Ганна Силівончик народилася 1980 року в місті Гомелі. З 1992 по 1999 р.р. навчалася у Республіканському ліцеї мистецтв (Мінськ, Білорусь). 1999-2007 рр. - навчання у Білоруській Державній Академії Мистецтв, відділення станкового живопису у Мінську. З 1999 – участь в обласних та республіканських виставках. Диплом 4-ої Ташкентської Міжнародної бієнале сучасного мистецтва (2007).
Нині живе та працює у Мінську.
Серед молодих білоруських живописців її по праву вважають яскравою індивідуальністю за надзвичайно самобутній авторський стиль, створений особливий світ образів. Джерело естетичних орієнтованих слід шукати у фантастичному реалізмі М.Шагала, наївному мистецтві примітивістів початку ХХ століття, і, звичайно, в народному декоративно-ужитковому мистецтві та фольклорі.
Анна працює у традиційній техніці олійного живопису, але постійно експериментує з різними образотворчими засобами, використовуючи фактуру та малюнок полотна, яке підбирає спеціально для кожного твору. Дуже тонке почуття кольору та продуманість лінії, досконала робота над деталями допомагають дуже точно висловити певний настрій.
Треба віддати належне: роботи художниці пронизані доброю часткою тонкого гумору і дають глядачам сильний емоційний заряд, вражаючи своєю метафоричністю, народжуючи безліч несподіваних асоціацій.
Роботи знаходяться в Музеї сучасного мистецтва Мінська, Білорусь, та у приватних колекціях у Росії та за кордоном.
artnow.ru
Часто наївне мистецтво ототожнюють із примітивізмом. Але, хоча два ці напрями в мистецтві дуже близькі, це не одне й те саме.
Наївне мистецтво поєднує самодіяльну творчість, мистецтво художників-самоучок. Що ж до примітивізму, це стиль живопису, що у XIX в., який є обдумане спрощення картини, робить її форми примітивними. Це вже живопис фахівців.
До наївного мистецтва ближче мистецтво Ар брют. Наївне мистецтво представлене у всіх видах: живопису, графіці, декоративному мистецтві, скульптурі, архітектурі. До наївного мистецтва тяжів і російський авангард.
Ніко Піросмані (1852-1918)
Найвідомішим, мабуть, представником наївного мистецтва є Ніко Піросмані (Микола Асланович Піросманішвілі). Це про нього пісня «Мільйон червоних троянд». Він народився в Грузії у селянській родині. Не здобув не лише художньої, а й взагалі ніякої освіти. Вмів тільки читати по-грузинському та російському. Живописи навчався у мандрівних художників, які розписували вивіски крамниць та духанів. Власну творчість створював на тому єдиному, що знаходилося завжди під рукою – на простій клейонці, знятій зі столика.
Н. Піросмані «Порт Батумі»
Влітку 1912 р. творчістю Піросмані зацікавилися кубофутуристи, які і почали його пропагувати: Ілля та Кирило Зданевичі, Михайло Ле-Дантю та ін. статтю про творчість Піросманішвілі під назвою «Художник-самородок». 24 березня 1913 р. у Москві на виставці «Мішень» поряд із творами відомих художників (Ларіонова та Гончарової) було виставлено і кілька картин Піросмані, привезені з Тбілісі Іллею Зданевичем. Творчістю Піросмані зацікавилися молоді грузинські художники, а Давид Шеварднадзе почав збирати колекцію його творів. Але це не дало Піросмані житейського благополуччя – 1918 р. він помер від голоду та хвороб.
Н. Піросмані "Косуля на тлі пейзажу" (1915). Державний музей мистецтв Грузії, Тбілісі
Особливе місце у творчості художника займають образи тварин. Один із грузинських художників зауважив, що у тварин на картинах очі самого художника.
Наївне мистецтво як явище художньої культури перебуває поза межами професійного мистецтва. Його розуміння та оцінка почали складатися лише на початку XX ст., але наївне мистецтво справило і впливає на творчість професійних художників Росії та Західної Європи. У період радянської влади самодіяльність використовувалася з метою ідеологічної роботи. Але наївне мистецтво залишилося вірним етичним цінностям: вірі у майбутнє, поважному ставленню до минулого. Головна його відмінність від офіційного та кон'юнктурного мистецтва – воно безкорислива.
Сергій Заграєвський "Натюрморт". Цього автора належать і до примітивізму.
