але без її аури. Адже аура прив'язана до нього тут і зараз її немає зображення Аура, що оточує на сцені фігуру Макбета, невіддільна від аури, яка для публіки, що співпереживає, існує навколо актора, що його грає. Особливість зйомки в кінопавільйоні полягає в тому, що на місці публіки виявляється апарат. Тому пропадає аура навколо того, хто грає — і одночасно з цим і навколо того, кого він грає.

Не дивно, що саме драматург, яким є Піранделло, характеризуючи кіно, мимоволі торкається заснування кризи, яка вражає на наших очах театр. Для повністю охопленого репродукцією, більше того, породженого — як кіно — нею витвору мистецтва, справді, не може бути більш різкої протилежності, ніж сцена. Будь-який детальний аналіз підтверджує це. Компетентні спостерігачі вже давно помітили, що в кіно «найбільший ефект досягається тоді, коли якнайменше грають... Нову тенденцію» Арнхайм бачить у 1932 році в тому, щоб «звертатися з актором як з реквізитом, який підбирають за потребою... і використовують у потрібному місці» 18 . З цим найтіснішим обратом пов'язана інша обставина. Актор, який грає на сцені, занурюється в роль. Для кіноактора це часто виявляється неможливим. Його діяльність є єдиним цілим, вона складена з окремих дій. Поряд із випадковими обставинами, такими як оренда павільйону, зайнятість партнерів, декорації, самі елементарні потреби техніки кіно вимагають, щоб акторська гра розпадалася на ряд епізодів, що монтуються. Йдеться в першу чергу про освітлення, встановлення якого вимагає розбивки події, що постає на екрані єдиним швидким процесом, на низку окремих знімальних епізодів, які іноді можуть розтягуватися на години павільйонної роботи. Не кажучи вже про дуже відчутні можливості монтажу. Так, стрибок з вікна може бути знятий у павільйоні, при цьому актор насправді стрибає з помосту, а наступна за цим втеча знімається на натурі і через тижні. Втім, анітрохи не важко уявити собі й парадоксальніші ситуації. Наприклад, актор повинен здригнутися після того, як у двері постукають. Допустимо, у нього це не дуже виходить. У цьому випадку режисер може вдатися до такого хитрощів: у той час, як актор знаходиться в павільйоні, за його спиною несподівано лунає постріл. Зляканого актора знімають на плівку та монтують кадри у фільм. Ніщо не показує з більшою очевидністю, що мистецтво розлучилося з царством «прекрасної видимості», яке досі вважалося єдиним місцем процвітання мистецтва.

X

Дивне відчуження актора перед кінокамерою, описане Піранделло, схоже на дивне почуття, яке відчуває людина при погляді на своє відображення в дзеркалі. Тільки тепер це відображення може бути відокремлено від людини, воно стало переносним. І куди його переносять? До публіки 19 . Свідомість цього не залишає актора ні на мить. Кіноактор, який стоїть перед камерою, знає, що зрештою він має справу з публікою: публікою споживачів, які утворюють ринок. Цей ринок, який він виносить як свою; робочу силу, але й усього себе, з голови до ніг і з усіма тельбухами, виявляється для нього в момент здійснення його професійної діяльності настільки ж недосяжним, як і для якогось виробу, що виготовляється на фабриці. Чи не є це однією з причин нового страху, який сковує, за Піранделло, актора перед кінокамерою? Кіно відповідає зникнення аури створенням штучної «personality» поза знімального павільйону. Підтримуваний кінопромисловим капіталом культ зірок консервує це диво особистості, що вже давно полягає в одному чарівництві її товарного характеру, що тільки зіпсувалося. Доки тон у кіно задає капітал, від сучасного кіно в цілому не варто очікувати інших революційних заслуг, крім сприяння революційній критиці традиційних уявлень про мистецтво. Ми не заперечуємо того, що сучасне кіно в особливих випадках може бути засобом революційної критики суспільних відносин і навіть панівних майнових відносин. Але це не перебуває у центрі уваги справжнього дослідження, як і не є основною тенденцією західноєвропейського кіновиробництва.

З технікою кіно — так само як і з технікою спорту пов'язано те, що кожен глядач відчуває себе напівпрофесіоналом в оцінці їх досягнень. Щоб відкрити для себе цю обставину, достатньо послухати разок, як група хлопчаків, що розвозять велосипедами газети, обговорює у вільну хвилину результати велогонок. Недарма газетні видавництва проводять перегони для таких хлопчаків. Учасники ставляться до них із великим інтересом. Адже переможець має шанси стати професійним гонщиком. Так само і щотижнева кінохроніка дає кожному шанс перетворитися з перехожого на актора масовки. У певному випадку він може побачити себе і у творі кіномистецтва – можна згадати «Три пісні про Леніна» Вертова чи «Боринаж» Івенса. Будь-хто з тих, хто живе в наш час, може претендувати на участь у кінозйомці. Це домагання стане зрозумілішим, якщо поглянути на історичну ситуацію сучасної літератури. Протягом багатьох століть становище у літературі було таке, що невеликій кількості авторів протистояло перевищує його в тисячі разів кількість читачів. До кінця минулого століття це співвідношення почало змінюватися. Поступальний розвиток преси, яка почала пропонувати читачові публіці дедалі нові політичні, релігійні, наукові, професійні, місцеві друковані видання, призвело до того, що дедалі більше читачів — спочатку час від часу — почав переходити в розряд авторів. Почалося з того, що щоденні газети відкрили для них розділ «Листи читачів», а зараз ситуація така, що немає, мабуть, жодного залученого до трудового процесу європейця, який у принципі не мав би можливості опублікувати десь інформацію про своє професійне досвід, скаргу або повідомлення про будь-яку подію. Тим самим було поділ на авторів і читачів починає втрачати своє важливе значення. Воно виявляється функціональним, кордон може пролягати в залежності від ситуації так чи інакше. Читач будь-якої миті готовий перетворитися на автора. Як професіонал, яким йому більшою чи меншою мірою довелося стати в надзвичайно спеціалізованому трудовому процесі, — нехай навіть це професіоналізм щодо зовсім маленької технологічної функції, він отримує доступ до авторського стану. У Радянському Союзі сама праця отримує слово. І його словесне втілення становить частину навичок, необхідні роботи. Можливість стати автором санкціонується не спеціальною, а політехнічною освітою, стаючи тим самим загальним надбанням 20 .

Все це може бути перенесено на кіно, де зрушення, на які в літературі знадобилися століття, сталися протягом десятиліття. Оскільки на практиці кіно — особливо російської — ці зрушення вже частково відбулися. Частина людей, які грають у російських фільмах, не актори в нашому сенсі, а люди, які представляють самих себе, причому в першу чергу в трудовому процесі. У Західній Європі капіталістична експлуатація кіно перегороджує шлях визнання законного права сучасної людини на тиражування. У цих умовах кінопромисловість цілком зацікавлена ​​в тому, щоб дражнити охочі до участі маси ілюзорними образами та сумнівними спекуляціями.

XI

Кіно, особливо звукове, відкриває такий погляд на світ, який раніше був просто немислимий. Воно зображує подія, котрій неможливо знайти погляду, з якої були б видно не належать до дії, що розігрується, як такому кінокамера, освітлювальна апаратура, команда асистентів і т.д. (Хіба тільки становище його ока точно збігається зі становищем об'єктива кінокамери.) Ця обставина — більше, ніж будь-яке інше — перетворює схожість між тим, що відбувається на знімальному майданчику, і дією на театральній сцені на поверхневе, що не має значення. У театрі, в принципі, є точка, з якою ілюзія сценічної дії не порушується. По відношенню до знімального майданчика такої точки немає. Природа кіно ілюзії - це природа другого ступеня; вона виникає внаслідок монтажу. Це означає: на знімальному майданчику кінотехніка настільки глибоко, вторгається в дійсність, що її чистий, звільнений від чужорідного тіла техніки вигляд досягнемо як результат особливої ​​процедури, а саме зйомки за допомогою спеціально установок камери та монтажу з іншими зйомками того ж таки роду. Вільний від техніки вигляд реальності стає тут найбільш штучним, а безпосередній погляд на дійсність – блакитною квіткою в країні техніки.

Те саме стан справ, що виявляється у порівнянні з театром, може бути розглянуто ще більш продуктивно при порівнянні з живописом. Питання при цьому слід сформулювати так: яке ставлення між оператором та живописцем? Для відповіді на нього можна скористатися допоміжною конструкцією, яка спирається на те поняття операторської роботи, що йде від хірургічної операції. Хірург представляє один полюс системи, що склалася, на іншому полюсі якої знаходиться знахар. Позиція знахаря, що лікує накладенням руки, відрізняється від позиції хірурга, що вторгається у хворого. Знахар зберігає природну дистанцію між собою та хворим; точніше сказати: він лише трохи скорочує її - накладенням руки - і сильно збільшує її своїм авторитетом. Хірург діє зворотним чином: він сильно скорочує дистанцію до хворого, вторгаючись у його нутро — і лише трохи її збільшує — з тією обережністю, з якою його рука рухається серед його органів. Одним словом: на відміну від знахаря (який продовжує сидіти в терапевті) хірург у вирішальний момент відмовляється від контакту з пацієнтом як особистістю, натомість він здійснює оперативне втручання. Знахар та хірург ставляться один до одного як художник та оператор. Художник дотримується у своїй роботі природну дистанцію по відношенню до реальності, а оператор, навпаки, глибоко вторгається в тканину реальності 21 . Картини, які вони отримують, неймовірно відрізняються один від одного. Картина художника є цілісною, картина оператора розчленована на безліч фрагментів, які потім об'єднуються за новим законом. Таким чином, кіноверсія реальності для сучасної людини незрівнянно більш значуща, тому що вона надає вільний від технічного втручання аспект дійсності, який він має право вимагати від твору мистецтва, і надає його саме тому, що вона глибоко перейнята технікою.

XII

Технічна відтворюваність витвору мистецтва змінює ставлення мас мистецтва. З найбільш консервативного, наприклад стосовно Пікассо, воно перетворюється на найпрогресивніше, наприклад стосовно Чапліна. Для прогресивного відношення при цьому характерне тісне сплетення глядацького задоволення, співпереживання з позицією експертної оцінки. Таке сплетення є важливим соціальним симптомом. Чим сильніша втрата соціального значення будь-якого мистецтва, тим більше — як зрозуміло з прикладу живопису — розходяться у публіці критична і гедоністична установка. Звичне споживається без жодної критики, справді нове критикується з огидою. У кіно критична та гедоністична установка збігаються. При цьому вирішальною є така обставина: у кіно як ніде більше реакція окремої людини — сума цих реакцій становить масову реакцію публіки — виявляється з самого початку обумовленою переростанням у масову реакцію. А прояв цієї реакції є одночасно її самоконтролем. І в цьому випадку порівняння з живописом виявляється корисним. Картина завжди несла в собі підкреслену вимогу розгляду одним або кількома глядачами. Одночасне споглядання картин масової публікою, що у дев'ятнадцятому столітті, ранній симптом кризи живопису, викликаний не лише однією фотографією, а щодо незалежно від неї претензією твори мистецтва масове визнання.

Справа саме в тому, що живопис не в змозі запропонувати предмет одночасного колективного сприйняття, як це було з давніх-давен з архітектурою, як це колись було з епосом, а в наш час відбувається з кіно. І хоча ця обставина в принципі не дає особливих підстав для висновків щодо соціальної ролі живопису, проте зараз вона виявляється серйозною обтяжливою обставиною, тому що живопис через особливі обставини і в певному сенсі всупереч своїй природі змушена до прямої взаємодії з масами. У середньовічних церквах і монастирях і при дворі монархів до кінця вісімнадцятого століття колективне сприйняття живопису відбувалося не одночасно, а поступово воно було опосередковане ієрархічними структурами. Коли ситуація змінюється, виявляється особливий конфлікт, в який живопис виявляється залученим через технічну репродукованість картини. І хоча через галереї і салони було зроблено спробу представити її масам, проте був відсутній шлях, слідуючи якому маси могли б організувати і контролювати себе такого сприйняття 22 . Отже, та сама публіка, яка прогресивним чином реагує на гротескний фільм, з необхідністю перетворюється на реакційну перед картинами сюрреалістів.

XIII

Характерні риси кіно полягають у тому, яким людина постає перед кінокамерою, а й у тому, яким уявляє він собі з її допомогою навколишній світ. Погляд на психологію акторської творчості відкрив тестуючі можливості кіноапаратури. Погляд психоаналіз показує її з іншого боку. Кіно справді збагатило наш світ свідомого сприйняття методами, які можна проілюструвати методами теорії Фрейда. Півстоліття тому застереження в розмові залишалося швидше за все непоміченим. Можливість відкрити з її допомогою глибинну перспективу в бесіді, яка здавалась до того одноплановою, була скоріше винятком. Після появи «Психопатології повсякденного життя» становище змінилося. Ця робота виділила та зробила предметом аналізу речі, які до того залишалися непоміченими у загальному потоці вражень. Кіно викликало у всьому спектрі оптичного сприйняття, а тепер і акустичного, подібне поглиблення апперцепції. Не більше як зворотним боком цієї обставини виявляється той факт, що створюване кіно зображення піддається більш точному і набагато багатоаспектнішому аналізу, ніж зображення на картині та уявлення на сцені. У порівнянні з живописом це незрівнянно точніша характеристика ситуації, завдяки чому кінозображення піддається більш детальному аналізу. Порівняно зі сценічним уявленням поглиблення аналізу обумовлено більшою можливістю відокремлення окремих елементів. Ця обставина сприяє і в цьому його головне значення до взаємного проникнення мистецтва і науки. І справді, важко сказати про дію, яка може бути точно — подібно до м'яза на тілі — вичленована з певної ситуації, ніж вона більше заворожує: артистичним блиском або можливістю наукової інтерпретації. Одна з найбільш революційних функцій кіно полягатиме в тому, що воно дозволить побачити тотожність художнього та наукового використання фотографії, які до того здебільшого існували окремо 23 . З одного боку кіно своїми великими планами, акцентуванням прихованих деталей звичних нам реквізитів, дослідженням банальних ситуацій під геніальним керівництвом об'єктива примножує розуміння неминучості, що управляють нашим буттям, з іншого боку воно приходить до того, що забезпечує нам величезне та несподіване вільне поле діяльності! Наші пивні та міські вулиці, наші контори та мебльовані кімнати, наші вокзали та фабрики, здавалося, безнадійно замкнули нас у своєму просторі. Але тут прийшло кіно і підірвало цей каземат динамітом десятих часток секунд, і ось ми спокійно вирушаємо в захоплюючу подорож купами його уламків. Під впливом крупного плану розсувається простір, прискореної зйомки – час. І подібно до того, як фотозбільшення не просто робить більш ясним те, що «і так» можна розглянути, а, навпаки, розкриває абсолютно нові структури організації матерії, так само і прискорена зйомка показує не тільки відомі мотиви руху, а й відкриває у цих знайомих рухах зовсім незнайомі, «що справляють враження не уповільнення швидких рухів, а рухів, що своє образно ковзають, ширяють, неземних». В результаті стає очевидним, що природа, що відкривається камері, - інша, ніж та, що відкривається оку. Інша насамперед тому, що місце простору, опрацьованого людською свідомістю, займає несвідомо освоєний простір. І якщо цілком звичайно, що в нашій свідомості, нехай у найбрутальніших рисах, є уявлення про людську ходу, то свідомості безперечно нічого не відомо про позу, яку займають люди в якусь частку секунди його кроку. Нехай нам загалом знайомий рух, яким ми беремо запальничку або ложку, але ми навряд чи щось знаємо про те, що, власне, відбувається при цьому між рукою та металом, не кажучи вже про те, що дія може змінюватись в залежності від нашого стану. Сюди-то і вторгається камера зі своїми допоміжними засобами, спусками та підйомами, здатністю переривати та ізолювати, розтягувати та стискати дію, збільшувати та зменшувати зображення. Вона відкрила нам область візуально-несвідомого, як психоаналіз — область інстинктивно-несвідомого.

