Однією з найбільших течій у мистецтві останніх десятилітьдев'ятнадцятого століття та початку двадцятого є імпресіонізм, що поширився по всьому світу з Франції. Його представники займалися розробкою таких методів та прийомів живопису, які дозволили б найбільш жваво та природно відобразити реальний світ у динаміці, передати швидкоплинні враження від нього.

У стилі імпресіонізму створювали свої полотна багато художників, проте засновниками руху були Клод Моне, Едуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сіслей, Едгар Дега, Фредерік Базіль, Каміль Піссаро. Неможливо назвати їх найкращі роботи, тому що всі вони прекрасні, але є найбільш відомі, саме про них далі йтиметься.

Клод Моне: «Враження. Сонце, що сходить"

Полотно, з якого слід розпочинати розмову про найкращі картини імпресіоністів. Клод Моне написав його в 1872 з натури в старому порту французького Гавра. Через два роки картина вперше була продемонстрована публіці у колишній майстерні французького художника та карикатуриста Надара. Ця виставка стала доленосною для світу мистецтва. Вражений (не в кращому сенсі) роботою Моне, назва якої оригінальною мовою звучить як «Impression, soleil levant», журналіст Луї Леруа вперше ввів в обіг термін «імпресіонізм», позначивши їм новий напрямок у живописі.

Картина була вкрадена у 1985 р. разом із роботами О. Ренуара та Б. Морізо. Виявили її через п'ять років. Нині «Враження. Сонце, що сходить» належить музею Мармоттан-Моне у Парижі.

Едуард Моне: "Олімпія"

Картина «Олімпія», створена французьким імпресіоністом Едуардом Мане у 1863 р., є одним із шедеврів сучасного живопису. Вона була вперше представлена ​​на Паризькому салоні в 1865 р. Художники-імпресіоністи та їхні картини нерідко опинялися у центрі гучних скандалів. Проте «Олімпія» спричинила найбільшого з них за всю історію мистецтва.

На полотні бачимо оголену жінку, обличчям і тілом звернену до глядачів. Другий персонаж – це темношкіра служниця, в руках якої загорнутий у папір розкішний букет. Біля задньої спинки ліжка є чорне кошеня в характерній позі з вигнутою спиною. Про історію створення картини відомо не так багато, до нас дійшли лише два ескізи. Моделью послужила, найімовірніше, улюблена натурниця Мане - Вікторина Менар. Існує думка, що художник використовував образ Маргарити Белланже – коханки Наполеона.

У той період творчості, коли створювалася «Олімпія», Мане був захоплений японським мистецтвом, і тому навмисне відмовився від опрацювання нюансів темного та світлого. Через це його сучасники не побачили об'ємності зображеної фігури, вважали її плоскою та грубою. Художника звинуватили у аморальності, вульгарності. Ніколи до цього картини імпресіоністів не викликали подібного ажіотажу та знущання з боку натовпу. Адміністрація була змушена поставити охоронців довкола неї. Дега порівняв популярність Мане, завойовану за допомогою «Олімпії», та мужність, з якою він прийняв критику, з історією життя Гарібальді.

Майже чверть століття після виставки полотно зберігалося у недоступній для сторонніх очей майстерні художника. Потім його знову виставили в Парижі в 1889 р. Її мало не купили, але друзі художника зібрали потрібну суму і викупили «Олімпію» у вдови Мане, а потім передали в дар державі. Нині картина належить музею Орсе у Парижі.

Огюст Ренуар: «Великі купальниці»

Картина написана французьким художником у 1884-1887 роках. Беручи до уваги всі нині відомі картиниімпресіоністів у проміжку між 1863 та початком двадцятого століття, « Великих купальниць»називають наймасштабнішим полотном з оголеними жіночими фігурами. Ренуар працював над ним понад три роки, і в цей проміжок було створено безліч начерків, ескізів. Більше не було в його творчості жодної картини, яку він присвятив би стільки часу.

На передньому плані глядач бачить трьох оголених жінок, дві з яких перебувають на березі, а третя стоїть у воді. Фігури написані дуже реалістично та чітко, що є характерною рисоюстиль художника. Натурницями Ренуара були Аліна Шаріго (його майбутня дружина) та Сюзанна Валадон, яка у майбутньому і сама стала відомою художницею.

Едгар Дега: «Блакитні танцівниці»

Олієм по полотну написані не всі перелічені у статті відомі картини імпресіоністів. Фото вище дозволяє зрозуміти, що є картина «Блакитні танцівниці». Виконана вона пастеллю на паперовому листі розміром 65х65 см і належить до пізнього періодутворчості художника (1897). Він малював її з ослабленим зором, тому першорядне значення надається декоративної організації: сприймається зображення як великі кольорові плями, якщо розглядати його поблизу. Тема танцівниць була близька Дега. Вона неодноразово повторювалася у творчості. Багато критиків вважають, що за гармонією кольору та композиції «Блакитних танцівниць» можна вважати найкращою роботоюхудожника на цю тему. Нині картина зберігається у Музеї мистецтв ім. А. С.Пушкіна у Москві.