У багатьох країнах є музеї наївного мистецтва: у Німеччині це музей Шарлотти Цандер. У музеї Царицино колекцію наївного мистецтва збирав поміщиків. У Суздальському державному музеї-заповіднику є велика колекція наївного мистецтва. У Москві діє Музей Наївного мистецтва у Новогирєєві. У приватних колекціях також багато картин самодіяльних художників. У Ніцці (Франція) працює Музей наївного мистецтва А. Жаковського.
Твори наївного мистецтва дуже приваблюють. На них хочеться дивитись і дивитись, дивуватися та посміхатися, сумувати та захоплюватися. Іноді здається, що не таке вже наївне, це мистецтво, якщо викликає стільки почуттів. Воно ніби з іншого світу. Але це особисте ставлення та особисті емоції. А як оцінюють наївну творчість фахівці?
Кілька книг про сучасне наївне мистецтво видала Богемська.До її книги «Наївне мистецтво» ми звернемося, говорячи про творчість Павла Леонова.
Павло Петрович Леонов (1920-2011)
Павло Леонов (2001)
«Свої композиції Леонов називав конструкціями. Ці конструкції обростають плоттю кольору. Фігури людей найчастіше чорні - ніби всі вони, як зеки у таборі, одягнені у чорні бушлати. Але іноді вони одягаються у біле. Дрібні чорні пташки, що галочками виднілися в блідому небі ранніх картин, стають м'ясистими чорними граками в синяві пізніших, а потім сюди прилітають і білі птахи.
Урочистість мрії над життям, задуму над втіленням, така властива Леонову, є характерною рисою національного російського характеру» (К. Богемська).
П. Леонов «Привіт, Пушкін!»
Ці конструкції у Леонова багатоярусні, що розповсюджуються по всій площі полотна. А полотна - величезних розмірів, що дозволяє автору жити всередині своєї картини, жити в тому світі, який він зображує. Його картини зображують минуле, але в той же час, прикрашаючи минуле, вони ніби розповідають про найкраще майбутнє. «У картинах Леонова укладено таку життєву силу, що вони підкорюють кожне серце, відкрите художнім враженням і не зіпсоване стандартами споживання музейних зразків».
П. Леонов «А мені літати...»
«Створена поза межами професійної школи та стилю маргінальна творчість народжується з потреб, що далеко віддаляються від прагнення до художньої слави. Його творці дивні люди – диваки, ізгої. Вони проектують у свої твори образи та бачення, що з'явилися із спогадів, снів та мрій. Вони розмовляють із собою мовою зображень. Вони малюють як чаклують, створюють довкола себе власний світ, коконом, що вкриває їх від реальності» (К. Богемська).
П. Леонов «У краю, де пальми та лимон»
«...Минуть роки, і всім буде очевидно: Леонов – великий російський художник. Вже не згадуватимуть визначення «наївний». Так самим знаменитим художником Швейцарії став Адольф Вельфлі. Так великим художником Грузії вважається Ніко Піросманішвілі.
Леонов створив свій образ Росії, якого ще був. Він створив стиль, який належав йому самому, та свій одухотворений колір.
Спадщина Леонова, що складається з півтори тисячі великих полотен, як і спадщина інших великих художників, величезний власний світ, у гранях якого відбиваються і переломлюються різні грані навколишнього світу.
Значення Леонова оцінить майбутнє, якому будуть потрібні основи для будівництва національної культури» (К. Богемська).
З біографії
П. Леонов "Автопортрет" (1999)
Павло Петрович Леонов народився Орловської губернії. Життя його було важким, працював на заводах, рубав ліс, ремонтував судна, будував дороги, був столяром, штукатуром, пічником, бляхарем, маляром, художником-оформлювачем. Жив у Орлі, в Україні, в Азербайджані, Грузії, Узбекистані. Був кілька разів заарештований у 1940-1950 роках.
Живописом став займатися 1950-ті роки на Камчатці. У 1960-ті роки. навчався у Рогінського. Рогінський називав його "Дон Кіхотом радянського часу". Найбільш плідний період його творчості розпочався 1990-і роки, тоді його роботи активно скуповувалися московськими колекціонерами, хоча жив він постійно у злиднях, у важких побутових умовах.
Після смерті дружини не працював і жив у сина у с. Савино Іванівської області. Там і похований.
Олена Андріївна Волкова (1915-2013)
У її роботах є щось дитяче, тепле та зворушливе. Вони не схожі на знамениті твори класики. Але знайомство з ними вносить у душу щастя.