XIV

З найдавніших часів однією з найважливіших завдань мистецтва було породження потреби, для задоволення якої час ще настав 24 . В історії кожної форми мистецтва є критичні моменти, коли вона прагне ефектів, які без особливих труднощів можуть бути досягнуті лише за зміни технічного стандарту, тобто. у новій формі мистецтва. Виникаючі подібним чином, особливо в так звані періоди декадансу, екстравагантні та незручні прояви мистецтва насправді беруть свій початок з його найбагатшого історичного енергетичного центру. Останнім скопищем подібних варваризмів був дадаїзм. Лише зараз стає зрозумілим його рушійний початок: дадаїзм намагався досягти за допомогою живопису (або літератури) ефектів, які сьогодні публіка шукає в кіно. Кожна принципово нова, піонерська дія, що народжує потребу, заходить занадто далеко. Дадаїзм робить це в тій мірі, що жертвує ринковими цінностями, які властиві кіно в такій високій мірі, заради більш значних цілей — які він, зрозуміло, не усвідомлює так, як описано тут. Можливості меркантильного використання своїх творів дадаїсти надавали набагато меншого значення, ніж виключення можливості використовувати їх як предмет благоговійного споглядання. Не в останню чергу вони намагалися досягти цього виключення за рахунок принципового позбавлення матеріалу мистецтва височини. Їхні вірші — словесний салат, що містить непристойні вирази і всяке словесне сміття, яке тільки можна уявити. Не кращі й їхні картини, в які вони вставляли гудзики та проїзні квитки. Чого вони досягали цими засобами, так це жорстокого знищення аури творіння, випалюючи за допомогою творчих методів на творах тавро репродукції. Картина Арпа чи вірш Аугуста Штрамма не дають, подібно до картини Дерена чи вірша Рільке, часу на те, щоб зібратися і прийти до якоїсь думки. На противагу споглядальності, що стала під час виродження буржуазії школою асоціальної поведінки, виникає розвага як різновид соціальної поведінки 25 . Прояви дадаїзму в мистецтві і справді були сильною розвагою, оскільки перетворювали витвір мистецтва на центр скандалу. Воно мало відповідати передусім одній вимогі: викликати громадське роздратування. З принадної оптичної ілюзії або переконливого звукового образу зробиш мистецтва перетворилося у дадаїстів на снаряд. Воно вражає глядача. Воно набуло тактильних властивостей. Тим самим воно сприяло виникненню потреби в кіно, розважальна стихія якого насамперед також носить тактильний характер, а саме ґрунтується на зміні місця дії та точки зйомки, які ривками обрушуються на глядача. Можна порівняти полотно екрана, де демонструється фільм, з полотном живописного зображення. Мальовниче полотно запрошує глядача до споглядання; перед ним глядач може вдатися до асоціацій, що змінюють один одного. Перед кінокадром це неможливо. Щойно він охопив його поглядом, як той уже змінився. Він не піддається фіксації. Дюамель, який ненавидить кіно і нічого не зрозумів у його значенні, але дещо його структурі, характеризує це обставин так: «Я більше не можу думати про те, що хочу» 26 . Місце моїх думок зайняли образи, що рухаються. Справді, ланцюг асоціацій глядача цих образів відразу переривається їх зміною. На цьому ґрунтується шокова дія кіно, яка, як і будь-яка шокова дія, вимагає для подолання ще більш високого ступеня присутності духу 27 . У силу своєї технічної структури кіно вивільнило фізичний шоковий вплив, який дадаїзм ще ніби пакував у моральний, цієї обгортки 28 .

XV

Маси - це матриця, з якої зараз будь-яке звичне ставлення до творів мистецтва виходить переродженим. Кількість перейшла якість: дуже значне збільшення. маси учасників призвело до зміни способу участі. Не слід бентежитися тим, що спочатку ця участь постає у дещо дискредитованому образі. Однак було чимало тих, хто пристрасно дотримувався саме цієї зовнішньої сторони предмета. Найбільш радикальним у тому числі був Дюамель. У чому він насамперед дорікає кіно, то це у формі участі, яке воно пробуджує в масах. Він називає кіно «часом для ілотів, розвагою для неосвічених, жалюгідних, виснажених працею створінь, що з'їдають турботами... видовищем, що не вимагає ніякої концентрації, не передбачає ніяких розумових здібностей..., не запалює в серцях жодного світла і не пробуджує ніяк надій крім смішної надії якось стати «зіркою» у Лос-Анджелесі.»* Як видно, це по суті стара скарга, що маси шукають розваги, тоді як мистецтво вимагає від глядача концентрації. Це місце. Проте слід перевірити, чи можна на нього спиратися у вивченні кіно. — Тут потрібний більш пильний погляд. Розвага та концентрація становлять протилежність, що дозволяє сформулювати таке становище: той, хто концентрується на творі мистецтва, занурюється у нього; він входить у цей твір, подібно до художника-героя китайської легенди, що споглядає свій закінчений твір. У свою чергу маси, що розважаються, навпаки, занурюють витвір мистецтва в себе. Найбільш очевидна щодо цього архітектура. Вона з давніх-давен представляла прототип твори мистецтва, сприйняття якого не вимагає концентрації і відбувається в колективних формах. Закони її сприйняття найбільш повчальні.

Архітектура супроводжує людство з найдавніших часів. Багато форм мистецтва виникли і пішли у небуття. Трагедія виникає у греків і зникає разом з ними, відроджуючись сторіччя лише у своїх «правилах». Епос, витоки якого перебувають у юності народів, згасає у Європі з кінцем Ренесансу. Станковий живопис був породженням Середньовіччя, і ніщо гарантує їй постійного існування. Проте потреба людини у приміщенні невпинна. Зодчество ніколи не переривалося. Його історія триваліша за будь-яке інше мистецтво, і усвідомлення його впливу значимо кожної спроби зрозуміти ставлення мас до твору мистецтва. Архітектура сприймається подвійним чином: через використання та сприйняття. Або, точніше кажучи: тактильно та оптично. Для такого сприйняття не існує поняття, якщо уявляти його за зразком концентрованого, зібраного сприйняття, яке характерне, наприклад, для туристів, що розглядають знамениті споруди. Справа в тому, що в тактильній ділянці відсутня еквівалент того, чим в області оптичної є споглядання. Тактильне сприйняття проходить не так через увагу, як через звичку. По відношенню до архітектури вона значною мірою визначає навіть оптичне сприйняття. Адже і воно у своїй основі здійснюється набагато більше схоже, а не як напружене вглядання. Однак це вироблене архітектурою сприйняття в певних умовах набуває канонічного значення. Бо завдання, які ставлять перед людським сприйняттям переломні історичні епохи, взагалі не можуть бути вирішені на шляху чистої оптики, тобто споглядання. З ними можна впоратися поступово, спираючись на тактильне сприйняття через звикання. Звикнути може й незбираний. Більше того: Здатність вирішення деяких завдань у розслабленому стані якраз і доводить, що їхнє рішення стало звичкою. Розважальне, розслаблююче мистецтво непомітно перевіряє, яка здатність розв'язання нових завдань сприйняття. Оскільки поодинока людина взагалі відчуває спокусу уникати подібних завдань, мистецтво вихоплюватиме найскладніші та найважливіші з них там, де вона може мобілізувати маси. Сьогодні воно робить це у кіно. Прямим інструментом тренування розсіяного сприйняття стає все більш помітним у всіх о6ластях мистецтва і є симптомом глибокого перетворення сприйняття є кіно. Своїм шоковим впливом кіно відповідає цій формі сприйняття. Кіно витісняє культове значення не тільки тим, що поміщає публіку в оцінювальну позицію, але тим, що ця позиція, що оцінює, в кіно не вимагає уваги. Публіка виявляється екзаменатором, але неуважним.

Післямова

Все зростаюча пролетаризація сучасної людини і все зростаюча організація мас являють собою дві сторони того самого процесу. Фашизм намагається організувати пролетаризовані маси, що виникають, не торкаючись майнових відносин, до усунення яких вони прагнуть. Він бачить свій шанс у тому, щоб дати масам можливість висловитись (але в жодному разі не реалізувати свої права) 28 . Маси мають право зміну майнових відносин; фашизм прагне дати можливість самовираження за збереження цих відносин. Фашизм цілком послідовно приходить до естетизації політичного життя. Насильству над масами, які він у культі фюрера розпластує по землі, відповідає насильство над кіноапаратурою, яку він використовує для створення культових символів.

Всі зусилля щодо естетизації політики досягають найвищого ступеня в одній точці. І цією точкою є війна. Війна, і лише війна дає можливість спрямовувати до єдиної мети масові рухи найбільшого масштабу за збереження існуючих майнових відносин. Такою є ситуація з погляду політики. З погляду техніки її можна охарактеризувати так: лише війна дозволяє мобілізувати всі технічні засоби сучасності за збереження майнових відносин. Зрозуміло, що фашизм не користується у своєму прославленні війни цими аргументами. Проте варто глянути на них. У маніфесті Марінетті з приводу колоніальної війни в Ефіопії говориться: «Двадцять сім років чинимо опір ми, футуристи, тому, що війна визнається антиестетичною... Відповідно ми констатуємо: ...війна прекрасна, тому що обгрунтовує, завдяки протигазам, що збуджує жах мегафонам, вогнеметам і легким танкам панування людини над поневоленою машиною. Війна прекрасна, тому що починає перетворювати на реальність металізацію людського тіла, яка була предметом мрії. Війна прекрасна, тому що робить пишнішою квітучий луг навколо вогняних орхідей мітральєз. Війна прекрасна, тому що поєднує в одну симфонію рушничну стрілянину, канонаду, тимчасове затишшя, аромат парфумів та запах мертвечини. Війна прекрасна, бо створює нову архітектуру, таку як архітектура важких танків, геометричних фігур авіаційних ескадрилій, стовпів диму, що піднімаються над палаючими селами, та багато іншого... Поети та художники футуризму, згадайте про ці принципи естетики війни, щоб вони висвітлили. .. вашу боротьбу за нову поезію та нову пластику!» 29

Перевага цього маніфесту – його ясність. Поставлені в ньому питання цілком заслуговують на діалектичний розгляд. Тоді діалектика сучасної війни набуває наступного вигляду: якщо природне використання продуктивних сил стримується майновими відносинами, то наростання технічних можливостей, темпу, енергетичних потужностей змушує їх неприродному використанню. Вони знаходять його у війні, яка своїми руйнуваннями доводить, що суспільство ще не дозріло для того, щоб перетворити техніку на свій інструмент, що техніка ще недостатньо розвинена для того, щоб упоратися зі стихійними силами суспільства. Імперіалістична війна у своїх найжахливіших рисах визначається невідповідністю між величезними продуктивними силами та їх не повним використанням у виробничому процесі (інакше кажучи, безробіттям та нестачею ринків збуту). Імперіалістична війна — це заколот: техніки, що висуває до «людського матеріалу» ті вимоги, для реалізації яких суспільство не дає природного матеріалу. Замість того, щоб будувати водні канали, вона відправляє людський потік у русла траншей, замість того, щоб використовувати аероплани для посівних робіт, вона обсипає міста запальними бомбами, а в газовій війні вона знайшла новий засіб знищення аури. «Fiat ars — pereat mundus», — проголошує фашизм і чекає на художнє задоволення перетворених технікою почуттів сприйняття, це відкриває Маринетті, від війни. Це очевидне доведення принципу l'art pour l'art до його логічного завершення. Людство, яке колись у Гомера було предметом розваги для богів, що спостерігали за ним, стало таким для самого себе. Його самовідчуження досягло того ступеня, який дозволяє переживати своє власне знищення як естетичну насолоду вищого рангу. Ось що означає естетизація політики, яку проводить фашизм. Комунізм відповідає цьому політизацією мистецтва.