Фредерік Базіль: «Рожева сукня»

Один із основоположників французького імпресіонізму Фредерік Базіль народився в буржуазній родині заможного винороба. Ще роки навчання у ліцеї він почав захоплюватися живописом. Переїхавши до Парижа, завів знайомство з К. Моне та О. Ренуаром. На жаль, художнику долею був уготований короткий життєвий шлях. Він загинув у 28 років на фронті під час франко-прусської війни. Однак його, хай і нечисленні, полотна по праву включають до списку. Найкращі картиниімпресіоністів». Одна з них – це « Рожеве плаття», написана в 1864 р. За всіма ознаками полотно можна віднести до раннього імпресіонізму: колористичні контрасти, увага до кольору, сонячне освітлення та зупинена мить, те, що назвали «враженням». Як модель виступала одна з кузин художника Тереза ​​де Хорс. Нині картина належить Музею Орсе у Парижі.

Каміль Піссаро: «Бульвар Монмартр. Після полудня, сонячно»

Каміль Піссаро прославився завдяки своїм пейзажам, характерною особливістюяких є промальовування світла та освітлених предметів. Його роботи зробили помітний вплив на жанр імпресіонізму. Художник самостійно виробив багато властивих йому принципів, що лягли в основу творчості надалі.

Піссаро любив писати те саме місце в різний час доби. У нього існує ціла серія полотен з паризькими бульварами та вуличками. Найбільш відома з них - "Бульвар Монмартр" (1897). Вона відображає всю ту чарівність, яку художник бачить у киплячому і невгамовному житті цього куточку Парижа. Розглядаючи бульвар з одного місця, він демонструє його глядачеві в сонячний і похмурий день, вранці, після полудня і пізно ввечері. На фото нижче – картина «Бульвар Монмартр уночі».

Цю манеру перейняли згодом багато художників. Згадаємо лише у тому, які картини імпресіоністів написані під впливом Писсаро. Ця тенденція чітко простежується у творчості Моне (серія полотен «Стога»).

Альфред Сіслей: «Лужайки навесні»

«Лужайки навесні» - це одна з найпізніших картин пейзажиста Альфреда Сіслея, написана в 1880-1881 роках. На ній глядач бачить лісову доріжку вздовж берега Сени із селом на протилежному березі. На передньому плані дівчина – донька художника Жанна Сіслей.

Пейзажі художника передають справжню атмосферу історичної області Іль-де-Франс та зберігають у собі особливу м'якість та прозорість. природних явищ, характерних для конкретних пір року. Художник ніколи не був прихильником незвичайних ефектів і дотримувався простої композиції та обмеженої палітри фарб. Нині картина зберігається у Національній галереї Лондона.

Ми перерахували найвідоміші картини імпресіоністів (з назвами та описом). Це шедеври світового живопису. Унікальний стиль живопису, що зародився у Франції, спочатку був сприйнятий з глузуванням і іронією, критиками підкреслювалася відверта недбалість художників у написанні полотен. Зараз навряд чи хто наважиться оскаржити їхню геніальність. Картини імпресіоністів виставлені у найпрестижніших музеях світу та є бажаним експонатом для будь-якої приватної колекції.

Стиль не канув у Лету і має багато послідовників. Наш співвітчизник Андрій Кох, французький живописець Лоран Парсельє, американки Діана Леонард та Карен Тарлтон – це відомі сучасні імпресіоністи. Картини їх виконані у найкращих традиціях жанру, наповнені яскравими фарбами, сміливими мазками та життям. На фото вище – робота Лорана Парселля «У променях сонця».