Є. Волкова «Порося сховалося» (1975-1980)
Серед винограду, огірків, яблук, груш і грибів, у самому центрі ошатного натюрморту лягло порося. «Не подумайте, що це заливне порося, - щоразу говорила Олена Андріївна, показуючи цю роботу. - Просто він втік від мами та сховався серед фруктів».
Олена Андріївна Волкова відтворює у своїх картинах радісне світосприйняття свого дитинства.
Є. Волкова «Кінь у срібному бору»
«Все, що я пишу зараз на своїх полотнах, це все у мене народжувалося з самого дитинства. Це все була моя мрія, я все спостерігала, змальовувала з дитинства і до сьогодні. Я не пройду ніколи повз якусь красу, все навколо мені подобається. Все по-своєму дуже гарне» (з книги К. Богемської «Наївне мистецтво»).
З дитинства, будучи музичною, вона неправильний колір сприймає як невірний голос, що зіпсував увесь хор. Її картини несуть тепло і радість, духовну чистоту та саме життя у всій її багатогранності.
Є. Волкова «Світ усім!» (1984)
Її реальність сповнена любов'ю. Її світ – це абсолютне світло та спокій.
Є. Волкова «Весна»
З біографії
Народилася в Чугуєві, неподалік будинку, де народився Ілля Рєпін, у простій родині. Працювала помічником кіномеханіка на пересувній кіноустановці. Її чоловік помер під час війни. Є. Волкова почала писати картини у 1960-ті роки віці 45 років, не маючи художньої освіти. Один із засновників українського авангарду, Василь Єрмілов, придбав низку її картин. Сергій Тарабаров із московської галереї наївного мистецтва «Дар» у 2000 р. вважає Волкову однією з найцікавіших художниць, які працюють у стилі наївного мистецтва в Росії.
Олена Волкова стала першою художницею жанру наївного мистецтва, кому влаштували персональну виставку у Третьяковській галереї.
Останні роки жила у Москві. Померла на 99 році життя.
Таїсія Швецова (нар. 1937)
Художниця із Вологодської області. Спеціальної художньої освіти не має. Живописом займається з 1996 р. Її картини – це свято щедрості та доброти.
Т. Швецова «Кінька» (2008)
Т. Швецова «Чотири Різдва» (2007)
Голландська художниця Іна Фреке (нар. 1941)
Іна Фреке народилася у місті Хронінген (Голландія). Спокійним краєвидам рідної країни вона віддає перевагу яскравим фарбам літа. Художниця взялася за китицю, щоб компенсувати життєву втрату (смерть чоловіка). Потрясіння, яке вона пережила, переносилося нею простіше, коли вона ліпила скульптури та писала картини. У наївне мистецтво багато хто приходить після глибоких переживань чи стресів.
Улюблені теми малюнків Іни – екзотичний світ Африки, фантастика космічних подорожей та романтика молодості. Розділення яскравих кольорових плям музичними лініями – стиль Фреке.
Іна Фреке «Легковажність»
І. Фреке «Планета утопія»
Шкода, що для широких кіл любителів мистецтва та професіоналів наївне мистецтво поки що залишається лише маргінальним, незрозумілим та кумедним явищем культури. Це цілий світ, у який треба просто увійти, аби його зрозуміти. Причому увійти без упередження, з чистим серцем – саме чистим серцем створювалися ці роботи.
Наївна картина «Шапка та троянди»
«Народилося в мені полювання до малювання олійними фарбами. Ніколи я ще не малював оними: а тоді заманулося вчинити тому досвід і змалював із себе портрет на полотні», - писав восени 1763 року у своєму щоденнику тульський дворянин Андрій Болотов. Пройшло більше двох з половиною століть, а «полювання до фарбування» продовжує долати і наших сучасників. Людей, які ніколи не брали в руки олівець і пензель, раптом охоплює непереборну пристрасть до витончених мистецтв.
Поява нового напряму
Наївне мистецтво XX – початку XXI століття помітно відрізняється від примітиву попередніх століть. Причини цього, як не дивно, у розвитку «вченого» мистецтва. Наприкінці ХІХ століття провідні європейські майстри гостро усвідомили «втому» сучасної їм культури. Вони прагнули почерпнути життєві сили з дикунського, первісного світу, що існував у минулому або ще зберігся у віддалених куточках планети. Одним із перших цим шляхом пішов Поль Гоген. Відмовившись від благ похилого віку європейської цивілізації, художник намагався поставити знак рівності між «примітивним» життям і «примітивною» творчістю, хотів відчути себе людиною, в жилах якої тече кров дикуна. «Тут, біля моєї хатини, в повній безмовності, я гріжу про буйні гармонії серед п'яних запахів природи», - писав Гоген про своє перебування на Таїті.