1. Paul Valery: Pieces sur l'art. Paris, p. 105 ("La conquete de Rubiquite").
2. Зрозуміло, історія витвору мистецтва включає й інше: історія «Мони Лізи», наприклад, включає види та кількість копій, зроблених з неї в сімнадцятому, вісімнадцятому та дев'ятнадцятому століттях.
3. Саме тому, що справжність не піддається репродукції, інтенсивне використання певних способів репродукції — технічних — відкрило можливість розрізнення видів і градацій справжності. Вироблення таких відмінностей було однією з важливих функцій комерції у сфері мистецтва. Вона мала хвилі конкретний інтерес у тому, щоб відрізняти різні відбитки з дерев'яного блоку, до і після нанесення напису, з мідної пластинки тощо. З винаходом гравюри на дереві така якість як справжність була, можна сказати, підрізана під корінь, перш ніж вона досягла свого пізнього розквіту. "Справжнім" середньовічне зображення мадонни в момент його виготовлення ще не було; воно ставало таким під час наступних століть, і найбільше, очевидно, у минулому.
4. Найубогаша провінційна постановка «Фауста» перевершує фільм «Фауст» принаймні тим, що перебуває в ідеальній конкуренції з веймарською прем'єрою п'єси. І ті традиційні моменти змісту, які можуть бути навіяні світлом рампи, — наприклад те, що прототипом Мефістофеля був друг юності Гете Йоган Генріх Мерк, — губляться для глядача, що сидить перед екраном.
5. Abel Gance: Le temps de Pimage est venue, in: L'art cinematographique II. Paris, 1927, p. 94-96.
6. Наблизитись до мас щодо людини може означати: прибрати з поля зору свою соціальну функцію. Немає жодної гарантії, що сучасний портретист, зображуючи знаменитого хірурга за сніданком або в родинному колі, точніше відображає його соціальну функцію, ніж художник шістнадцятого століття, який зображував своїх лікарів у типовій професійній ситуації, як, наприклад, Рембрандт в «Анатомії».
7. Визначення аури як «унікального відчуття дали, хоч би близький при цьому аналізований предмет не був» є не що інше як вираження культової значущості твору мистецтва в категоріях просторово-часового сприйняття. Відстань - протилежність близькості. Далеке за своєю суттю це недоступне. І справді, недоступність є головною якістю культового зображення. За своєю природою воно залишається «віддаленим, хоч би як близько воно було». Наближення, якого можна домогтися від його матеріальної частини, не зачіпає віддаленості, яке воно зберігає у своєму явищі погляду.
8. У міру того, як культова цінність картини піддається секуляризації, уявлення про субстрат його унікальності стають все менш певними. Унікальність явища, що панує в культовому зображенні, все більше заміщається в поданні глядача емпіричною унікальністю художника або його художнього досягнення. Правда, це заміщення ніколи не буває повним, поняття справжності ніколи (не перестає бути ширшим за поняття автентичної атрибуції. (Це особливо ясно проявляється у постаті колекціонера, який завжди зберігає щось від фетишиста і через володіння витвором мистецтва долучається до його культової сили.) Незалежно від цього функція поняття автентичності у спогляданні залишається однозначною: із секуляризацією мистецтва автентичність займає місце культової цінності.
9. У творах кіномистецтва технічна репродукцію продукту не є, як, наприклад, у творах літератури або живопису, що ззовні є умовою їх масового поширення. Технічна репродукованість творів кіномистецтва безпосередньо корениться у техніці їх виробництва. Вона не тільки дозволяє безпосереднє масове поширення кінофільмів, швидше, вона примушує до цього. Примушує, тому що пронизливість фільму настільки дорого, що окрема людина, яка, скажімо, може дозволити собі придбати картину, придбати фільм вже не в змозі. 1927 року було підраховано, що повнометражний фільм, щоб окупитися, має зібрати дев'ять мільйонів глядачів. Щоправда, з появою звукового кіно спочатку виявилася зворотна тенденція: публіка виявилася обмеженою мовними кордонами, і це збіглося з акцентуванням національних інтересів, яке здійснив фашизм. Однак важливо не так відзначити цей регрес, який, втім, незабаром був ослаблений можливістю дубляжу, як звернути увагу на його зв'язок з фашизмом. Синхронність обох явищ зумовлена ​​економічною кризою. Ті ж потрясіння, які у великому масштабі спричинили спробу закріпити існуючі майнові відносини за допомогою відкритого насильства, змусили вражений кризою кінокапітал форсувати розробки в галузі звукового кіно. Поява звукового кіно принесла тимчасове полегшення. І не лише тому, що звукове кіно знову залучило маси до кінотеатрів, а й тому, що в результаті виникла солідарність нового капіталу в галузі електротехнічної промисловості з кінокапіталом. Таким чином, зовні це стимулювало національні інтереси, проте, по суті, зробило кіновиробництво ще більш інтернаціональним, ніж раніше.
10. В естетиці ідеалізму ця полярність не може утвердитися, оскільки його поняття прекрасного включає її як щось нероздільне (і, відповідно, виключає як окреме). Проте у Гегеля вона виявилася настільки явно, наскільки це можливо у рамках ідеалізму. Як говориться в його лекціях з філософії історії, «картини існували вже давно: благочестя використовувало їх досить рано в богослужінні, але йому не були потрібні прекрасні картини, більше того, такі картини навіть заважали йому. У прекрасному зображенні є також зовнішнє, але оскільки воно прекрасне, дух його звертається до людини; проте в обряді богослужіння суттєвим є ставлення до речі, бо вона сама є лише позбавленим духу мерзіння душі... Витончене мистецтво виникло в лоні церкви,... хоча... мистецтво вже розійшлося з принципами церкви». (GWF Hegel: Werke. Vollst & ndige Ausgabe durch einen Verein von Freunden des Verewigten. Bd. 9: Vorlesungen наявність цієї проблеми. «Ми вийшли, — говориться там, — із того періоду, коли можна було обожнювати витвори мистецтва та поклонятися їм, як богам. Враження, яке вони тепер роблять на нас, носить скоріше розважливий характер: почуття і думки, які вони викликають у нас, потребують ще вищої перевірки». (Hegel, I.e., Bd. 10: Vorlesungen Qber die Asthetik. Bd. I. Berlin, 1835, p. 14). Перехід від першого виду сприйняття мистецтва на другий вид визначає історичний хід сприйняття мистецтва взагалі. Проте у принципі сприйняття кожного окремого витвору мистецтва можна показати наявність своєрідного коливання між цими двома полюсами типів сприйняття. Візьмемо, наприклад, Сікстинську мадонну. Після дослідження Хуберта Грімме відомо, що картина спочатку була призначена для експозиції. Грімме спонукав до розвідок питання: звідки взялася дерев'яна планка на передньому плані картини, на яку спираються два ангелочки? Наступне питання було: яким чином вийшло, що такому художнику, як Рафаель, спало на думку обрамити небо портьєрами? В результаті дослідження з'ясувалося, що замовлення на Сікстинську мадонну було надано у зв'язку із встановленням труни для урочистого прощання з татом С шестом. Тіло папи виставлялося для прощання у певному бічному боці собору святого Петра. Картина Рафаеля була встановлена ​​на труні в ніші цього болю. Рафаель зобразив, як із глибини цієї обрамленої зеленими портьєрами ніші мадонна у хмарах наближається до труни тата. Під час жалобних урочистостей реалізувалася визначна експозиційна цінність картини Рафаеля. Через деякий час картина опинилася на головному вівтарі монастирської церкви чорних ченців у П'яченці. Підставою цього заслання був католицький ритуал. Він забороняє використовувати у культових цілях на головному вівтарі зображення, що виставлялися на траурних церемоніях. Творіння Рафаеля через цю заборону певною мірою втратило свою цінність. Щоб отримати за картину відповідну ціну, курії не залишалося нічого іншого, як дати свою мовчазну згоду на розміщення картини на головний вівтар. Щоб не привертати до цього порушення уваги, картину відправили до братства далекого провінційного міста.
11. Аналогічні міркування висуває, на іншому рівні, Брехт: «Якщо поняття витвору мистецтва більше не вдається зберегти для речі, що виникає при перетворенні витвору мистецтва на товар, тоді необхідно обережно, але безстрашно відкинути це поняття, якщо ми не хочемо одночасно ліквідувати функцію самої цієї речі, оскільки цю фазу вона повинна пройти, і без задніх думок, це не просто необов'язкове тимчасове відхилення від правильного шляху, все що з нею при цьому відбувається, змінить її принципово, відріже її від її минулого, і настільки рішуче, що якщо старе поняття буде відновлено - а воно буде відновлено, чому б і ні? — воно не викличе жодного спогаду про те, що воно колись означало». (Brecht: Versuche 8-10. Н. 3. Berlin, 1931, p. 301-302; "Der Dreigroschenprozess".)
12. AbelGance,l.c.,p. 100-101.
13. cit. Abel Gance, I.e., p. 100.
14. Alexandra Arnoux: Cinema. Paris, 1929, p. 28.
15. Franz Werfel: Ein Sommernachtstraum. Bin Film von Shakeiispeare und Reinhardt. "Neues Wiener Journal", cit. Lu, 15 листопада 1935 року.
16. «Кіно... дає (чи могло б дати) практично застосовні відомості про деталі людських дій... Будь-яка мотивація, основою якої є характер, відсутня, внутрішнє життя ніколи не постачає головну причину і рідко буває основним результатом дії» (Brecht, 1 .с., р. 268). Розширення поля, що тестується, створюване апаратурою стосовно актора, відповідає надзвичайному розширенню поля, що тестується, що сталося для індивіда в результаті змін в економіці. Так, постійно зростає значення кваліфікаційних іспитів та перевірок. У таких іспитах увага сконцентрована на фрагментах діяльності індивіда. Кінозйомка та кваліфікаційний іспит проходять перед групою експертів. Режисер на знімальному майданчику займає таку ж позицію, як і головний екзаменатор при кваліфікаційному іспиті.
17. Luigi Pirandello: On tourne, cit. Leon Pierre-Quint: Signification du cinema, in: L'art cinematographique II, I. e., p. 14-15.
18. Rudolf Amheim: Film alsKunst. Berlin, 1932, p. 176-177. — Деякі деталі, в яких кінорежисер віддаляється від сценічної практики і які можуть здатися несуттєвими, заслуговують у зв'язку з цим на підвищений інтерес. Такий, наприклад, досвід, коли актора змушують грати без гриму, як це, зокрема, робив Дрейєр у «Жанні д"Арк». Він витратив місяці на те, щоб розшукати кожного із сорока виконавців для суду інквізиції. Пошуки цих виконавців були схожі на пошуки рідкісного реквізиту Дрейєр витратив чимало зусиль на те, щоб уникнути подібності у віці, фігурі, рисах обличчя. ) Якщо актор перетворюється на реквізит, то реквізит нерідко функціонує, своєю чергою, як актор. У всякому разі, немає нічого дивного в тому, що кіно виявляється здатним надати реквізиту роль. Замість того щоб вибирати будь-які приклади з нескінченної низки, обмежимося одним особливо доказовим прикладом. Годинник на сцені завжди тільки дратуватиме. Їхня роль — вимір часу — не може бути надана їм у театрі. Астрономічний час вступив би у протиріччя зі сценічним навіть у натуралістичній п'єсі. У цьому сенсі особливо характерно для кіно те, що воно в певних умовах цілком може використовувати годинник для вимірювання часу. У цьому ясніше, ніж у деяких інших рисах, проявляється, як у певних умовах кожен предмет реквізиту може брати він у кіно вирішальну функцію. Звідси залишається лише один крок до висловлювання Пудовкіна, що «гра... актора, пов'язана з річчю, побудована на ній, завжди була і буде одним із найсильніших прийомів кінематографічного оформлення». (W.Pudowkin: Filmregie und Filmmanuskript. Berlin, 1928, p. 126) Так кіно виявляється першим художнім засобом, що здатне показати, як матерія підіграє людині. Тому він може бути видатним інструментом матеріалістичного зображення.
19. Констатована зміна способу експонування репродукційної техніки проявляється і в політиці. Сьогоднішня криза буржуазної демократії включає і кризу умов, що визначають експонування носіїв влади. Демократія експонує носія влади безпосередньо народним представникам. Парламент – його публіка! З розвитком передавальної та відтворювальної апаратури, завдяки якій необмежену кількість людей може слухати оратора під час його виступу і бачити цей виступ незабаром після цього, акцент зміщується на контакт політика з цією апаратурою. Парламенти порожніють одночасно із театрами. Радіо і кіно змінюють не тільки діяльність професійного актора, а також того, хто, як носії влади, представляє в передачах і фільмах самого себе. Напрям цих змін, незважаючи на відмінність їх конкретних завдань, однаково для актора і для політика. Їхня мета — породження контрольованих дій, більше того, дій, які можна було б наслідувати в певних соціальних умовах. Виникає новий відбір, відбір перед апаратурою, і переможцями з нього виходять кінозірка та диктатор.
20. 20 Привілейований характер відповідної техніки втрачено. Олдос Хакслі пише: «Технічний прогрес веде до вульгарності... технічна репродукція та ротаційна машина уможливили необмежену розмноження творів і картин. Загальна шкільна освіта та відносно високі заробітки породили дуже широку публіку, яка вміє читати та в змозі набувати чтиво та репродукованих зображень. Щоб постачати їх цим, було створено значну промисловість. Проте художній талант – явище надзвичайно рідкісне; отже... скрізь і за всіх часів більшість художньої продукції була невисокої цінності. Сьогодні ж відсоток покидьків у загальному обсязі художньої продукції вищий, ніж будь-коли... Перед нами проста арифметична пропорція. За минуле століття населення Європи збільшилося дещо більше, ніж удвічі. У той же час, друкована та художня продукція зросла, наскільки я можу судити, принаймні в 20 разів, а можливо і в 50 і навіть 100 разів. Якщо х мільйонів населення містять п художніх талантів, то 2х мільйонів населення матимуть очевидно містити 2п художніх талантів. Ситуація може бути охарактеризована в такий спосіб. Якщо сто років тому публікувалася одна сторінка тексту чи малюнків, то сьогодні публікується двадцять, якщо не сто сторінок. У той же час, на місці одного таланту сьогодні існують два. Я припускаю, що завдяки загальній шкільній освіті в наші дні може діяти багато потенційних талантів, які в колишні часи не змогли б реалізувати свої здібності. Отже, припустимо, що сьогодні на одного талановитого художника минулого припадає три або навіть чотири. Проте не підлягає сумніву, що друкована продукція, що споживається, багаторазово перевершує природні можливості здібних письменників і художників. У музиці ситуація та сама. Економічний бум, грамофон і радіо викликали до життя велику публіку, потреби якої в музичній продукції ніяк не відповідають приросту населення і відповідному нормальному збільшенню талановитих музикантів. Отже, виходить, що у всіх мистецтвах, як у абсолютному, і у відносному вимірі, виробництво халтури більше, ніж раніше; і ця ситуація збережеться, доки люди продовжуватимуть споживати непомірно велику кількість чтива.
21. Зухвальства кінооператора і справді можна порівняти з дерзаниями оперуючого хірурга. Люк Дюртен наводить у списку специфічних маніпуляційних хитрощів техніки ті, які бувають необхідні в хірургії при певних важких операціях. Я вибираю як приклад випадок з отоларингології... я маю на увазі метод так званої ендоназальної перспективи; або я міг би вказати на акробатичні номери, які виробляють — орієнтуючись за відображеним зображенням у дзеркалі, що вводиться в горло, — при операціях на гортані; я міг би згадати про вушну хірургію, що нагадує високоточну роботу годинникара. Наскільки багата шкала найтоншої м'язової акробатики вимагається від людини, яка бажає упорядкувати або врятувати людське тіло, достатньо згадати операцію при катаракті, під час якої відбувається свого роду суперечка між сталлю і майже рідкими тканинами, або настільки значущі вторгнення в м'які тканини (лапаротомія)» . (Luc Durtain: La technique et l'homme, in: Vendredi, 13 mars 1936, no. 19.)
22. Цей аналіз може здатися грубуватим; Однак як показав великий теоретик Леонардо, грубуватий аналіз може бути в певній ситуації цілком доречним. Леонардо порівнює живопис і музику в наступних словах: «Живопис тому перевершує музику, що не приречена вмирати в ту ж мить, як народжується, як це відбувається з нещасною музикою... Музика, що зникає, тільки-но народившись, поступається живопису, що стала із застосуванням лаку вічного ». ( cit. Fernard Baldensperger: Le raflermissement des techniques dans la litterature occidentale de 1840, in: Revue de Litterature Comparee, XV/I, Paris, 1935, p. 79)
23. Якщо спробувати знайти щось подібне до цієї ситуації, то як повчальна аналогія постає живопис Відродження. І в цьому випадку ми маємо справу з мистецтвом, незрівнянний зліт і значення якого чималою мірою засновані на тому, що воно увібрало в себе низку нових наук або, принаймні, нові наукові дані. Воно вдавалася до допомоги анатомії та геометрії, математики, метеорології та оптики кольору. «Ніщо не видається нам таким чужим, — пише Валері, — як дивне домагання Леонардо, для якого живопис був найвищою метою та найвищим проявом пізнання, так що, на його переконання, вона вимагала від художника енциклопедичних знань, і він сам не зупинявся перед теоретичним аналізом, що вражає нас, що живуть сьогодні, своєю глибиною та точністю.» (Paul Valery: Pieces sur I"art, 1. с., р. 191, "Autour de Corot"). "Твори мистецтва, - стверджує Андре Бретон, має цінність лише остільки, оскільки в ньому проблиск відблиски майбутнього." І справді, становлення кожної форми мистецтва знаходиться на перетині трьох ліній розвитку, по-перше, на виникнення певної форми мистецтва працює техніка, ще до появи кіно існували книжечки фотографій, при швидкому перегортанні яких можна було побачити поєдинок боксерів або тенісистів, на ярмарках. були автомати, що обертали ручки, що запускали рухоме зображення: — По-друге, вже існуючі форми мистецтва на певних стадіях свого розвитку напружено працюють над досягненням ефектів, які пізніше без особливих труднощів даються новим формам мистецтва. Вплинути на публіку вплив, який Чаплін потім досягав цілком природним способом: — По-третє, часто непримітні соціальні процеси викликають зміну сприйняття, яке знаходить застосування тільки в нових формах мистецтва. ика, щоб розглядати картини, які вже перестали бути нерухомими. Глядачі перебували перед ширмою, у якій було укріплено стереоскопи, по одному кожного. Перед стереоскопами автоматично з'являлися картини, які за деякий час змінювалися іншими. Подібними засобами користувався ще Едісон, який представляв фільм (до появи екрану та проектора) невеликій кількості глядачів, які дивилися в апарат, в якому крутилися кадри. — Між іншим, будова кайзерів-скоп панорами особливо ясно висловлює один діалектичний момент розвитку. Незадовго до того, як кіно робить сприйняття картин колективним, перед стереоскопами цієї швидко застарілої установи погляд одиночного глядача на картину ще раз переживається з тоном гостроти, як колись при погляді жерця на зображення бога в святилищі.
24. Теологічний прообраз цієї споглядальності — свідомість буття віч-на-віч із богом. Ця свідомість мала у великі часи буржуазії свободу, що струсила церковну опіку. У період її занепаду та ж свідомість стала відповіддю на приховану тенденцію виключити з галузі соціального ті сили, які одиничною людиною приводить у рух у спілкуванні з богом.
25. Georges Duhamel: Scenes de la vie future. 2eed., Paris, 193 p. 52.
26. Кіно — форма мистецтва, що відповідає зростаючій загрозі життю, з якою доводиться стикатися людям, які живуть наші дні. Потреба в шоковому впливі — адаптаційна реакція людини на небезпеки, що його підстерігають, Кіно відповідає глибинній зміні апперцепційних механізмів — змінам, які в масштабі приватного життя відчуває кожен перехожий у натовпі великого міста, а в масштабі історичному — кожен громадянин сучасної держави.
27. Як і у випадку з дадаїзмом, від кіно можна отримати важливі коментарі також до кубізму та футуризму. Обидві течії виявляються недосконалими спробами відповісти на перетворення дійсності під впливом апаратури. Ці школи спробували, на відміну кіно, зробити це через використання апаратури для художнього уявлення реальності, а через свого роду сплавлення зображуваної дійсності з апаратурою. При цьому в кубізмі основну роль відіграє конструкція оптичної апаратури; у футуризмі - попередження ефектів цієї апаратури, що виявляються при швидкому русі кінострічки.
28. При цьому важливий особливо стосовно щотижневої кінохроніки, пропагандистське значення якої важко переоцінити, — один технічний момент. Масова репродукція виявляється особливо співзвучною репродукції мас. У великих святкових ходах, грандіозних з'їздах, масових спортивних заходах та військових діях — у всьому, на що спрямований у наші дні кіноапарат, маси отримують можливість поглянути самим собі в обличчя. Цей процес, на значимості якого не потрібно особливо зупинятися, тісно пов'язаний з розвитком записуючої та відтворювальної техніки. Взагалі рухи мас чіткіше сприймаються апаратурою, ніж оком. Сотні тисяч людей найкраще охоплювати з висоти пташиного польоту. І хоча ця точка зору доступна оку так само, як і об'єктиву, все ж таки картина, отримана оком, не піддається, на відміну від знімка, збільшенню. Це означає, що масові дії, а також війна є формою людської діяльності, що особливо відповідає можливостям апаратури.
29. eit. La Stampa, Torino.

Переклад: Сергій Ромашко

Робота додана на сайт сайт: 2016-03-13

Замовити написання унікальної роботи

1. В.Беньямін та Р.Краус про проблему копії та оригіналу в модерністському мистецтві.

Валтер Беньямін(1892 - 1940) - німецький філософ , теоретик історії,естетик, історик фотографії , літературний критик, письменник та перекладач. Зазнав сильного впливумарксизму (який своєрідно поєднував із традиційним єврейськиммістицизмом і психоаналізом), стояв біля витоківФранкфуртської школи. «Виробництво мистецтва в епоху технічної відтворюваності» 1996;В есе В.Беньямін аналізує трансформацію творів мистецтва як фізичних та естетичних об'єктів у контексті розвитку техніки та технології, зауважує, що в епоху технічної відтворюваності твори мистецтва позбавляються своєї аури, своєї унікальності; в міру наростання репродукційних потужностей і появи масових проявів мистецтва (таких як фотографія і, особливо - кіно) відбувається зміна його соціальної функції: місце культової та ритуальної функції займає експозиційна, практична та політична. При значному збільшенні маси учасників процесу споживання мистецтва відбувається зміна способу участі у цьому процесі та спосіб його сприйняття. Колишнє мистецтво вимагало від глядача концентрації, занурення у себе; мистецтво ж масове (насамперед - кіно) цього вимагає: воно розважає, розсіює увагу і може бути потужним інструментом мобілізації і пропаганди. У Беньяміна, як і у теоретиків поп-арту, нові технології були пов'язані з деміфологізацією таких понять як геніальність та аура, критикою опозиції високе (елітарне)/масове мистецтво, темою демократизації мистецтва. «...Ні речовина, ні простір, ні час останні двадцять років не залишилися тим, чим вони були завжди... Треба бути готовим до того, що такі значні нововведення навіть змінять чудовим чином саме поняття мистецтва». Мистецтво в індустріальному суспільстві залежить від споживання мас, що докорінно змінює його природу. Масове репродукування позбавляє витвір мистецтва як «аури» справжності історичного оригіналу з його ритуальними завданнями, і естетичної унікальності. Механічно точні фотографічні копії з відомих картин старих майстрів, які протягом століть вважалися унікальними, споживані у вигляді репродукцій у журналах, у домашніх умовах «привласнюються» масами, залучаються до процесу «тривіалізації» та збудювання. Ідеї ​​Б. співзвучні американському повоєнномупоп-арту, а потім концептуалістам (Пристрасть до механічного копіювання – «римейкам» з відомих картин великих майстрів XX ст.(Матісса, Пікассо,Де Кіріко). «Репродукційна техніка... виводить предмет, що репродукується, зі сфери традиції. Тиражуючи репродукцію, вона замінює його унікальний прояв на масовий. А дозволяючи репродукції наближатися до людини, що її сприймає,... вона актуалізує репродукований предмет = глибоке потрясіння традиційних цінностей. Б. загострив увагу до причин зміни способів чуттєвого сприйняття людини, які він характеризував як «розпад аури». «Смак до однотипного у світі», т. е., як ми сказали сьогодні, тенденція до стереотипізації, на думку Б., позбавляють явища мистецтва їх унікальності, що несумісно з принципами класичної естетики. у той момент, «коли міра справжності перестає працювати у процесі створення творів мистецтва, — робить висновок Б., — перетворюється вся соціальна функція мистецтва». Так,ключова ідея Беньяміна про втрату аури витвору мистецтва в епоху панування сучасних технологій копіюванняБорис Гройс бачить у сучасному мистецтві відродження аури у ситуації документування, бо документ також несе у собі певну ауратичність, яку використовують твори сучасного мистецтващоб продовжувати бути мистецтвом у традиційному сенсі. Беньямін визначає ауру як чистий ефект непоправної втрати.Фотографія та кінематограф – ті засоби (“медіа”), яківиробляють втрату аури, нівелюючи мистецтво унікального (“високе мистецтво”).Сьогодні ж ми можемо говорити про те, щобудь-яке витвір мистецтва неминуче бере участь у деякому акті власного відтворення (як фотографія чи кіно за часів Беньяміна). Сам спосіб пред'явлення будь-якого об'єкта як мистецтва (“твір”) вже вказує на деякі риси цього відтворення образів, що постійно відновлюється. Можна сказати, що як тільки ми говоримо про “твор мистецтва”, то втрачаємо його як об'єкт і, говорячи мовою Беньяміна, “призначаємо творінням”. А як "творіння" або "шедевра" воно функціонує майже так само, як товарний бренд, постійно відтворюючи себе як цінність. Без цієї символічної цінності, досягнутої повтором, тиражуванням, перетворенням творів зрештою на кітч, вже неможливо мислити сприйняття творів. Вони вже не для сприйняття, адля споживання = мистецтво у ситуації втрати аури твори. Тема перемоги технічного відтворення живого твору.Аурой Беньямін позначає різницю між оригіналом і копією тоді, коли технічне відтворення абсолютно.Звідки ж береться аура - як вона може чи має бути втрачена. При уважному прочитанні беньяминовского тексту стає зрозуміло, що аура виникає завдяки сучасним репродукційним технікам - тобто вона народжується у той самий момент, як і губиться. І народжується з тієї ж причини, з якої губиться. Беньямін починає своє есе з міркування про можливість досконалого відтворення, коли вже неможливо було б відрізнити оригінал від копії. Протягом усього тексту він знову і знову наполягає на цій досконалості. Він говорить про технічне відтворення як про "найдосконалішу репродукцію", в якій "відсутня один момент: тут і зараз твори мистецтва". Оригінал має ауру, копія - ні. Тим самим аура як критерій розрізнення стає необхідною лише тоді, коли завдяки технологіям репродукування всі матеріальні критерії виявляються марними. А це означає, що поняття аури, як і сама аура, належать лише й виключно сучасній епосі. Для Беньяміна аура - це ставлення твори мистецтва до того місця, де воно знаходиться: ставлення до зовнішнього контексту.для Беньяміна різницю між оригіналом і копією - відмінність суто топологічне, як і воно абсолютно залежить від матеріальної природи твори мистецтва.У оригіналу є певне місце - і це певне місце робить оригінал унікальним об'єктом, вписаним в історію. Копія, навпаки, віртуальна, безмісцева, аісторична: вона від початку з'являється як потенційна множинність. Відтворити щось означає відокремити це від його місця, - відтворення переносить витвір мистецтва в топологічно невизначену зону циркуляції. Копії бракує справжності не тому, що вона відрізняється від оригіналу, але тому, що вона не має свого місця і, отже, вона не вписана в історію. Втрата аури починається лише з появою нового естетичного смаку сучасного споживача, який копію чи репродукцію надає перевагу оригіналу, воліє, щоб мистецтво йому приносили, доставляли. Такий споживач не хоче рухатися, йти кудись в інше місце, переміщатися в інший контекст, щоб випробувати досвід оригіналу як оригіналу. Він хоче, щоб оригінал прийшов до нього – і той дійсно приходить, але у вигляді копії. Коли різниця між оригіналом і копією стає суто топологічною відмінністю, тоді єдиним відповідальним за цю відмінність стає топологічно обумовлений рух глядача. Якщо ми йдемо до мистецтва, то це мистецтво – оригінал. Якщо на нашу вимогу мистецтво приходить до нас, то це копія. Відмінності між оригіналом і копією у Беньяміна властивий відтінок насильства. Беньямін говорить руйнуванні аури => Справжність сучасного твори мистецтва залежить немає від матеріальної природи, але з його аури, його контексту, його історичного місця. Отже, справжність перестав бути неминучим цінністю. У сучасну епоху справжність навчилася змінюватись - а не просто зникла. Вічні копії так само неможливі, як і вічні оригінали. Бути оригіналом і мати аурою означає бути живим = причетність живої істоти до життєвого контексту - часу життя і життєвого простору. «У зображенні унікальність і тривалість так само тісно пов'язані, як швидкоплинність і повторюваність у репродукції».

Розалінда Краус – (Справжність авангарду та інші модерністські міфи (1985)Найбільший американський аналітик сучасного мистецтва.Аналіз бінарної опозиції справжність-репродукція у статті про Родена, де Краусс вдається змістити акценти і описати пафос справжності як дискурс, який виявляється лише у контексті авангарду. Техніку відтворення, яку Беньямін критикує у фотографії, Краусс вбачає на набагато більш ранній стадії історії мистецтва – у скульптурі, яка у своєму витоку не тільки зазнавала репродуктивних технологій, а й залежала від них. Таким чином, не ставлячи собі за мету критики беньямінівської ауратичності, Краус несподівано її спростовує – адже в копії можна побачити довільну алеаторну унікальність, а оригінал, у свою чергу, може вийти за рахунок злиття кількох страт репродукування. Тоді зникає як питання справжності, а й копії, бо копії не існує. Проблема справжності висвічується з зовсім не-беньямінівської точки зору: у модернізмі (та й не тільки в ньому, як показує Краус на прикладі пейзажного живопису) інновація є витоком лише концептуально. Реальна ж практика полягає в повторенні; Така, наприклад, грати: як концептуальний жест це – інновація, але як візуальний продукт – нескінченне репродукування. Тоді можна стверджувати, що «початковість поверхні картини – теж лише ілюзія» і наш зір вже є машиною копіювання.Для сучасного художника робота з репродукцією вже позбавлена ​​деконструктивного та інновативного пафосу: техніки репродукції практично витіснили з арсеналу засобів сучасного мистецтва традиційні рукоділні технології, пов'язані з поняттям унікальності.

Цитати з Краус: Виставкою Родена у Вашингтонській Національній галереї = найширше зібрання роденівської скульптури; багато хто з представлених на виставці робіт ніколи раніше не виставлялися: тому що після смерті автора ці шматки гіпсу лежали на полицях сховища, приховані від очей як мистецтвознавців, так і широкої публіки. 2. роботи раніше не виставлялися, тому що були зроблені щойно. Наприклад, на виставці було представлено нову виливок «Брама пекла». Відвідувачі виставки могли навіть зайти в кінозал, споруджений спеціально, і там подивитися щойно закінчений фільм про те, як робилася ця нова версія. Відчуття, наче на їхніх очах виготовляється підробка. Роден помер у 1918 році, і його робота, зроблена через шістдесят з лишком років після смерті автора, вочевидь не може бути справжньою роботою - оригіналом. Після смерті Родена Франція успадкувала все його майно, і не тільки всі роботи, що належали йому, але також і всі права на їх відтворення - тобто право тиражувати бронзові виливки з гіпсових скульптур, що залишилися після Родена (Палата депутатів прийняла рішення обмежити ці посмертні тиражі дванадцятьма виливками з кожного гіпсу). Отже, «Брама пекла», відлиті 1978 року, є законною авторською роботою - можна сказати, справжнім оригіналом.;font-family:"Times-Roman"" xml:lang="uk-UK" lang="uk-UK">У якому сенсі ця нова виливок може називатися оригіналом?;font-family:"Times-Roman"" xml:lang="uk-UK" lang="uk-UK">На момент смерті скульптора «Брама» були далекі від завершення. До того ж вони так і не були відлиті повністю (будівлю будівлі, для якої вони були замовлені, скасували). Перший бронзовий виливок було зроблено в 1921 році, через три роки після смерті художника. Відсутність прижиттєвого бронзового виливкаі наявність на момент смерті художника незакінченої гіпсової моделі =всі виливки «Брама пекла» в бронзі - копії без оригіналу. Однак, як ми – з моменту першого виходу у світ «Твори мистецтва в епоху його технічної відтворюваності» Вальтера Беньяміна – постійно пам'ятаємо, «поняття справжності втрачає свій сенс у жанрах, по суті покликаних розмножувати зображення». Беньямін пише: «Наприклад, з фотонегативу можна зробити безліч відбитків; питання справжньому відбитку немає сенсу». Можливо, для Родена поняття «справжнього бронзового виливка» було таким же безглуздим, як і для більшості фотографів. Подібно тисячам скляних негативів Атже, з багатьох з яких за життя фотографа не було зроблено жодного відбитка, багато гіпсових постатей Родена не були реалізовані в більш довговічному матеріалі - бронзі або мармуру. Роден має віддалене відношення до бронзових виливків зі своїх скульптур.не (не брав участі ні у створенні, ні в ретуші воскових форм)." xml:lang="uk-UK" lang="uk-UK">Гіпси, що займають центральне місце в творчості Родена, самі суть виливки. Тобто вони – потенційні мультиплі. У самій серцевині багатої творчої спадщини Родена закладена ця множинність і структурна проліферація, що випливає з неї. "Три німфи" - це ідентичні виливки з однієї моделі. «Три тіні» - композиція, що вінчає «Брама пекла», - також складена з мультиплей: з трьох ідентичних фігур, трьох виливків з однієї форми, і немає сенсу задаватися питанням - як і у випадку з танцівницями або німфами, - яка з трьох фігур є оригіналом. Ніщо в міфі про Родена - натхненного художника, ловця дивовижних форм - не підготує нас до зустрічі з реальністю, з достатком клонів у його роботах. Адже натхненний художник - це творець оригіналів, що блищить своєю оригінальністю. Рільке склав свій екстатичний гімн оригінальності Родена; ось описує, яке достаток тіл винайшов Роден для «Брама пекла». Цей рій фігур - ми переконані, що він складається зрізних фігур. І це наше переконання випливає з культу справжності, який насадив навколо себе Роден і який процвітав у його колі. Роден вибудовував образ себе як творця, творця, горнила справжності. Художник минулого століття, що найбільше плекав власну оригінальність і справжність, у своєму заповіті віддає власну роботу наругу на механічне відтворення. Чи можемо ми вважати, що в цій своїй останній волі Роден лише вкотре наголосив, наскільки його мистецтво є мистецтво репродукції, мистецтво мультиплей без оригіналів? Самі ми віддані культурі оригіналів, якій немає місця у репродуктивних жанрах? На сучасному фотографічному ринку ця культура оригіналу - авторського відбитка - працює на повну силу. Авторський відбиток окреслюється «близький естетичному моменту» - тобто це фотографія, як надрукована самим фотографом, а й надрукована приблизно тоді, коли було зроблено знімок (механістичний погляд авторство). Справжність зовсім не обов'язково є похідною від історії технології (старовинні реактиви можна відтворити і зараз і за їх допомогою зробити відбиток, ідентичний авторському відбитку XIX століття).;font-family:"Times-Roman"" xml:lang="uk-UK" lang="uk-UK">Формулювання, що визначає справжню фотографію як відбиток, «близький естетичному моменту», з усією очевидністю випливає з мистецтвознавчого поняття стилю, властивого тій чи іншій епосі, що з фігурою знавця.Стиль епохи визначається особливою стилістичною цілісністю (не можна підробити). Поняття справжності виробляється від цього, як, на думку, виникає стиль: колективно і несвідомо. Отже, окрема людина за визначенням може свідомо створювати стиль. Пізні копії виставлятимуться саме доти, оскільки вони не належать до епохи; стара цілісність, що внутрішньо пов'язує твір з епохою, буде порушена. «Брама пекла» 1978 року порушують саме це поняття стилю епохи, і ми це відчуваємо. Нам не має значення, що авторське право ніде не порушено; на кін поставлені естетичні права стилю, засновані на культурі оригіналу. Сидячи в маленькому кінозалі і спостерігаючи, як відливають нові «Брама пекла», дивлячись на це насильство, ми ледве пригнічуємо бажання крикнути: «Фальшивка!». У перші сто років свого існування такий персонаж, як авангардний художник, змінив безліч масок: революціонер, денді, анархіст, естет, технолог, містик, змінював переконання.Постійна частина дискурсу авангарду, - тема оригінальності -справжності у буквальному значенні слова, це початковість, початок із нуля, народження. Оригінальність стає метафорою, яка описує витоки життя. «Я» художника як джерело не заплямоване традицією (споконвічна, початкова наївність). Бранкузі: «Коли ми перестаємо бути дітьми – ми вже мертві». «Я» художника як витоку властива здатність до постійної регенерації – безперервного народження наново. Малевич: «Живі лише ті, хто зрікається своїх вчорашніх переконань». Самість художника як джерело - це інструмент, що дозволяє проводити абсолютну різницю між сьогоденням як досвідом нового і минулим як сховищем традиції. Домагання авангарду - саме ці претензії на справжність. Поняття авангарду вважатимуться похідним від дискурсу справжності; при цьому реальна практика в авангардному мистецтві, метою якої було висловити цю «справжність», сама ґрунтується на повторенні та поверненні. Прикладом цього може бути одна постать, яку візуальні мистецтва вніс авангард. Ця фігура – ​​грати (мовчання, відмова від промови, непроникність для часу, зображення абсолютного початку). Мистецтво народжується в певній початковій чистоті, грати символізували абсолютну незацікавленість витвору мистецтва, його чисту безцільність, яка для мистецтва є запорукою його незалежності. Через відчуття початку, свіжості, відліку з нуля митці один за одним вибирали ґрати і робили з неї середовище, всередині якого розгорталася їхня творчість, кожен працював з ґратами так, ніби щойно відкрив її, немов цей виток, єйого власний виток, а те, що він знайшов його, є здійснення справжності. Покоління за поколінням художники-абстракціоністи «відчиняли» ґрати; вона завжди постає як новина, як унікальне відкриття. Грати - це стереотип, який кожен митець парадоксальним чином відкриває заново, вона перетворюється - ще один парадокс - на в'язницю, на клітку, в якій митець, проте, почувається вільним. Адже найдивовижніша риса решітки - що вона, успішно виконуючи роль символу свободи, жорстко обмежує реальний досвід свободи. (З того моменту, як вони захопилися темою решітки, їхня творчість перестає розвиватися: замість розвитку вона йде шляхом нескінченного повторення. Прикладами тому можуть служити Мондріан, Альберс, Рейнхардт та Агнес Мартін).Ґрати прирікають цих художників на повторення на противагу оригінальності. Оригінальність і повторення залежать один від одного і підживлюють один одного, хоча оригінальність має високу цінність, а повторення, копія або подвоєння - знецінений.Художник-авангардист- витоком його творчості є власне «я» художника, продукти цієї творчості так само унікальні, як він сам; Умова його власної унікальності гарантує унікальність того, що він робить, він, переконавшись у цьому своєму праві на унікальність, реалізує свою оригінальність, зображуючи грати. Але авторське право на ґрати загубилося десь у давнину і вже багато століть грати є надбанням громадськості. Гратиможна лише повторювати.І, якщо акт повторення або копіювання решітки є «справжньою» причиною її використання для кожного окремо взятого художника, довгожительство решітки протягом його творчого шляху є ще одним повторенням - художник знову і знову відтворює самого себе.;font-family:"Times-Roman"" xml:lang="uk-UK" lang="uk-UK">Решітка є відтворення поверхні полотна, і в той же час вона накладається на ту саму поверхню, яку відтворює, але при цьому грати залишається зображенням і втілює в собі різні аспекти свого початкового предмета. Ґрати не розкриває перед нами поверхню, не оголює її; швидше вона приховує її за допомогою повторення. Всі ці умови - унікальність, справжність, оригінальність, початковість - залежать від певного моменту споконвічності, прикладом якого є ця площина картини - прикладом як емпіричним, так і семіотичним. Модерністські грати, так само як і бронзові виливки Родена, несуть у собі логічну можливість множинності: вони є системою відтворення без оригіналу. Шукати ознаку справжності, незважаючи на те, що нас неминуче оточують копії і що копія є умовою, на якій заснований статус оригіналу, - в початку XIXстоліття це усвідомлювали набагато ясніше, ніж дозволялося наступні роки.Концепція пейзажу , і це поняття пейзажу вторинне, а первинним по відношенню до нього є репрезентація. Пейзаж лише повторює картину, яка передує. Унікальність пейзажу - це щось присутній або відсутній у топографії даної місцевості; вона виробляється від образів, які виникають у цій місцевості кожну мить, і від того, як ці картини відображаються в уяві глядача. По Гілпіну, пейзаж не статичний, у ньому постійно змінюють одне одного нові, окремі, щохвилини різні, унікальні картини. Унікальність та шаблонність – дві логічні половинки поняття «пейзаж». Попередження і повторення картин необхідні унікальності мальовничого, оскільки глядача унікальним буде лише те, що пізнається як унікальне, а таке впізнання можливе лише з допомогою попереднього зразка, кожен конкретний момент сприйняття розглядається як унікальний, але це стає можливим саме тому, що він причетний до множинності. Естетичний дискурс - як офіційний, і неофіційний - віддає перевагу «справжності» і прагне придушити поняття повторення чи копії. Але явним чи прихованим чином поняття копії залишається фундаментальним для доктрини справжності. Копії та копіювання відігравали значну роль у мистецтві XIX століття: на них ґрунтувалася та сама можливість впізнавання, яка у Джейн Остін і у Вільяма Гілпіна називається смаком (музей копій на виставці експересіоністів. 156 щойно виконаних за державним замовленням копій (олією, розмір оригіналу) ) найзнаменитіших шедеврів із зарубіжних музеїв, а також копії ватиканських фресок Рафаеля.).;font-family:"Times-Roman"" xml:lang="uk-UK" lang="uk-UK">Копія послужила основою спонтанності: різкості, «природної світлотіні» (уривчасті мазки фарби та спалаху білил) - а Моне миттєвості (Моне) – нарис, швидко зроблений ескіз. «Хаос фарб, навмання взятих з палітри». Але, як випливає з недавніх досліджень творчості Моне, цю ескізність, яка відігравала рользнаку спонтанності, художник ретельно готував і прораховував заздалегідь, і в цьому сенсі спонтанність була з усіх означених найбільш схильна до фальсифікації. виконання такої картини шар за шаром займало багато днів. Але постійний результат - ілюзія спонтанності, спалаху блискавичної та оригінальної дії. Жертвою цієї ілюзії впав Ремі де Гурмон: у 1901 році він пише про полотна Моне як про «роботу миті», особливу мить, «того спалаху», в якому ≪ген художника спрямовує його око і руку», щоб створити «твір абсолютно оригінальний» . Ілюзія неповторних, окремих моментів досвіду виходить у результаті точно прорахованих дій». Виробництво спонтанності шляхом багаторазового переписування картин (наприклад, Моне приховував від свого дилера серію «Руанських соборів» цілих три роки) засноване на тій самій естетичній економіці, що поєднує одиничність та множинність, унікальність та репродукування.Роботи Шеррі Левайн, найбільш радикально ставить питання статус таких понять, як виток, оригінальність і справжність. Техніка, в якій працює Левайн, – піратська фотографія; наприклад, в одній своїй серії вона просто перезнімає фотографії Едварда Вестона, що зображують його сина Ніла, тим самим порушуючи авторські права Вестона. Однак вестоновські оригінали самі відтворюють вже існуючі зразки; витік їх - в нескінченній низці грецьких куросів, (оголений чоловічий торс). Досконале Левайн крадіжка, яка відбувається, так би мовити, на поверхні знімків Вестона, відкриває низку зразків, що стоїть за цією поверхнею, які в свою чергу репродукував, тобто вкрав, сам Вестон. Ролан Барт. в S/Z, він стверджує, що реалізм займається не копіюванням з натури, а скоріше пастишуванням, виробництвом копій з копій: реалізм полягає зовсім не в копіюванні реального як такого, але в копіюванні його (мальовничої) копії ... за допомогою вторинного мімесису він [ реалізм] копіює те, що саме по собі вже є копією. Тут ми знову рухаємося крізь фотографічний оригінал до природного пейзажу, що породив його, - зразка мальовничості до суто текстуальної конструкції піднесеного і до історії його виродження в дедалі більше незграбні копії. Деконструюючи споріднені поняття витоку, справжності, оригінальності, постмодернізм проводить кордон між собою та ідеологічною територією авангарду; модерністське мистецтво і бачимо, як воно розпадається на уламки нескінченних копій.