Через захоплення примітивом пройшли багато майстрів початку минулого століття: Анрі Матіс збирав африканську скульптуру, Пабло Пікассо придбав і повісив на видному місці у своїй майстерні портрет Анрі Руссо, Михайло Ларіонов на виставці «Мішень» показав публіці ремісничі вивіски, твори Ніко Піросманашили.
З 1910-х років художники-примітиви отримали можливість експонувати свої твори поряд із роботами професійних майстрів. У результаті примітивом відбулася разюча зміна: він усвідомив власну художню цінність, перестав бути явищем периферійної культури. Простодушність примітиву дедалі більше стає уявною. Руссо незадовго до смерті зізнавався: «Я зберіг мою наївність… Тепер я вже не зміг би змінити свою манеру листа, набуту наполегливою працею».
У цей момент і виникає наївне мистецтво як особливе мистецьке явище, відмінне від примітиву. Нерідко творчість наївних художників визначають як непрофесійне мистецтво, висуваючи на перший план відсутність мистецької виучки академічного зразка. Але цього явно недостатньо, щоб зрозуміти його відмінність від дилетантизму та ремісництва. «Наївне» переносить акцент із результату на внутрішні причини. Це не лише «невчене», а й «простодушне», «нехитре» - безпосереднє, нерозчленоване відчуття дійсності, яке не знає рефлексій.
Відмінні особливості
Самоучка у пошуках самовираження несвідомо звертається до форм дитячої творчості - до контурності, сплощеного простору, декоративності як до першоелементів створюваного ним нового світу. Дорослий не може малювати як дитина, але може по-дитячому безпосередньо сприймати навколишнє. Відмінна риса наївного мистецтва полягає над творах художника, а його свідомості. Картина та зображений на ній світ відчуваються автором як реальність, у якій він сам існує. Але не менш реальні для художника та його бачення: «Те, що я хочу написати – завжди зі мною. Все це я одразу бачу на полотні. Предмети відразу просять на полотно, вже готові і в кольорі, і у формі. Коли працюю, всі предмети обробляю до того часу, поки під пензликом не відчую, що вони живі і ворушаться: і тварини, і постаті, вода, рослини, плоди і вся природа» (Е. А. Волкова).
Прообрази предметів, що зображаються, існують в уяві автора у вигляді матеріалізованих, але неживих фантомів. І лише в процесі завершення картини відбувається їхнє одухотворення. Це створене на полотні життя є народження нового міфу.
// Пічугін2
Наївний художник зображує не так те, що бачить, скільки те, що знає. Прагнення передати свої ідеї про речі, людей, світ, відобразити найважливіші моменти в потоці життя мимоволі веде майстра до схематизації та ясності - стану, коли чим простіше стають речі, тим вони значніші.
Озеро з качками, робота на полі та на городі, прання білизни, політична демонстрація, весільне гуляння. На перший погляд світ звичайний, простий, навіть трохи нудний. Але вдивимося уважніше у ці нехитрі сценки. У них розповідь не стільки про побут, скільки про буття: про життя і смерть, добро і зло, любов і ненависть, працю і свято. Зображення конкретного епізоду сприймається тут не як фіксація моменту, а як повчальна історія на всі часи. Художник незручно виписує деталі, не може відокремити головне від другорядного, але за цією невмілістю постає система світобачення, яка геть-чисто відкидає випадкове, миттєве. Недосвідченість обертається прозрінням: бажаючи розповісти про приватне, наївний художник розповідає про незмінне, вічно суще, непорушне.
Наївне мистецтво парадоксальним чином поєднує несподіванку художніх рішень та тяжіння до обмеженого кола тем і сюжетів, цитування одного разу знайдених прийомів. В основі цього мистецтва лежать елементи, що повторюються, відповідні загальнолюдським уявленням, типові формули, архетипи: простір, початок і кінець, батьківщина (втрачений рай), достаток, свято, герой, любов, празвір.