" xml:lang="-none-" lang="-none-">PAGE 8

Замовити написання унікальної роботи

Біографія

Невезуча Вальтера Беньяміна давно вже стала спільним місцем літератури про нього. Багато чого з того, що написав, побачило світ лише через роки після його смерті, а те, що було опубліковано, не завжди відразу знаходило розуміння. Це в нього на батьківщині, у Німеччині. Шлях до російського читача виявився складним подвійно. І це при тому, що сам Беньямін хотів такої зустрічі і навіть приїжджав для цього до Москви. Даремно.

Втім, можливо, що це й не так уже й погано. Зараз, коли заборон, що заважали виходу робіт Беньяміна російською, більше немає, а на Заході він уже перестав бути, як якийсь час тому, модним автором, настав час просто спокійно його прочитати. Тому що те, що було для нього сучасністю, у нас на очах видаляється в історію, проте історію, яка ще не зовсім втратила зв'язок з нашим часом і тому не позбавлена ​​для нас безпосереднього інтересу.

Початок життя Вальтера Беньяміна був нічим примітно. Він народився в 1892 році в Берліні, в сім'ї щасливого фінансиста, тому його дитинство пройшло в цілком благополучній обстановці (через роки він напише про нього книгу "Берлінське дитинство на порозі століття"). Батьки його були євреями, але з тих, кого правовірні юдеї називали євреями, що справляють різдво, тому єврейська традиція стала для нього реальністю досить пізно, він не так виріс у ній, скільки прийшов до неї потім, як приходять до явищ культурної історії.

У 1912 році Вальтер Беньямін починає студентське життя, переміщаючись з університету до університету: з Фрайбурга до Берліна, звідти до Мюнхена і, нарешті, до Берна, де він і завершив своє навчання захистом докторської дисертації "Поняття художньої критики в німецькому романтизмі". Перша світова війна начебто пощадила його - він був визнаний зовсім непридатним до служби - але залишила в його душі важкий слід від втрат близьких, від розриву з дорогими йому людьми, які на початку війни піддалися мілітаристській ейфорії, яка завжди була йому чужа. І війна все ж таки зачепила його своїми наслідками: післявоєнна розруха та інфляція в Німеччині знецінили кошти сім'ї і змусили Беньяміна залишити дорогу і благополучну Швейцарію, де йому було запропоновано продовжити наукову роботу. Він повернувся додому. Це вирішило його долю.

У Німеччині слід кілька невдалих спроб знайти своє місце в житті: журнал, який він хотів видавати, так ніколи і не вийшов, друга дисертація (необхідна для університетської кар'єри та здобуття професорського звання), присвячена німецькій трагедії епохи Бароко, не отримала позитивної оцінки у Франкфуртському Університеті. Щоправда, час, проведений у Франкфурті, виявився далеко не марним: там Беньямін познайомився з тоді ще зовсім молодими філософами Зігфрідом Кракауером і Теодором Адорно. Ці відносини відіграли важливу роль у становленні того явища, яке пізніше отримало назву Франкфуртської школи.

Невдача другого захисту (зміст дисертації залишився просто незрозумілим, про що рецензент сумлінно повідомив у своєму відгуку) означала кінець спробам знайти своє місце в академічному середовищі, яке й так не надто приваблювало Беньяміна. Німецькі університети переживали не найкращий свій час; Беньямін вже у студентські роки досить критично ставився до університетського життя, беручи участь у русі за оновлення студентства. Однак для того, щоб його критичний настрій оформився у певну позицію, не вистачало ще якогось імпульсу. Ним стала зустріч із Асею Лацис.

Знайомство з "латиською більшовичкою", як коротко охарактеризував її Беньямін у листі до свого старого друга Гершого Шолема, відбулося в 1924 році на Капрі. Вже за кілька тижнів він називає її "одною з найбільш чудових жінок, яких я коли-небудь знав". Для Беньяміна стала реальністю не тільки інша політична позиція - для нього несподівано відкрився цілий світ, Про який він мав до того невиразні уявлення. Цей світ не обмежувався географічними координатами Східної Європи, звідки прийшла у його життя ця жінка. Виявилося, що інший світ можна відкрити й там, де він уже бував. Просто треба подивитися інакше, скажімо, на ту ж Італію, не очима туриста, а так, щоб відчути напружене повсякденне життя мешканців великого південного міста(Результатом цього маленького географічного відкриття став підписаний Беньяміном і Лацис нарис "Неаполь"). Навіть у Німеччині Лацис, добре знайома з мистецтвом російського авангарду, насамперед театрального, жила ніби в іншому вимірі: вона співпрацювала з тоді ще тільки починав свою театральну діяльністьБрехтом. Пізніше Брехт стане для Беньяміна однією з найбільш значущих особистостей, не тільки як автор, але і як людина, що має безперечну, навіть зухвалу здатність до нетрадиційного мислення.

ВАЛЬТЕР БЕНЬЯМІН

ВИТВІР МИСТЕЦТВА

В ЕПОХУ

Вибрані есе

Німецька культурний центрімені Гете

«МЕДІУМ» Москва 1996

Книга видана за сприяння "Інтер Націонес"

МІЖ МОСКВОЮ І ПАРИЖОМ: Вальтер Беньямін у пошуках нової реальності

Передмова, складання, переклад та примітки С. А. Ромашко

Редактор Ю. А. Здоровов Художник Є. А. Міхельсон

ISBN 5-85691-049-4

© Suhrkamp Verlag, Frankfurt am Main 1972-1992

© Складання, переклад російською мовою, художнє оформлення та примітки видавництво «МЕДІУМ», 1996 р.

Невезуча Вальтера Беньяміна давно вже стала спільним місцем літератури про нього. Багато чого з того, що написав, побачило світ лише через роки після його смерті, а те, що було опубліковано, не завжди відразу знаходило розуміння. Це в нього на батьківщині, у Німеччині. Шлях до російського читача виявився складним подвійно. І це при тому, що сам Беньямін хотів такої зустрічі і навіть приїжджав для цього до Москви. Даремно.

Втім, можливо, що це й не так уже й погано. Зараз, коли заборон, що заважали виходу робіт Беньяміна російською, більше немає, а на Заході він уже перестав бути, як якийсь час тому, модним автором, настав час просто спокійно його прочитати. Тому що те, що було для нього сучасністю, у нас на очах видаляється в історію, проте історію, яка ще не зовсім втратила зв'язок з нашим часом і тому не позбавлена ​​для нас безпосереднього інтересу.

Початок життя Вальтера Беньяміна був нічим примітно. Він народився в 1892 році в Берліні, в сім'ї щасливого фінансиста, тому його дитинство пройшло в цілком благополучній обстановці (через роки він напише про нього книгу "Берлінське дитинство на порозі століття"). Батьки його були євреями, але з тих, кого правовірні іудеї називали євреями, що справляють різдво, тому єврейська традиція стала для нього реальністю досить пізно, він не так виріс.

в ній, скільки прийшов до неї згодом, як приходять до явищ культурної історії.

У 1912 році Вальтер Беньямін починає студентське життя, переміщаючись з університету до університету: з Фрайбурга до Берліна, звідти до Мюнхена і, нарешті, до Берна, де він і завершив своє навчання захистом докторської дисертації "Поняття художньої критики в німецькому романтизмі". Перша світова війна начебто пощадила його - він був визнаний зовсім непридатним до служби - але залишила в його душі важкий слід від втрат близьких, від розриву з дорогими йому людьми, які на початку війни піддалися мілітаристській ейфорії, яка завжди була йому чужа. І війна все ж таки зачепила його своїми наслідками: післявоєнна розруха та інфляція в Німеччині знецінили кошти сім'ї і змусили Беньяміна залишити дорогу і благополучну Швейцарію, де йому було запропоновано продовжити наукову роботу. Він повернувся додому. Це вирішило його долю.

У Німеччині слід кілька невдалих спроб знайти своє місце в житті: журнал, який він хотів видавати, так ніколи і не вийшов, друга дисертація (необхідна для університетської кар'єри та здобуття професорського звання), присвячена німецькій трагедії епохи Бароко, не отримала позитивної оцінки у Франкфуртському Університеті. Щоправда, час, проведений у Франкфурті, виявився далеко не марним: там Беньямін познайомився з тоді ще зовсім молодими філософами Зігфрідом Кракауером і Теодором Адорно. Ці відносини відіграли важливу роль у становленні того явища, яке пізніше отримало назву Франкфуртської школи.

Невдача другого захисту (зміст дисертації залишився просто незрозумілим, про що рецензент сумлінно повідомив у своєму відгуку) означала кінець спробам знайти своє місце в академічному середовищі, яке й так не надто приваблювало Беньяміна. Німецькі університети переживали не найкращий свій час; Беньямін вже у студентські роки досить критично ставився до університетського життя, беручи участь у русі за оновлення студентства. Однак для того, щоб його критичний настрій оформився у певну позицію, не вистачало ще якогось імпульсу. Ним стала зустріч із Асею Лацис.

Знайомство з "латиською більшовичкою", як коротко охарактеризував її Беньямін у листі до свого старого друга Гершого Шолема, відбулося в 1924 році на Капрі. Вже за кілька тижнів він називає її "одною з найбільш чудових жінок, яких я коли-небудь знав". Для Беньяміна стала реальністю не тільки інша політична позиція - для нього несподівано відкрився цілий світ, про який він мав до того невиразні уявлення. Цей світ не обмежувався географічними координатами Східної Європи, звідки прийшла у його життя ця жінка. Виявилося, що інший світ можна відкрити й там, де він уже бував. Просто треба подивитися інакше, скажімо, на ту ж Італію, не очима туриста, а так, щоб відчути напружене повсякденне життя мешканців великого південного міста (результатом цього маленького географічного відкриття став підписаний Беньяміном і Лацис нарис "Неаполь"). Навіть у Німеччині Лацис, добре знайома з мистецтвом російського авангарду,

передусім театрального, жила ніби в іншому вимірі: вона співпрацювала з Брехтом, який тоді тільки-но розпочинав свою театральну діяльність. Пізніше Брехт стане для Беньяміна однією з найбільш значущих особистостей, не тільки як автор, але і як людина, що має безперечну, навіть зухвалу здатність до нетрадиційного мислення.

1925 року Беньямін вирушає до Риги, де Лацис керувала підпільним театром, взимку 1926-27 він приїжджає до Москви, куди вона на той час перебралася. Для візиту в Росію він мав і цілком діловий привід: замовлення від редакції "Великої радянської енциклопедії" на статтю про Гете. Беньямін, який ще зовсім недавно написав про "Виборчу спорідненість" Гете дослідження в цілком "іманентному" дусі, надихається завданням дати матеріалістичну інтерпретацію особистості та творчості поета. Він явно відчував це як виклик – собі як автору та німецькій літературознавчій традиції. Результатом стало досить дивне есе (важко не погодитися з редакцією, яка вирішила, що як енциклопедична стаття воно явно не підходить), лише частково використане для публікації в енциклопедії. Справа була не в особливій сміливості (або "зухвалості", як говорив сам Беньямін) роботи, в ній було надто багато прямолінійних, спрощених інтерпретаційних ходів, були і явно невиразні, ще не до кінця опрацьовані місця. Але були і знахідки, які віщували наступний напрямок роботи Беньяміна. Це була його здатність побачити в невеликих, часом просто дрібних деталях щось, що несподівано відкриває

розуміння найсерйозніших проблем. Таким було, наприклад, його покинуте ніби побіжно зауваження про те, що Гете все своє життя явно уникав великих місті ніколи не був у Берліні. Для Беньяміна, жителя великого міста, це був важливий вододіл життя та думки; сам він спробував намацати надалі всю історію європейської культури XIX-XX століть саме через життєвідчуття цих міст-гігантів.

Москва його відштовхнула. Вона виявилася "містом гасел", і написаний надзвичайно обережно нарис "Москва" (порівняння з щоденниковими записами, присвяченими московській поїздці, показують, наскільки послідовно Беньямін обходив у своїй публікації надзвичайно лоскітні питання тогочасної політичної боротьби) швидше приховує багато його вражень. Незважаючи на вишуканість викладу нарис все ж таки видає розгубленість автора, який явно відчув, що йому немає місця в цьому місті - адже він вирушав у поїздку, не виключаючи можливості переселитися в країну, що заявила про намір побудувати новий світ.