Міфологічна основа
У міфологічному мисленні сутність та походження явища тотожні один одному. У своїй подорожі в глиб міфу наївний художник приходить до архетипу початку. Він відчуває свою близькість з першою людиною, яка заново відкриває для себе світ. Речі, тварини та люди постають на його полотнах у новому, невпізнанному вигляді. Подібно до Адама, що дає імена всьому сущому, наївний художник наділяє повсякденне новим змістом. Йому близька та зрозуміла тема райського блаженства. Ідилія розуміється художником як початковий стан, дане людині від народження. Наївне мистецтво ніби повертає нас до дитинства людства, до блаженного незнання.
Але не менш поширена й тема гріхопадіння. Популярність сюжету «вигнання з раю» свідчить про існування певного спорідненого зв'язку між міфом про перших людей і долею наївного художника, його світовідчуттям, його духовною історією. Ізгої, люмпени раю - Адам і Єва - гостро відчувають втрату блаженства та свій розлад із дійсністю. Вони близькі до наївного художника. Адже йому відомі і дитяча безтурботність, і ейфорія творення, і гіркоту вигнання. Наївне мистецтво гостро виявляє суперечність між прагненням художника пізнати і пояснити світ і бажанням привнести до нього гармонію, воскресити втрачену цілісність.
Відчуття «втраченого раю», часто дуже сильне в наївному мистецтві, загострює відчуття особистої незахищеності художника. В результаті на полотнах часто з'являється постать героя-захисника. У традиційному міфі образ героя втілює перемогу гармонійного початку над хаосом.
У творах наївних художників образ переможця, добре знайомий за лубочними картинками, - Ілля Муромець і Аніка-воїн, Суворов і підкорювач Кавказу генерал Єрмолов - набуває рис героя громадянської війни Чапаєва і маршала Жукова. Всі вони є інтерпретацією образу змієборця, що зберігається в глибинах генетичної пам'яті, і сягають іконографії святого Георгія, що вражає дракона.
Протилежністю воїну-захиснику є культурний герой-деміург. Причому в цьому випадку акцент переноситься із зовнішнього впливу на внутрішню напругу волі та духу. Роль деміурга може грати міфологічний персонаж, наприклад Вакх, який навчив людей виноробству, чи відома історична особистість - Іван Грозний, Петро І чи Ленін, які уособлюють ідею самодержця, засновника держави чи, звертаючись до міфологічного підтексту, прабатька.
Але особливо популярний у наївному мистецтві образ поета. Найчастіше використовується один і той же композиційний прийом: зображується постать, що сидить з листком паперу і пером або книгою віршів в руках. Ця універсальна схема служить формулою поетичного натхнення, а сюртук, крилатка, гусарський ментик або косоворотка виступають як «історичні» деталі, що підтверджують глибоку достовірність того, що відбувається. Поета оточують персонажі його віршів, простір створеного ним світу. Цей образ особливо близький до наївного художника, тому що він завжди бачить себе в картинному всесвіті поряд зі своїми героями, знову і знову переживаючи натхнення творця.
Великий вплив на творчість багатьох наївних художників справила радянська ідеологія. Побудована за міфологічними моделями, вона сформувала образи «початку нової ери» та «вождів народів», підмінила живе народне свято радянськими ритуалами: офіційними демонстраціями, урочистими зустрічами та церемоніями, нагородженнями передовиків виробництва тощо.
Але під пензлем наївного художника зображувані сцени перетворюються на щось більше, ніж ілюстрації до «радянського способу життя». З безлічі картин вишиковується портрет «колективної» людини, в якій особисте змащене, відтіснене на задній план. Масштаб фігур і скутість поз підкреслюють дистанцію між вождями та натовпом. У результаті крізь зовнішню канву чітко проступає відчуття несвободи та штучності того, що відбувається. Стикаючись із щирістю наївного мистецтва, ідеологічні фантоми без волі авторів перетворюються на персонажів театру абсурду.
// Пічугін
Суть наївності
У наївному мистецтві завжди є фаза копіювання зразка. Копіювання може бути етапом у процесі становлення індивідуальної манери художника чи усвідомленим самостійним прийомом. Наприклад, це часто відбувається при створенні портрета з фотографії. Наївний художник не має боязкості перед «високим» еталоном. Розглядаючи твір, він захоплений переживанням, і це перетворює копію.
Не мало не бентежачись складністю поставленого завдання, Олексій Пічугін виконує «Останній день Помпеї» та «Ранок стрілецької кари» у розмальованому дерев'яному рельєфі. Досить точно дотримуючись загальних контурів композиції, Пічугін фантазує в деталях. В «Останньому дні Помпеї» гостроверхий римський шолом на голові воїна, що несе старого, перетворюється на круглий капелюх з полями. В «Ранку стрілецької страти» дошка для указів біля лобового місця починає нагадувати шкільну - з білим текстом на чорному тлі (у Сурікова вона кольору нефарбованого дерева, а тексту взагалі немає). Але головне, рішуче змінюється загальний колорит робіт. Це вже не похмуре осіннє ранок на Червоній площі і не південна ніч, осяяна сполохами поточної лави. Кольори стають настільки яскравими і ошатними, що суперечать драматизмом сюжетів, змінюють внутрішній зміст творів. Народні трагедії у перекладі Олексія Пічугіна нагадують скоріше ярмаркові гуляння.
«Комплекс творчої неповноцінності» майстра, який становив одну з привабливих сторін «старого» примітиву, у наші дні недовговічний. Художникам швидко відкривають очі на те, що їх не дуже вмілі творіння мають свою чарівність. Мимовільні винуватці цього – мистецтвознавці, колекціонери, засоби масової інформації. У цьому сенсі, хоч як парадоксально, руйнівну роль грають виставки наївного мистецтва. Дещо вдається, як Руссо, «зберегти свою наївність». Іноді вчорашні наїви - свідомо чи несвідомо - вступають на шлях культивування власного методу, починають стилізувати під себе, але частіше, затягнуті невблаганною стихією художнього ринку, падають у широкі, як ворота, обійми масової культури.
Я сиджу у кафе. До мене за столик підсідає жінка у віці - видно, що статку зовсім невеликого. Дістає листи А3, вугілля. "Хочете я вас намалюю?". Я не погоджуюсь, але й не відмовляюся – цікаво. Бормочучи собі щось під ніс, жінка буквально за 5 хвилин зображує мій портрет і пропонує мені забрати його – ясна річ, не безкоштовно. Через пару хвилин я вже йду до метро, тримаючи в руках аркуш із дуже примітивним моїм зображенням. Я заплатила за нього п'ятдесят карбованців.
Ця жінка змусила мене згадати про наївне мистецтво. Енциклопедія мистецтва дає таке визначення цього жанру: «Традиційне мистецтво народних майстрів, а також художників-самоучок, що зберігає дитячу свіжість і безпосередність бачення світу». Можливо, вам зустрічалися ці картини – прості, щирі, здається, що їх намалювала дитина, але насправді авторство належить дорослій людині. Найчастіше це люди навіть похилого віку. Вони мають свою професію – робоча, зазвичай. Вони мешкають у селах, і щодня ходять на роботу. Наївне мистецтво – напрямок досить старий. Ще в XVII столітті непрофесійні художники створювали свої «жорстоко правдиві» портрети, а в XX столітті наїв виділився в окремий напрямок, вільний від академічних правил і норм.
Батьком наїву вважається іконопис. Побачивши такі ікони, ви напевно легко відрізніть їх від традиційних. Вони непропорційні, примітивні, начебто навіть неакуратні. Всі ці характеристики можна застосувати до будь-якої картини наївного мистецтва, як до ікон.
Один із найяскравіших представників наїву - . Він вважається основоположником наївного мистецтва. Руссо написав свою першу роботу у 42 роки – він працював митником, і писати почав лише коли вийшов у відставку. Ці художники не мають часу, щоб професійно займатися творчістю, та вони й не хочуть. Просто інколи у вільний час малюють те, що бачать. «Збір яблук», «Молотьба», «Бурхлива річка», «Белять полотно» – ось назви картин наївних художників.
Роботи Руссо часто піддавалися глузуванням і жорсткій критиці, особливо спочатку. А широку популярність митець набув після того, як до однієї з його картин підвели Каміля Піссаро – хотіли розважити, а метр став захоплюватися стилем художника та хвалити картину. Це був «Карнавальний вечір», 1886 року.
Деталі пейзажу дуже ретельно виписані, та й побудова планів забавляло глядачів, але саме це і захопило Піссаро.
Інший, не менш відомий наївний художник – грузин Ніко Піросмані. На початку ХХ століття, коли Піросмані почав активно займатися мистецтвом, він малював саморобними фарбами на клейонках – білого чи чорного кольору. Там, де треба було зобразити ці кольори, художник просто залишав клейонки незафарбованими – так і виробив один із своїх основних прийомів.