Повернувшись до Західної Європи, Беньямін продовжує життя вільного літератора: він пише статті для преси, продовжує перекладати (вже в 1923 році були опубліковані його переклади Бодлера, потім була робота над романами Пруста), з великим захопленням виступає на радіо (він був одним з перших серйозних авторів, які по-справжньому оцінили можливості цієї нової інформаційної техніки). З академічною кар'єрою він розпрощався остаточно, і заклики Г. Шолема, який уже кілька

років перебував у Палестині, приєднатися до нього в обітованій землі, де в нього були шанси знову спробувати почати університетську кар'єру, виявляються все-таки (хоча якийсь недовгий час Беньямін вагався) бездіяльними. У 1928 році берлінське видавництво Ровольт випускає відразу дві книги Беньяміна: "Походження німецької трагедії" (відкинуту дисертацію) та "Вулицю з одностороннім рухом". Це поєднання наочно продемонструвало перелом, який стався у його життя кілька років. "Вулиця", вільне зібрання фрагментів, нотаток, роздумів, у яких навіть найдрібніші деталі повсякденному життібули схоплені у широкій перспективі історії та теорії культури, ще не написаної (а може й не може бути написаної в будь-якій завершеній формі), була вільним пошуком форм думки, які могли б стати найбільш безпосередньою реакцією свідомості на нагальні питання часу. Присвячення говорить: "Ця вулиця називається вулицею Асі Лацис, на ім'я інженера, який пробив її в авторі". Незабаром після виходу книги з друку стало ясно, що йти новою дорогою Беньяміну доведеться все ж таки одному, без супутниці, чий вплив він так високо оцінив. Їхні стосунки так і залишилися загадкою для його друзів та знайомих – надто різними вони були людьми.

Набагато більш гостинним для Беньяміна виявилося інше місто - Париж. Він бував там не раз, вперше ще у студентські роки, а з кінця 20-х років Париж стає одним із основних місць його діяльності. Він починає писати роботу, що отримала робочу назву "праці про паса-

ужас": Беньямін вирішив простежити розвиток цієї "столиці XIX століття" через деякі деталі побуту та культурного побуту, розкриваючи таким чином часом не надто очевидні витоки соціокультурної ситуації нашого століття. Він збирає матеріали для цього дослідження до кінця життя, поступово воно стає його основним заняттям .

Саме Париж виявляється його притулком у 1933 році, коли Беньямін був змушений залишити батьківщину. Не можна сказати, щоб улюблене місто прийняло його дуже привітно: становище емігранта-інтелектуала було досить відчайдушним, і він знову подумує про можливість вирушити до Москви, але й цього разу не знаходить там ніякої підтримки. У 1935 році він стає співробітником паризького відділення, яке продовжувало свою діяльність в еміграції Франкфуртського інституту соціальних досліджень, в якому працювали видні представники лівої інтелігенції: М. Хоркхаймер, Т. Адорно, Г. Марку-зе, Р. Арон та ін. Це дещо покращило його матеріальну ситуацію; крім того, журнал інституту розпочав публікацію його робіт, у тому числі й знаменитого есе "Твори мистецтва в епоху його технічної відтворюваності".

Життя Беньяміна 30-х років - це гонка з часом. Він намагався зробити те, що в тих умовах зробити було просто неможливо. І тому, що це був час, у який одинаки - а він був саме одинаком, якому не було дано приєднатися до будь-кого, навіть коли він дуже намагався цього досягти - були майже приречені. І тому, що події, з якими він намагався

впоратися як автор і мислитель, розкручувалися надто стрімко, так що його аналіз, розрахований на повільний, дещо відсторонений розгляд, явно не встигав за ними. Він дуже точно відчував те, що відбувається, але йому постійно не вистачало зовсім небагато часу, щоб замкнути ланцюг аналізу, і лише пізніше стали очевидними багато наслідків його напружених пошуків.

Події того часу все більше змушували Беньяміна звертатися до актуальних проблем. Від літератури минулого його інтереси зміщуються до нових та новітніх явищ культури, до масової комунікації та її техніки: до ілюстрованих видань, до фотографії та, нарешті, до кіно. Тут йому вдається поєднати свій давній інтерес до проблем естетики, філософії знака з прагненням вловити характерні риси сучасності, зрозуміти те нове, що з'являється в людському житті.

З не меншою невблаганністю перебіг подій змушував Беньяміна зміщуватися в ліву частину політичного спектру. При цьому важко не погодитися з Ханною Оренда, яка вважала, що він був "найдивнішим марксистом у цьому щедрому на дивовижному русі". Навіть неортодоксальні марксисти Інституту соціальних досліджень були незадоволені його недостатньою діалектичністю (і в наш час Франкфуртська школа характеризувала його як автора "застиглої діалектики", використовуючи його власний вираз). Навряд чи хтось інший у марксизмі того часу міг так віртуозно переплести Маркса і Бодлера, як це зробив Беньямін в опублікованій напередодні

загибель статті про свого улюбленого поета. Беньяміна важко ділити на періоди: до марксизму і марксистський. Хоча б тому, що і в "марксистських", на його серйозне переконання, роботах раптом центральними виявляються поняття з зовсім інших областей, наприклад релігійної. Такі "осяяння" або "аура". Це останнє поняття надзвичайно важливо для естетики пізнього Беньяміна, і саме воно викликало сильне роздратування його лівих союзників (містицизм!), адже воно з'являється вже в ранній період його творчості: у статті про "Ідіот" Достоєвського, однієї з перших своїх публікацій, він говорить про "ауру російського духу".

Не варто в той же час і "рятувати" Беньяміна, доводячи, що марксистом він не був. У деяких випадках марксистські пасажі в його роботах можна цілком опустити без будь-яких втрат для основного змісту, як, наприклад, передмова і висновок в есе "Виробництво мистецтва в епоху його технічної відтворюваності". В той же час Беньямін цілком серйозно ставився до "бойового" характеру своїх тез, і для цього існувала цілком конкретна і дуже серйозна причина, про яку не можна забувати: фашизм. Спочатку його загроза, а потім політична катастрофа, що вибухнула в Німеччині, дуже жорстко задавали параметри, в яких Беньямін міг дозволити собі працювати.

Вальтер Беньямін був одним із перших філософів ХХ століття, який відчував свій стан як стан "після". Після першої світової війни та світової економічної кризи, після зламу традиційних форм самовиро-

ня та спілкування, після психоаналізу, філософії Ніцше та феноменології, після прози Кафки та Пруста, після дадаїзму та політичного плакату, після перших серйозних досягнень кіномистецтва та після перетворення радіо на інструмент політичної боротьби. Йому було цілком зрозуміло, що в існуванні людства стався серйозний перелом, що знецінив значну частину того, що становило його багатовіковий досвід. Незважаючи на незмірно зрослу технічну міць людина раптом відчув себе напрочуд беззахисною, втративши звичний затишний, освячений традицією оточення: "Покоління, яке ще добиралося до школи на конці, опинилося просто неба в світі, в якому незмінними залишилися хіба що хмари, а під ними , у силовому полі руйнівних струмів і детонацій, крихітне, тендітне людське тіло" (фраза з есе "Оповідач", присвяченого Лєскову).

Творчість Беньяміна не вкладається в рамки наукової філософії. І далеко не всі – і не лише його супротивники – готові визнати його філософом. У той самий час саме нашого часу стало зрозуміло, наскільки важко визначити реальні межі філософствування, якщо, зрозуміло, не обмежуватися суто формальними параметрами. Беньямін намагався знайти таку форму осмислення реальності, яка відповідала б цій новій реальності, не відмовляючись від запозичень у мистецтва: його тексти, як уже зазначали дослідники, нагадують колажні роботи художників раннього авангарду, а принцип поєднання окремих частин цих текстів можна порівняти з технікою монтажу в кіно . У той же час, при всьому

своєму модернізмі, він цілком явно продовжував традицію неортодоксального, неакадемічного мислення, яка саме в німецькій культурі була така сильна; це традиція афористики та вільного есе, філософської поезії та прози, до цієї досить різнорідної та багатої традиції належали Ліхтенберг та Гаман, Гете та романтики, потім до неї увійшов Ніцше. Ця " підпільна " філософія зрештою виявлялася щонайменше значимої, ніж філософія, освячена титулами і званнями. А в ширшій перспективі пошуки Беньяміна пов'язані з широким (починаючи із Середньовіччя) та різноконфесійною спадщиною європейського релігійно-містичного світогляду.

Не слід обманюватися войовничістю деяких політичних заяв Беньяміна. Це була людина надзвичайно м'яка і терпима, недаремно вона змогла об'єднати і в своїй творчості, і в своєму особистому житті таке протилежне, часом зовсім несумісне. Мав слабкість: він любив іграшки. Найціннішим, що він відвозив із Москви, були враження від зустрічей із діячами культури, а зібрана їм колекція традиційних російських іграшок. Вони несли в собі саме те, що стрімко зникало з життя, тепло безпосередності, пропорційність людському сприйняттю, характерну для виробів доіндустріального часу.

Гонку з часом виграти, звичайно ж, не вдалося. Беньямін боягузливий не був. З Німеччини він виїхав в останній момент, коли над ним нависла загроза арешту. Коли йому казали, що варто було б перебратися з Франції у без-

небезпечну Америку, він відповідав, що у Європі "є ще, що захищати". Про від'їзд він почав думати лише тоді, коли фашистське вторгнення стало реальністю. Це виявилося не так просто: у британській візі йому було відмовлено. Коли Хоркхаймер вдалося отримати для нього американську візу, Франція вже була розгромлена. Разом із групою інших біженців у вересні 1940 року він спробував перейти через гори до Іспанії. Іспанські прикордонники, посилаючись на формальні проблеми, відмовилися пропустити їх (скоріше за все, вони розраховували на хабар) та погрожували видати німцям. У цій відчайдушній ситуації Беньямін приймає отруту. Його смерть так потрясла всіх, що біженці змогли наступного дня безперешкодно продовжити свій шлях. А неспокійний мислитель знайшов останній притулок на маленькому цвинтарі в Піренеях.

ВИРОБНИЦТВО МИСТЕЦТВА В ЕПОХУ

ЙОГО ТЕХНІЧНОГО ВІДТВОРЕННОСТІ

Становлення мистецтв і практична фіксація їх видів відбувалися в епоху, що суттєво відрізнялася від нашої, і здійснювалися людьми, чия влада над речами була незначною порівняно з тією, яку ми маємо. Однак дивовижне зростання наших технічних можливостей, набуті ними гнучкість і точність дозволяють стверджувати, що незабаром у стародавній індустрії прекрасного відбудуться найглибші зміни. У всіх мистецтвах є фізична частина, яку вже не можна більше розглядати і якою не можна більше скористатися так, як раніше; вона більше не може перебувати поза впливом сучасної теоретичної та практичної діяльності. Ні речовина, ні простір, ні час останні двадцять років не залишилися тим, чим вони були завжди. Треба бути готовим до того, що такі значні нововведення перетворять всю техніку мистецтв, надаючи тим самим впливом геть сам процес творчості і, можливо, навіть змінять чудовим чином саме поняття мистецтва.

Paul Valéry. Pièces sur l'art, p. 103-104 ("La conquête de l"ubiquité").

Передмова

Коли Маркс взявся аналіз капіталістичного способу виробництва, цей спосіб виробництва переживав свою початкову стадію. Маркс організував свою роботу так, що вона набула прогностичного значення. Він звернувся до основних умов капіталістичного виробництва.

водства і представив їх таким чином, що за ними можна було побачити, на що буде здатний капіталізм надалі. Виявилося, що він не тільки породить дедалі жорсткішу експлуатацію пролетарів, а й нарешті створить умови, завдяки яким виявиться можливою ліквідація його самого.

Перетворення надбудови відбувається набагато повільніше, ніж перетворення базису, тому знадобилося понад півстоліття, щоб зміни у структурі виробництва знайшли свій відбиток у всіх галузях культури. Про те, як це відбувалося, можна судити тільки зараз. Цей аналіз має відповідати певним прогностичним вимогам. Але цим вимогам відповідають не так тези про те, яким буде пролетарське мистецтво після того, як пролетаріат прийде до влади, не кажучи вже про безкласове суспільство, як положення щодо тенденцій розвитку мистецтва в умовах існуючих виробничих відносин. Їхня діалектика проявляється в надбудові не менш ясно, ніж в економіці. Тому було б помилкою недооцінювати значення цих тез для політичної боротьби. Вони відкидають ряд застарілих понять - таких як творчість і геніальність, вічна цінність і таїнство, - неконтрольоване використання яких (а нині контроль здійснимо важко) веде до інтерпретації фактів у фашистському дусі. ВведеніДалі в теорію мистецтва нові поняття відрізняються від більш звичних тим, що використовувати їх дляфашистських цілей неможливо. Однаквони придатні для формулювання революційнихвимог у культурній політиці.

Твір мистецтва у принципі завжди піддавалося відтворенню. Те, що було створено людьми, завжди могло бути повторене іншими. Подібним копіювання займалися учні для вдосконалення майстерності, майстри - для ширшого поширення своїх творів, нарешті треті особи з метою наживи. Порівняно з цією діяльністю технічне репродукування твору мистецтва є новим явищем, яке, хай і не безперервно, а розділеними великими часовими інтервалами ривками, набуває все більшого історичного значення. Греки знали лише два способи технічного відтворення творів мистецтва: лиття та штампування. Бронзові статуї, теракотові фігурки та монети були єдиними витворами мистецтва, які вони могли тиражувати. Всі інші були унікальними і не піддавалися технічному репродукуванню. З появою гравюри на дереві вперше стала технічно репродукована графіка; пройшло ще досить довгий час, перш ніж завдяки появі друкарства те саме стало можливим і для текстів. Ті величезні зміни, які викликало в літературі друкарство, тобто технічну можливість відтворення тексту, відомі. Однак вони становлять лише один окремий, хоч і особливо важливий випадок того явища, яке розглядається тут у всесвітньо-історичному масштабі. До гравюри на дереві протягом середньовіччя додаються гравюра різцем на міді та офорт, а на початку дев'ятнадцятого століття - літографія.

З появою літографії репродукційна техніка піднімається на принципово новий щабель. Набагато більш простий спосіб перекладу малюнка на камінь, що відрізняє літографію від вирізування зображення на дереві або його травлення на металевій пластинці, вперше дав графіку можливість виходити на ринок не тільки досить тиражами (як до того), але і щодня варіюючи зображення. Завдяки літографії графіка змогла стати ілюстративною супутницею повсякденних подій. Вона почала йти в ногу з друкарською технікою. У цьому відношенні літографію вже через кілька десятиліть обійшла фотографія. Фотографія вперше звільнила руку в процесі художньої репродукції від найважливіших творчих обов'язків, які відтепер перейшли до ока, що спрямоване в об'єктив. Оскільки око схоплює швидше, ніж малює рука, процес репродукції отримав таке потужне прискорення, що вже могло встигати за усною мовою. Кінооператор фіксує під час зйомок у студії події з тією самою швидкістю, якою говорить актор. Якщо літографія несла в собі потенційну можливість ілюстрованої газети, поява фотографії означала можливість звукового кіно. Вирішення завдання технічного звуковідтворення розпочали наприкінці минулого століття. Ці зусилля, що сходяться, дозволили прогнозувати ситуацію, яку Валері охарактеризував фразою: "Подібно тому як вода, газ і електрика, підкоряючись майже непомітному руху руки, приходять здалеку в наш будинок, щоб служити нам, так і зорові і звукові образи будуть доставлятися

нам, з'являючись і зникаючи за велінням незначного руху, майже знака "*. На рубежіXIX іXXстоліть засоби технічної репродукції достигли рівня, перебуваючи на якому вони не тількипочали перетворювати на свій об'єкт всю сукупністьнаявних творів мистецтва та найсерйознішимчином змінювати їх вплив на публіку, але йзайняли самостійне місце серед видів художніхної діяльності.Для вивчення досягнутого рівня немає нічого пліднішого аналізу того, яким чином два характерні для нього явища - художня репродукція і кіномистецтво -надають зворотний вплив на мистецтво в його традиційній формі.

…Твори мистецтва в принципі завжди піддавалися відтворенню. Те, що було створено людьми, завжди могло бути повторене іншими. Подібним копіюванням займалися учні для вдосконалення майстерності, майстри-для ширшого поширення своїх творів, нарешті треті особи з метою наживи. Порівняно з цією діяльністю технічне репродукування твору мистецтва є новим явищем, яке, хай і не безперервно, а розділеними великими часовими інтервалами ривками, набуває все більшого історичного значення. Греки знали лише два способи технічного відтворення творів мистецтва: лиття та штампування. Бронзові статуї, теракотові фігурки та монети були єдиними витворами мистецтва, які вони могли тиражувати. Всі інші були унікальними і не піддавалися технічному репродукуванню. З появою гравюри на дереві вперше стала технічно репродукована графіка; пройшло ще досить довгий час, перш ніж завдяки появі друкарства те саме стало можливим і для текстів. Ті величезні зміни, які викликало в літературі друкарство, тобто технічну можливість відтворення тексту, відомі. Однак вони становлять лише один окремий, хоч і особливо важливий випадок того явища, яке розглядається тут у всесвітньо-історичному масштабі. До гравюри на дереві протягом середньовіччя додаються гравюра різцем на міді та офорт, а на початку дев'ятнадцятого століття - літографія.