Піросмані любив зображати тварин, а його друзі казали, що в цих звірах він швидше малює самого себе. І насправді, «обличчя» всіх тварин у Піросмані мало схожі на справжні тваринні морди, і у всіх них однаковий погляд: сумний і беззахисний, чи то «Жираф» (1905), чи «Ведмідь у місячну ніч» (1905).
Ніко Піросмані помер у бездомному злиднях від голоду та поневірянь. І це при тому, що в нього час від часу була робота з оформлення вивісок закладів громадського харчування.
Більшість же представників наїву своєю художньою творчістю і зовсім не заробляють, залишаючи на нього в кращому випадку пару годин на день, як хобі. Професії цим не зробити – саме це виділяє наївних художників в окрему касту. Це дуже чесне мистецтво, від щирого серця – над художником немає ні гніту замовлень, ні матеріальної залежності від творчості. Він просто малює, бо любить це – і збирання врожаю, і обряди сватання, і рідну річку у лісі. Любить і оспівує так, як уміє.
Дуже по-особливому вміє це румунський художник-наївіст. Його роботи схожі на ілюстрації дитячих книжок – вони барвисті, добрі та казкові. Даскалу відрізняється від багатьох художників наївного мистецтва тим, що зображує фантазійні сюжети, а чи не звичайні життєві ситуації. Там і будинок з черевика, і ліліпути з велетнями, і єдинороги, що літають. При цьому його картини не перестають бути простими - як за формою, так і за змістом. Дивлячись на них, хочеться перечитати улюблені казки та трохи помріяти.
Наїв включає творчість самоучок і самодіяльне мистецтво. "Наївний" - не означає "дурний" або "недалекий". Це, скоріше, протиставлення професійному мистецтву. Художники наївного мистецтва немає професійних художніх навичок. У цьому їхня відмінність від художників примітивізму: ті, будучи професіоналами, стилізували свої роботи під «невмілі» та прості. А головне – наївні художники не прагнуть малювати за канонами, професійно. Вони не хочуть розвивати своє мистецтво та робити його своєю професією. Митці наїву пишуть світ не так, як вчать, а так, як відчувають його.
Спочатку мені здалося, що наївне мистецтво схоже на припаси. Я так зраділа цьому порівнянню - дуже вже вийшло воно яскравим і яскравим. Але розібравшись, я зрозуміла, що неправа. Наївне мистецтво дуже світле, але «чавунно серйозне». У ньому, на відміну від їдких частів, немає гумору, гротеску, карикатурності - хоча на перший погляд здається зовсім інакше. У наїві автор завжди захоплене сприйняття того, що він зображує. А там, де захоплення немає, немає і наївного мистецтва – вони просто не показують ці сфери життя. Наїв – це щире замилування.
У Москві є Музей наївного мистецтва – його працівники ведуть серйозну роботу зі збирання експонатів, спілкуються з авторами. Зараз у музеї близько 1500 робіт, але місця для демонстрації небагато, тож експозиції змінюються майже кожен місяць.
Цей текст не розповість всього про митців наївного мистецтва, але хай хоча б зацікавить і надихне дійти до музею або погортати ці наївні картинки у пошуковій системі. Ці дорослі художники-мрійники заслуговують простої уваги – нехай без захоплення та світового визнання, але давайте постараємося хоча б знати їх.
Наївне мистецтво, наїв - (англ. naive art)- Одна з областей мистецтва примітиву XVIII-XX ст., що включає самодіяльне мистецтво (живопис, графіку, скульптуру, декоративне мистецтво, архітектуру), а також образотворча творчість художників-самоучок. До творів наївного мистецтва відносять картини чудового французького художника А. Руссо на прізвисько Митник, т.к. він був митником за фахом, і чудові провінційні портрети російських людей XVIII - XIX ст. невідомі художники.
«Наївний» художник відрізняється від «не-наївного», як шаман відрізняється від професора: обидва — фахівці, кожен у своєму роді.
Неповторність побутового примітивного портрета обумовлена як особливостями художньої мови, а й у однаковою мірою характером самої натури. Загалом композиційна схема купецького портрета запозичена із сучасного йому професійного мистецтва. У той самий час строгість осіб, загострене почуття силуету, техніка живопису змушують згадати іконопис. Але ще більше відчувається зв'язок із лубком. Це проявляється насамперед у самому підході до натури, яка сприймається художником наївно та цілісно, декоративно та барвисто. В особі та одязі чітко простежується національний російський етнічний тип. Добросовісне відтворення головного та другорядного вело до створення цілісного образу, що вражає силою життєвої характерності.
Наївне мистецтво поєднує самобутню яскравість образної фантазії, свіжість та щирість сприйняття світу з відсутністю професійних навичок малюнка, живопису, композиції, моделювання та ін.
Твори наївного мистецтва вкрай різноманітні за формою та індивідуальною стилістикою, проте для багатьох з них характерна відсутність лінійної перспективи (глибину багато примітивістів прагнуть передати за допомогою різномаштабності фігур, особливою організацією форм та колірних мас), площинність, спрощена ритмічність та симетричність, активне використання локальних кольорів , узагальненість форм, підкреслення функціональності предмета з допомогою тих чи інших деформацій, підвищена значимість контуру, простота технічних прийомів.
Наївне мистецтво, як правило, оптимістично за духом, життєствердно, багатопланово та різноманітно, має найчастіше досить високу естетичну значимість. Наївне мистецтво є хіба що противагою «технічному». У наївному мистецтві, немає техніки, немає школи, йому неможливо навчитися. Воно просто «пре» з тебе. Воно – самодостатнє. Йому байдуже, як оцінюють його майстри, до якого стилю його відносять. Це така споконвічна творчість душі, і навчання швидше позбавить його сили, ніж відточить її.
Одна із сторін наївного мистецтва – наївність чи простота форм, образів, техніки; у ньому немає гордині, самолюбування, претензій. Але за наївністю форми чітко видно глибина смислів (інакше, залишаючись наївним, вона перестає бути мистецтвом). Воно – справжнє. Воно доступне будь-якій - дитині і старому, неписьменному, і доктору наук.
У художників-примітивістів XX століття, які знайомі з класичним та сучасним ним професійним мистецтвом, часто виникають цікаві та оригінальні художні рішення при спробах наслідувати ті чи інші прийоми професійного мистецтва за відсутності відповідних технічних знань та навичок.
Довгий час у Росії домінувала думка про якусь «другорядність» наївного мистецтва. У російській (як і в деяких інших) мові термін «примітивний» має як один з головних — оцінний (і саме негативний) зміст. Тому доречніше зупинитися на понятті наївного мистецтва. У найширшому сенсі так позначається образотворче мистецтво, яке відрізняється простотою (або спрощеністю), ясністю та формальною безпосередністю образотворчо-виразної мови, за допомогою якої виражається особливе, не обтяжене цивілізаційними умовностями бачення світу. При цьому забували, що ранні авангардисти, постмодерністи та художники-концептуалісти у пошуках нових образотворчих форм зверталися до безпосередності та простодушності наївів. Інтерес до творчості самоучок виявляв Шагал, до російського лубка звертався Малевич, особливе місце займав наїв у творчості Ларіонова та Гончарової. Багато в чому завдяки прийомам та образам наївного мистецтва успіх супроводжував покази робіт Кабакова, Брускіна, Комара та Меламіду. Ті чи інші прийоми та елементи мови примітивістів використовували у своїй творчості багато великих художників XX ст. (експресіоністи, П.Клеє, М.Шагал, Х.Міро, П.Пікассо та ін.). У Наївному мистецтві багато представників культури прагнуть побачити шляхи виходу художньої культури з цивілізаційних глухих кутів.
Наївне мистецтво з бачення світу та способів його художньої презентації в чомусь наближається до мистецтва дітей, з одного боку, та до творчості душевнохворих – з іншого. Однак, по суті своїй, наївне мистецтво відрізняється і від того, і від іншого. Найближче за світосприйняттям до дитячого мистецтва стоїть наївне мистецтво архаїчних народів та аборигенів Океанії та Африки. Принципова відмінність його від дитячого мистецтва полягає в глибокій сакральності, традиціоналізмі та канонічності. Дитяча наївність і безпосередність світосприйняття хіба що завмерли назавжди у тому мистецтві, його виразні форми та елементи художньої мови наповнилися сакрально-магической значимістю і культової символікою, має досить стабільне полі ірраціональних смыслов. У дитячому мистецтві вони дуже рухливі і не мають культового навантаження. На відміну від нього мистецтво душевнохворих, часто близьке до нього за формою, характеризується хворобливою нав'язливістю тих самих мотивів, песимістично-депресивною налаштованістю, невисоким рівнем художності.