З появою літографії репродукційна техніка піднімається на принципово новий щабель. Набагато більш простий спосіб перекладу малюнка на камінь, що відрізняє літографію від вирізування зображення на дереві або його травлення на металевій пластинці, вперше дав графіку можливість виходити на ринок не тільки досить тиражами (як до того), але і щодня варіюючи зображення. Завдяки літографії графіка змогла стати ілюстративною супутницею повсякденних подій. Вона почала йти в ногу з друкарською технікою. У цьому відношенні літографію вже через кілька десятиліть обійшла фотографія. Фотографія вперше звільнила руку в процесі художньої репродукції від найважливіших творчих обов'язків, які відтепер перейшли до ока, що спрямоване в об'єктив. Оскільки око схоплює швидше, ніж малює рука, процес репродукції отримав таке потужне прискорення, що вже могло встигати за усною мовою. Кінооператор фіксує під час зйомок у студії події з тією самою швидкістю, якою говорить актор. Якщо літографія несла в собі потенційну можливість ілюстрованої газети, поява фотографії означала можливість звукового кіно. Вирішення завдання технічного звуковідтворення розпочали наприкінці минулого століття. Ці зусилля, що сходяться, дозволили прогнозувати ситуацію, яку Валері охарактеризував фразою: «Подібно тому як вода, газ і електрика, підкоряючись майже непомітному руху руки, приходять здалеку в наш будинок, щоб служити нам, так і зорові і звукові образи будуть доставлятися нам, з'являючись і зникаючи за велінням незначного руху, майже знака». На рубежі XIX і XX століть кошти технічної репродукції досягли рівня, перебуваючи на якому вони не тільки почали перетворювати на свій об'єкт всю сукупність наявних творів мистецтва і серйозно змінювати їх вплив на публіку, але й посіли самостійне місце серед видів художньої діяльності. Для вивчення досягнутого рівня немає нічого пліднішого аналізу того, яким чином два характерні для нього явища - художня репродукція і кіномистецтво - надають зворотний вплив на мистецтво в його традиційній формі.

Навіть у найдосконалішій репродукції відсутня один момент: тут і зараз твори мистецтва - його унікальне буття в тому місці, де воно знаходиться. На цій унікальності і ні на чому іншому трималася історія, в яку твір був залучений до свого побуту. Сюди включаються як зміни, які збігом часу зазнавала його фізична структура, так і зміна майнових відносин, до яких він був залучений. Сліди фізичних змін можна виявити лише з допомогою хімічного чи фізичного аналізу, який може бути застосований до репродукції; Що ж до слідів другого роду, то вони є предметом традиції, у вивченні якої за вихідну точку слід приймати місце знаходження оригіналу.

Тут і зараз оригіналу визначають поняття справжності. Хімічний аналіз патини бронзової скульптури може бути корисним визначення її справжності; відповідно свідчення, що певний середньовічний рукопис походить зі зборів п'ятнадцятого століття, може бути корисним для визначення його справжності. Все, що пов'язано з справжністю, недоступне техніч-і, зрозуміло, не тільки технічної-репродукції. Але якщо стосовно ручної репродукції-яка кваліфікується у разі як підробка-справжність зберігає свій авторитет, то стосовно технічної репродукції цього немає. Причина тому двояка. По-перше, технічна репродукція виявляється самостійнішою стосовно оригіналу, ніж ручна. Якщо йдеться, наприклад, про фотографію, то вона в змозі висвітлити такі оптичні аспекти оригіналу, які доступні лише об'єктиву, що довільно змінює своє положення в просторі, але не людському оку, або може за допомогою певних методів, таких як збільшення або прискорена зйомка, зафіксувати зображення просто недоступні звичайному погляду. Це перше. І, до того ж, і це по-друге, вона може перенести подобу оригіналу в ситуацію, для самого оригіналу недоступну. Насамперед вона дозволяє оригіналу зробити рух назустріч публіці, чи то у вигляді фотографії, чи то у вигляді грамофонної платівки. Собор залишає площу, на якій він знаходиться, щоб потрапити до кабінету поціновувача мистецтва; хоровий твір, що пролунав у залі або просто неба, можна прослухати в кімнаті.

Обставини, в які може бути поміщена технічна репродукція витвору мистецтва, навіть якщо і не зачіпають у всьому іншому якостей твору-у будь-якому випадку вони знецінюють його тут і зараз. Хоча це стосується не лише творів мистецтва, а й, наприклад, пейзажу, що пропливає в кіно перед очима глядача, однак у предметі мистецтва цей процес вражає його найбільш чутливу серцевину, нічого схожого за вразливістю природні предмети не мають. Це його справжність. Справжність якоїсь речі - це сукупність всього, що вона здатна нести в собі з моменту виникнення, від свого матеріального віку до історичної цінності. Оскільки перше становить основу другого, то репродукції, де матеріальний вік стає невловимим, похитну виявляється і історична цінність. І хоча торкнута тільки вона, похитнутим виявляється і авторитет речі.

Те, що при цьому зникає, може бути підсумовано за допомогою поняття аури: в епоху технічної відтворюваності витвір мистецтва позбавляється своєї аури. Цей процес симптоматичний, його значення виходить за межі галузі мистецтва. Репродукційна техніка, так можна було б висловити це в загальному вигляді, виводить предмет, що репродукується, зі сфери традиції. Тиражуючи репродукцію, вона замінює його унікальний прояв на масовий. А дозволяючи репродукції наближатися до людини, яка її сприймає, де б вона не знаходилася, вона актуалізує репродукований предмет. Обидва ці процеси викликають глибоке потрясіння традиційних цінностей-потрясіння самої традиції, що представляє зворотний бік переживаного людством нині кризи та оновлення. Вони знаходяться у найтіснішому зв'язку з масовими рухами наших днів. Їх наймогутнішим представником є ​​кіно. Його суспільне значення навіть і в його найбільш позитивному прояві, і саме в ньому, не мислимо без цієї деструктивної складової, що викликає катарсис: ліквідації традиційної цінності у складі культурної спадщини. Це найбільш очевидно у великих історичних фільмах. Воно дедалі більше розширює свою сферу. І коли Абель Ганс в 1927 році з ентузіазмом вигукував: «Шекспір, Рембрандт, Бетховен будуть знімати кіно... Всі легенди, всі міфології, всі релігійні діячі та й усі релігії... чекають на екранне воскресіння, і герої нетерпляче юрмляться біля дверей» , Він - очевидно, сам того не усвідомлюючи, - запрошував до масової ліквідації.

Протягом значних історичних часових періодів разом із загальним способом життя людської спільності змінюється також і чуттєве сприйняття людини. Спосіб та образ організації чуттєвого сприйняття людини – засоби, якими воно забезпечується – обумовлені не тільки природними, а й історичними факторами. Епоха великого переселення народів, в яку виникла пізньоримська художня індустрія та мініатюри віденської книги Буття, породила не тільки інше, ніж в античності, мистецтво, а й інше сприйняття. Вченим віденської школи Ріглю і Вікхофу, які зрушили махину класичної традиції, під якою було поховано це мистецтво, вперше спало на думку відтворити по ньому структуру сприйняття людини того часу. Як не велике було значення їх досліджень, обмеженість їх полягала в тому, що вчені вважали за достатнє виявити формальні риси, характерні для сприйняття в пізньоримську епоху. Вони не намагалися - і, можливо, не могли вважати це можливим - показати суспільні перетворення, які знайшли вираз у цій зміні сприйняття. Що ж до сучасності, то тут умови для такого відкриття сприятливіші. І якщо зміни у способах сприйняття, свідками яких ми є, можуть бути зрозумілі як розпад аури, існує можливість виявлення суспільних умов цього процесу.

Було б корисно проілюструвати запропоноване вище історичних об'єктів поняття аури з допомогою поняття аури природних об'єктів. Цю ауру можна визначити, як унікальне відчуття дали, як би близький при цьому предмет не був. Ковзати поглядом під час літнього післяполуденного відпочинку по лінії гірської гряди на горизонті або гілки, під покровом якої проходить відпочинок, - це означає вдихати ауру цих гір, цієї гілки. За допомогою цієї картини неважко побачити соціальну обумовленість розпаду аури, що проходить у наш час. В основі його дві обставини, обидва пов'язані з дедалі більшим значенням мас у сучасному житті. А саме: пристрасне прагнення «наблизити» до себе речі як у просторовому, так і людському відношенні так само характерне для сучасних мас, як і тенденція подолання унікальності будь-якої даності через ухвалення її репродукції. День у день проявляється непереборна потреба оволодіння предметом у безпосередній близькості через його образ, точніше - відображення, репродукцію. При цьому репродукція в тому вигляді, в якому її можна зустріти в ілюстрованому журналі чи кінохроніці, очевидно відрізняється від картини. Унікальність і постійність спаяні в картині так само тісно, ​​як швидкоплинність і повторюваність у репродукції. Звільнення предмета з його оболонки, руйнація аури - характерна риса сприйняття, чий «смак до однотипному у світі» посилився настільки, що з допомогою репродукції воно вичавлює цю однотипність навіть із унікальних явищ. Так в області наочного сприйняття знаходить відображення те, що в галузі теорії проявляється як значення статистики, що посилюється. Орієнтація реальності на маси та мас на реальність - процес, вплив якого і на мислення, і на сприйняття безмежно.

Єдиність твору мистецтва тотожна його впаяності в безперервність традиції. У той самий час сама ця традиція-явище цілком живе і надзвичайно рухливе. Наприклад, антична статуя Венери існувала для греків, котрим вона була предметом поклоніння, в іншому традиційному контексті, ніж для середньовічних клерикалів, які бачили у ній жахливого ідола. Що було однаково значуще і тих, й інших, то це її єдиність, інакше кажучи: її аура. Початковий спосіб приміщення твори мистецтва у традиційний контекст знайшов вираження у культі. Найдавніші витвори мистецтва виникли, як відомо, щоб служити ритуалу, спочатку магічному, а згодом релігійному. Вирішальним значенням має та обставина, що цей образ існування твору мистецтва, що викликає ауру, ніколи повністю не звільняється від ритуальної функції твору. Іншими словами: унікальна цінність «справжнього» витвору мистецтва ґрунтується на ритуалі, в якому воно знаходило своє початкове та перше застосування. Ця основа може бути багаторазово опосередкована, проте й у найпрофанніших формах служіння красі вона проглядає як секуляризований ритуал. Профанний культ служіння прекрасному, що виник у епоху Відродження і проіснував три століття, з усією очевидністю відкрив, зазнавши після цього терміну перші серйозні потрясіння, свої ритуальні підстави. А саме, коли з появою першого дійсно революційного репродукуючого засобу, фотографії (одночасно з виникненням соціалізму) мистецтво починає відчувати наближення кризи, яка через століття стає цілком очевидною, вона як відповідь реакції висуває вчення про I "artpourl" art, що представляє собою теологію мистецтва . З нього потім вийшла негативна теологія в образі ідеї «чистого» мистецтва, що відкидає не тільки будь-яку соціальну функцію, а й будь-яку залежність від будь-якої матеріальної основи. (У поезії цієї позиції першим досяг Малларме.)

У сприйнятті творів мистецтва можливі різні акценти, серед яких виділяються два полюси. Один з цих акцентів припадає на витвір мистецтва, інший - на його експозиційну цінність. Діяльність художника починається з творів, які перебувають на службі культу. Для цих творів, як можна припустити, важливіше, щоб вони були, ніж те, щоб їх бачили. Лось, якого людина кам'яної доби зображала на стінах своєї печери, був магічним інструментом. Хоча він і доступний погляду його одноплемінників, проте насамперед він призначений для духів. Культова цінність як така примушує, як це видається сьогодні, приховувати витвір мистецтва: деякі статуї античних божеств знаходилися в святилищі і були доступні тільки жерцю, деякі зображення богоматері залишаються майже весь рік завішаними, деякі скульптурні зображення середньовічних соборів не видно спостерігачеві, що перебуває на землі. З вивільненням окремих видів художньої практики з лона ритуалу зростають можливості виставляти її результати на публіці. Експозиційні можливості портретного погруддя, яке можна розташовувати в різних місцях, набагато більше, ніж у статуї божества, яка має знаходитися всередині храму. Експозиційні можливості станкового живопису більші, ніж у мозаїки та фрески, які їй передували. І якщо експозиційні можливості меси в принципі не нижче, ніж у симфонії, то все ж таки симфонія виникла в той момент, коли її експозиційні можливості представлялися більш перспективними, ніж у меси.

З появою різних методів технічної репродукції твори мистецтва його експозиційні можливості зросли в такому величезному обсязі, що кількісний зсув у балансі його полюсів переходить, як у первісну епоху, якісну зміну його природи. Подібно до того як у первісну епоху витвір мистецтва через абсолютну переважання його культової функції був насамперед інструментом магії, який лише пізніше був, так би мовити, упізнаний як витвір мистецтва, так і сьогодні витвір мистецтва стає, через абсолютну переважання його експозиційної цінності, новим явищем із цілком новими функціями, з яких сприймається нашою свідомістю, естетична, виділяється як та, що згодом може бути визнана супутньою. У всякому разі, зрозуміло, що в даний час фотографія, а потім кіно дають найбільш значущі відомості для розуміння ситуації.

З появою фотографії експозиційне значення починає витісняти культове значення по всій лінії. Проте культове значення не здається без бою. Воно закріплюється на останньому рубежі, яким виявляється людське обличчя. Цілком не випадково портрет займає центральне місце в ранній фотографії. Культова функція зображення знаходить свій останній притулок у культі пам'яті про відсутніх чи померлих близьких. У схопленому на льоту виразі обличчя на ранніх фотографіях аура востаннє нагадує про себе. Саме в цьому полягає їхня меланхолійна і ні з чим не порівнянна краса. Там, де людина йде з фотографії, експозиційна функція вперше пересилує культову. Цей процес зафіксував Атже, в чому і полягає унікальне значення цього фотографа, який на своїх знімках зафіксував безлюдні паризькі вулиці рубежу століть. З повним правом про нього говорили, що він знімав їх, наче місце злочину. Адже і місце злочину безлюдне. Його знімають задля доказів. У Атже фотографічні знімки починають перетворюватися на докази, що подаються на процесі історії. У цьому полягає їхнє приховане політичне значення. Вони вже вимагають сприйняття у сенсі. Вільно ковзний погляд, що споглядає, тут недоречний. Вони виводять глядача із рівноваги; він відчуває: до них потрібно знайти певний підхід. Вказівники-як його знайти-тут ​​же виставляють йому ілюстровані газети. Вірні чи хибні-все одно. Вони вперше стали обов'язковими тексти до фотографій. І ясно, що характер їх зовсім інший, ніж у назв картин. Директиви, які отримує від написів до фотографій в ілюстрованому виданні той, хто їх розглядає, набувають незабаром ще точнішого й імперативнішого характеру в кіно, де сприйняття кожного кадру визначається послідовністю всіх попередніх.

Суперечка, яку вели протягом дев'ятнадцятого століття живопис і фотографія про естетичну цінність своїх творів, справляє сьогодні враження плутанної справи, що відводить від суті. Це, проте, не заперечує його значення, скоріше наголошує на його. Насправді ця суперечка була виразом всесвітньо-історичного перевороту, що, однак, не усвідомлювала жодна зі сторін. Тоді як епоха технічної відтворюваності позбавила мистецтво його культової основи, назавжди розвіялася ілюзія його автономії. Однак зміна функції мистецтва, яка тим самим була задана, випала з поля зору сторіччя. Та й двадцятому століттю, яке пережило розвиток кіно, воно довго не давалося.

Якщо до того даремно витратили чимало розумових сил, намагаючись вирішити питання, чи є фотографія мистецтвом - не запитавши себе раніше: чи не змінився з винаходом фотографії і весь характер мистецтва, незабаром теоретики кіно підхопили ту ж саму поспішно викликану дилему. Однак труднощі, які створила для традиційної естетики фотографія, були дитячою забавою, порівняно з тими, що приготувало їй кіно. Звідси сліпа насильність, характерна для теорії кіно, що зароджується. Так, Абель Ганс порівнює кіно з ієрогліфами: «І ось ми знову опинилися, внаслідок надзвичайно дивного повернення до того, що вже одного разу було, на рівні самовираження стародавніх єгиптян... Мова зображень ще не досягла своєї зрілості, бо наші очі ще не звикли до нього. Ще немає достатньої поваги, достатньої культової поваги до того, що він висловлює». Або слова Северин-Марса: «Якому з мистецтв була уготована мрія... яка могла б бути такою поетичною і реальною одночасної цієї точки зору кіно є ні з чим не порівнянним засобом вираження, перебувати в атмосфері якого гідні лише особи найблагороднішого способу мислення в найбільш таємничі моменти їхньої найвищої досконалості». А Олександр Арну прямо завершує свою фантазію про німе кіно питанням: «Чи не зводяться всі сміливі описи, якими ми скористалися, до дефініції молитви?» 5 Надзвичайно повчально спостерігати, як прагнення записати кіно в «мистецтво» змушує цих теоретиків із незрівнянною безцеремонністю приписувати йому культові елементи. І це при тому, що тоді, коли публікувалися ці міркування, вже існували такі фільми, як «Парижанка» та «Золота лихоманка». Це не заважає Абелю Гансу користуватися порівнянням з ієрогліфами, а Северін-Марс говорить про кіно так, як можна було б говорити про картини Фра Анжеліко. Характерно, що ще й сьогодні особливо реакційні автори ведуть пошуки значення кіно в тому ж напрямку, і якщо не прямо в сакральному, то принаймні надприродному. Верфель констатує з приводу екранізації «Сну літньої ночі» Рейнхардтом, що досі стерильне копіювання зовнішнього світу з вулицями, приміщеннями, вокзалами, ресторанами, автомобілями та пляжами якраз і було безперечною перешкодою на шляху кіно до царства мистецтва. «Кіно ще не вловило свого істинного сенсу, своїх можливостей... Вони полягають у його унікальній здатності виражати чарівне, чудове, надприродне природними засобами та з незрівнянною переконливістю».

Художня майстерність сценічного актора доносить до публіки сам актор власною персоною; водночас мистецька майстерність кіноактора доносить до публіки відповідну апаратуру. Наслідок цього двоякий. Апаратура, що представляє публіці гру кіноактора, має фіксувати цю гру у всій її повноті. Під керівництвом оператора вона постійно оцінює гру актора. Послідовність оціночних поглядів, створена монтажником з отриманого матеріалу, утворює готовий змонтований фільм. Він включає певну кількість рухів, які повинні бути упізнані як рухи камери-не кажучи вже про особливі її положення, як, наприклад, крупний план. Таким чином, дії кіноактора проходять через низку оптичних тестів. Це перший наслідок тієї обставини, що робота актора у кіно опосередковується апаратурою. Друге слідство обумовлено тим, що кіноактор, оскільки він не сам здійснює контакт з публікою, втрачає можливість театрального актора змінювати гру в залежності від реакції публіки. Публіка через це опиняється в положенні експерта, якому ніяк не заважає особистий контакт з актором. Публіка вживається в актора, лише вживаючись у кінокамеру. Тобто вона стає на позицію камери: вона оцінює, тестує. Не та позиція, на яку значущі культові цінності.

Технічна відтворюваність витвору мистецтва змінює ставлення мас мистецтва. З найбільш консервативного, наприклад стосовно Пікассо, воно перетворюється на найпрогресивніше, наприклад стосовно Чапліна. Для прогресивного відношення при цьому характерне тісне сплетення глядацького задоволення, співпереживання з позицією експертної оцінки. Таке сплетення є важливим соціальним симптомом. Чим сильніша втрата соціального значення будь-якого мистецтва, тим більше - як це ясно на прикладі живопису-розходяться в публіці критична та гедоністична установка. Звичне споживається без жодної критики, справді нове критикується з огидою. У кіно критична та гедоністична установка збігаються. При цьому вирішальною є така обставина: у кіно як ніде більше реакція окремої людини – сума цих реакцій становить масову реакцію публіки – виявляється з самого початку обумовленою безпосередньо майбутнім переростанням у масову реакцію. А прояв цієї реакції є одночасно її самоконтролем. І в цьому випадку порівняння з живописом виявляється корисним. Картина завжди несла в собі підкреслену вимогу розгляду одним або кількома глядачами. Одночасне споглядання картин масової публікою, що у дев'ятнадцятому столітті, - ранній симптом кризи живопису, викликаний не лише однією фотографією, а щодо незалежно від неї претензією твори мистецтва масове визнання.

Справа саме в тому, що живопис не в змозі запропонувати предмет одночасного колективного сприйняття, як це було з давніх-давен з архітектурою, як це колись було з епосом, а в наш час відбувається з кіно. І хоча ця обставина в принципі не дає особливих підстав для висновків щодо соціальної ролі живопису, проте зараз вона виявляється серйозною обтяжливою обставиною, тому що живопис через особливі обставини і в певному сенсі всупереч своїй природі змушена до прямої взаємодії з масами. У середньовічних церквах і монастирях і при дворі монархів до кінця вісімнадцятого століття колективне сприйняття живопису відбувалося не одночасно, а поступово воно було опосередковане ієрархічними структурами. Коли ситуація змінюється, виявляється особливий конфлікт, в який живопис виявляється залученим через технічну репродукованість картини. І хоча через галереї та салони була спроба представити її масам, проте при цьому був відсутній шлях, дотримуючись якого маси могли б організувати і контролювати себе для такого сприйняття. Отже, та сама публіка, яка прогресивним чином реагує на гротескний фільм, з необхідністю перетворюється на реакційну передку картинами сюрреалістів.

Характерні риси кіно полягають у тому, яким людина постає перед кінокамерою, а й у тому, яким уявляє він собі з її допомогою навколишній світ. Погляд на психологію акторської творчості відкрив тестуючі можливості кіноапаратури. Погляд психоаналіз показує її з іншого боку. Кіно справді збагатило наш світ свідомого сприйняття методами, які можна проілюструвати методами теорії Фрейда. Півстоліття тому застереження в розмові залишалося швидше за все непоміченим. Можливість відкрити з її допомогою глибинну перспективу в бесіді, яка здавалась до того одноплановою, була скоріше винятком. Після появи «Психопатології повсякденного життя» становище змінилося. Ця робота виділила та зробила предметом аналізу речі, які до того залишалися непоміченими у загальному потоці вражень. Кіно викликало у всьому спектрі оптичного сприйняття, а тепер і акустичного, подібне поглиблення апперцепції. Не більше як зворотною стороною цієї обставини виявляється той факт, що створюване кіно зображення піддається більш точному і набагато багатоаспектнішому аналізу, ніж зображення на картині та уявлення на сцені. У порівнянні з живописом це незрівнянно точніша характеристика ситуації, завдяки чому кінозображення піддається більш детальному аналізу. Порівняно зі сценічним уявленням поглиблення аналізу обумовлено більшою можливістю відокремлення окремих елементів. Ця обставина сприяє - і в цьому його головне значення - взаємне проникнення мистецтва і науки. І справді, важко сказати про дію, яка може бути точно - подібно до м'яза на тілі - вичленована з певної ситуації, ніж вона більше заворожує: артистичним блиском або можливістю наукової інтерпретації. Одна з найбільш революційних функцій кіно полягатиме в тому, що воно дозволить побачити тотожність художнього та наукового використання фотографії, які до того здебільшого існували окремо.

З одного боку кіно своїми великими планами, акцентуванням прихованих деталей звичних нам реквізитів, дослідженням банальних ситуацій під геніальним керівництвом об'єктива примножує розуміння неминучості, що керує нашим буттям, з іншого боку воно приходить до того, що забезпечує нам величезне та несподіване вільне поле діяльності! Наші пивні та міські вулиці, наші контори та мебльовані кімнати, наші вокзали та фабрики, здавалося, безнадійно замкнули нас у своєму просторі. Але тут прийшло кіно і підірвало цей каземат динамітом десятих часток секунд, і ось ми спокійно вирушаємо в захоплюючу подорож купами його уламків. Під впливом крупного плану розсувається простір, прискорений зйомки-час. І подібно до того, як фотозбільшення не просто робить більш ясним те, що «і так» можна розглянути, а, навпаки, розкриває абсолютно нові структури організації матерії, так само і прискорена зйомка показує не тільки відомі мотиви руху, а й відкриває у цих знайомих рухах зовсім незнайомі, «що справляють враження не уповільнення швидких рухів, а рухів, що своєрідно ковзають, ширяють, неземних». У результаті стає очевидним, що природа, що відкривається камері-інша, ніж та, що відкривається оку. Інша насамперед тому, що місце простору, опрацьованого людською свідомістю, займає несвідомо освоєний простір. І якщо цілком звичайно, що в нашій свідомості, нехай у найбрутальніших рисах, є уявлення про людську ходу, то свідомості безперечно нічого не відомо про позу, яку займають люди в якусь частку секунди його кроку. Нехай нам загалом знайомий рух, яким ми беремо запальничку або ложку, але ми навряд чи щось знаємо про те, що, власне, відбувається при цьому між рукою та металом, не кажучи вже про те, що дія може змінюватись в залежності від нашого стану. Сюди-то і вторгається камера зі своїми допоміжними засобами, спусками та підйомами, здатністю переривати та ізолювати, розтягувати та стискати дію, збільшувати та зменшувати зображення. Вона відкрила нам область візуально-несвідомого, подібно до того як психоаналіз - область інстинктивно-несвідомого.

З найдавніших часів однією з найважливіших завдань мистецтва було породження потреби, для задоволення якої час ще настав. В історії кожної форми мистецтва є критичні моменти, коли вона прагне ефектів, які без особливих труднощів можуть бути досягнуті лише за зміни технічного стандарту, тобто в новій формі мистецтва. Виникаючі подібним чином, особливо в так звані періоди декадансу, екстравагантні та незручні прояви мистецтва насправді беруть свій початок з його найбагатшого історичного енергетичного центру. Останнім скопищем подібних варваризмів був дадаїзм. Лише зараз стає зрозумілим його рушійний початок: дадаїзм намагався досягти за допомогою живопису (або літератури) ефектів, які сьогодні публіка шукає в кіно.

Кожна принципово нова, піонерська дія, що породжує потребу, заходить надто далеко. Дадаїзм робить це в тій мірі, що жертвує ринковими цінностями, які властиві кіно в такій високій мірі, заради більш значних цілей, які він, зрозуміло, не усвідомлює так, як це описано тут. Можливості меркантильного використання своїх творів дадаїсти надавали набагато меншого значення, ніж виключення можливості використовувати їх як предмет благоговійного споглядання. Не в останню чергу вони намагалися досягти цього виключення за рахунок принципового позбавлення матеріалу мистецтва височини. Їхні вірші-це «словесний салат», що містить непристойні вирази і всяке словесне сміття, яке тільки можна уявити. Не краще і їхні картини, в які вони вставляли гудзики та проїзні квитки. Чого вони досягали цими засобами, так це жорстоке знищення аури творіння, випалюючи за допомогою творчих методів на творах тавро репродукції. Картина Арпа чи вірш Аугуста Штрамма не дають, подібно до картини Дерена чи вірша Рільке, часу на те, щоб зібратися і прийти до якоїсь думки. На противагу споглядальності, що стала при виродженні буржуазії школою асоціальної поведінки, виникає розвага як різновид соціальної поведінки. Прояви дадаїзму в мистецтві і справді були сильною розвагою, оскільки перетворювали витвір мистецтва на центр скандалу. Воно мало відповідати передусім одній вимогі: викликати громадське роздратування.

З принадної оптичної ілюзії або переконливого звукового образу витвір мистецтва перетворився у дадаїстів на снаряд. Воно вражає глядача. Воно набуло тактильних властивостей. Тим самим воно сприяло виникненню потреби в кіно, розважальна стихія якого насамперед також носить тактильний характер, а саме ґрунтується на зміні місця дії та точки зйомки, які ривками обрушуються на глядача. Можна порівняти полотно екрана, де демонструється фільм, з полотном живописного зображення. Мальовниче полотно запрошує глядача до споглядання; перед ним глядач може вдатися до асоціацій, що змінюють один одного.

Перед кінокадром це неможливо. Щойно він охопив його поглядом, як той уже змінився. Він не піддається фіксації. Дюамель, який ненавидить кіно і нічого не зрозумів у його значенні, але дещо в його структурі, характеризує цю обставину так: «Я більше не можу думати про те, що хочу. Місце моїх думок зайняли образи, що рухаються». Справді, ланцюг асоціацій глядача цих образів відразу переривається їх зміною. На цьому ґрунтується шокова дія кіно, яка, як і всяка шокова дія, вимагає для подолання ще більш високого ступеня присутності духу. У силу своєї технічної структури кіно вивільнило фізичний шоковий вплив, який дадаїзм ще ніби пакував у моральний з цієї обгортки.

Маси - це матриця, з якої зараз будь-яке звичне ставлення до творів мистецтва виходить переродженим. Кількість перейшла якість: дуже значне збільшення маси учасників призвело до зміни способу участі. Не слід бентежитися тим, що спочатку ця участь постає у дещо дискредитованому образі. Однак було чимало тих, хто пристрасно дотримувався саме цієї зовнішньої сторони предмета. Найбільш радикальним у тому числі був Дюамель. У чому він насамперед дорікає кіно, то це у формі участі, яке воно пробуджує в масах. Він називає кіно «часом для ілотів, розвагою для неосвічених, жалюгідних, виснажених працею створінь, що з'їдають турботами... видовищем, що не вимагає ніякої концентрації, не передбачає ніяких розумових здібностей... не запалює в серцях ніякого світла і не пробуджує ніяких крім смішної надії якось стати «зіркою» у Лос Анджелесі». Як видно, це, по суті, стара скарга, що маси шукають розваги, тоді як мистецтво вимагає від глядача концентрації. Це місце. Проте слід перевірити, чи можна на нього спиратися у вивченні кіно. - Тут потрібний більш пильний погляд. Розвага та концентрація становлять протилежність, що дозволяє сформулювати таке становище: той, хто концентрується на творі мистецтва, занурюється у нього; він входить у цей твір, подібно до художника-героя китайської легенди, що споглядає свій закінчений твір. У свою чергу маси, що розважаються, навпаки, занурюють витвір мистецтва в себе. Найбільш очевидна щодо цього архітектура. Вона з давніх-давен представляла прототип твори мистецтва, сприйняття якого не вимагає концентрації і відбувається в колективних формах. Закони її сприйняття найбільш повчальні.

Архітектура супроводжує людство з найдавніших часів. Багато форм мистецтва виникли і пішли у небуття. Трагедія виникає у греків і зникає разом з ними, відроджуючись сторіччя лише у своїх «правилах». Епос, витоки якого перебувають у юності народів, згасає у Європі з кінцем Ренесансу. Станковий живопис був породженням Середньовіччя, і ніщо гарантує їй постійного існування. Проте потреба людини у приміщенні невпинна. Зодчество ніколи не переривалося. Його історія триваліша за будь-яке інше мистецтво, і усвідомлення його впливу значуще для кожної спроби зрозуміти ставлення мас до твору мистецтва. Архітектура сприймається подвійним чином: через використання та сприйняття. Або, точніше кажучи: тактильно та оптично. Для такого сприйняття не існує поняття, якщо уявляти його за зразком концентрованого, зібраного сприйняття, яке характерне, наприклад, для туристів, що розглядають знамениті споруди. Справа в тому, що в тактильній ділянці відсутня еквівалент того, чим в області оптичної є споглядання. Тактильне сприйняття проходить не так через увагу, як через звичку. По відношенню до архітектури вона значною мірою визначає навіть оптичне сприйняття. Адже і воно у своїй основі здійснюється набагато більше схоже, а не як напружене вглядання. Однак це вироблене архітектурою сприйняття в певних умовах набуває канонічного значення. Бо завдання, які ставлять перед людським сприйняттям переломні історичні епохи, взагалі не можуть бути вирішені на шляху чистої оптики, тобто споглядання. З ними можна впоратися поступово, спираючись на тактильне сприйняття через звикання.

Звикнути може й незбираний. Більше того: здатність вирішення деяких завдань у розслабленому стані якраз і доводить, що їхнє рішення стало звичкою. Розважальне, розслаблююче мистецтво непомітно перевіряє, яка здатність розв'язання нових завдань сприйняття. Оскільки поодинока людина взагалі відчуває спокусу уникати подібних завдань, мистецтво вихоплюватиме найскладніші і найважливіші з них там, де вона може мобілізувати маси. Сьогодні воно робить це у кіно. Прямим інструментом тренування розсіяного сприйняття, що стає дедалі помітнішим у всіх галузях мистецтва і є симптомом глибокого перетворення сприйняття, є кіно. Своїм шоковим впливом кіно відповідає цій формі сприйняття. Кіно витісняє культове значення не тільки тим, що поміщає публіку в оцінювальну позицію, але тим, що ця позиція, що оцінює, в кіно не вимагає уваги. Публіка виявляється екзаменатором, але неуважним.

Запитання до тесту:

У чому В. Беньямін вбачає значення нових засобів технічної репродукції витворів мистецтва?

Чим репродукція витвору мистецтва принципово відрізняється від самого витвору мистецтва?

Як можна витлумачити слова В. Беньяміна: «Все, що пов'язано з справжністю, недоступне технічній – і, зрозуміло, не лише технічній – репродукції»?

Чим відрізняється технічна репродукція від ручної репродукції?

Який сенс вкладає В. Беньямін у поняття «справжності» («справжність речі»)?

Як можна витлумачити твердження: «У епоху технічної відтворюваності витвір мистецтва позбавляється своєї аури»?

Як пов'язані у В. Беньяміна поняття «аура» та «традиція»?

З якими обставинами пов'язує В. Беньямін «розпад аури»?

Що розуміє В. Беньямін під «контекстом» витвору мистецтва?

На чому ґрунтується унікальна цінність справжнього витвору мистецтва?

Як можна витлумачити слова: «Репродукований витвір мистецтва дедалі більше стає репродукцією твору, розрахованого на репродукованість»?

Які два значення витвору мистецтва виділяє В. Беньямін?

Як вплинула експозиційні можливості мистецтва поява різних методів технічної репродукції?

Чому суперечка про те, чи є фотографія і кіно мистецтвами, У Беньямін називає «плутаним» і «що відводить від суті справи»?

На яких прикладах В. Беньямін ілюструє тезу: «Технічна відтворюваність витвору мистецтва змінює ставлення мас до мистецтва»?

Як можна витлумачити слова: «Природа, що відкривається камері-інша, ніж та, що відкривається оку»?

У чому бачить В. Беньямін унікальність архітектури як виду мистецтва?