string(5796) "Виділення МІСЬКОГО ПЕЙЗАЖУ в окремий жанр сприяв архітектурний пейзаж. Майстри цього напряму, що складався під впливом теорії лінійної перспективи, бачили своє головне завдання у побудові складної, ретельно розробленої композиції, з урахуванням однієї, головної точки зору. Великий внесок у розвиток цього жанру зробили італійські художники епохи Відродження – Рафаель, П'єро делла Франческа, Андреа Мантенья. Майже одночасно з архітектурним пейзажемрозвивався й інший напрямок — зображення міських ландшафтів. Німецькі, голландські та французькі живописці ХVI-ХVII ст привозили з подорожей численні альбоми з натурними замальовками. До середини ХVII століття МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ міцно займає позиції як самостійний жанр, стаючи улюбленим сюжетом голландських художників. При зображенні куточків Амстердама, Делфта, Харлема художники прагнули поєднувати геометричну чіткість міських будівель з побутовими епізодами і пейзажем. Реальні міські види можна зустріти у таких великих голландських художників ХVІІ століття як Я.Гойєн, Я.Рейсдал, Вермеєр Дельфтський. Один із найяскравіших і вдалих прикладів МІСЬКОГО ПЕЙЗАЖУ цього періоду — «Вигляд міста Делфта» Вермеєра Дельфтського, який поетично оспівав образ рідного міста. У ХVIII столітті сформувався особливий різновид пейзажного жанру, тісно пов'язаний із МІСЬКИМ ПЕЙЗАЖОМ, — веде. Ведута, залежно від характеру відтворення міської місцевості, поділялася на реальну, ідеальну чи фантастичну. У реальній ведіті художник старанно і скрупульозно зображував реальні будівлі в реальному ландшафті, в ідеальній — реальні будівлі були зображені в оточенні вигаданого ландшафту, фантастична вела була цілком і повністю фантазією автора. Розквітом цього виду живопису стала венеціанська веда, а головою школи венеціанських ведистів - художник Антоніо Каналетто. В епоху романтизму художники зберігали інтерес до зображення археологічних пам'яток, старовини, античних храмів. У середині ХIХ століття художники-пейзажисти звернулися до жанрових сцен. МІСЬКІ ПЕЙЗАЖІ, що зафіксували види Лондона, зустрічаються на гравюрах французького художникаГюстава Дорі. Цікавили міські краєвиди, щоправда вже Парижа, та іншого французького художника, майстра МІСЬКИХ ПЕЙЗАЖІВ, Оноре Дом'є. Нову сторінку в історії МІСЬКОГО ПЕЙЗАЖУ відкрили художники-імпресіоністи. Їхню увагу привертали мотиви вулиць у різний час дня, вокзали, силуети та обриси будівель. Прагнення передати ритм життя міста, вловити стан атмосфери, що постійно змінюється, і освітлення привели імпресіоністів до відкриття нових засобів. художньої виразності.
У розділі картин, присвячених МІСЬКОМУ ПЕЙЗАЖУ, представлені предмети із зображенням різних міст, архітектурних пам'яток, вулиць та визначних пам'яток. У цьому розділі Ви знайдете види Москви, Санкт-Петербурга, а також Риму та багатьох інших міст. Ми пропонуємо Вам купити предмети з розділу МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ у нашому Комісійному Антикварному Магазині. Розділ МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ постійно оновлюється, стежте за новими надходженнями. "

МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ - жанр образотворчого мистецтва, в якому основним сюжетом стає зображення міста, його вулиць та будівель. Спочатку МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ не був самостійним жанром, міські краєвиди середньовічні художники використовували лише як обрамлення біблійних сцен. По-новому переосмислили МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ старонідерландські майстри, які з особливою ретельністю та любов'ю зображували навколишній світ.

Виділенню МІСЬКОГО ПЕЙЗАЖУ в окремий жанр сприяв архітектурний пейзаж. Майстри цього напряму, що складався під впливом теорії лінійної перспективи, бачили своє головне завдання у побудові складної, ретельно розробленої композиції, з урахуванням однієї, головної точки зору. Великий внесок у розвиток цього жанру зробили італійські художники епохи Відродження – Рафаель, П'єро делла Франческа, Андреа Мантенья. Майже одночасно з архітектурним пейзажем розвивався й інший напрямок – зображення міських ландшафтів. Німецькі, голландські та французькі живописці ХVI-ХVII ст привозили з подорожей численні альбоми з натурними замальовками. До середини ХVII століття МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ міцно займає позиції як самостійний жанр, стаючи улюбленим сюжетом голландських художників. При зображенні куточків Амстердама, Делфта, Харлема художники прагнули поєднувати геометричну чіткість міських будівель з побутовими епізодами і пейзажем. Реальні міські види можна зустріти у таких великих голландських художників ХVІІ століття як Я.Гойєн, Я.Рейсдал, Вермеєр Дельфтський. Один із найяскравіших і вдалих прикладів МІСЬКОГО ПЕЙЗАЖУ цього періоду — «Вигляд міста Делфта» Вермеєра Дельфтського, який поетично оспівав образ рідного міста. У ХVIII столітті сформувався особливий різновид пейзажного жанру, тісно пов'язаний із МІСЬКИМ ПЕЙЗАЖОМ, — веде. Ведута, залежно від характеру відтворення міської місцевості, поділялася на реальну, ідеальну чи фантастичну. У реальній ведіті художник старанно і скрупульозно зображував реальні будівлі в реальному ландшафті, в ідеальній — реальні будівлі були зображені в оточенні вигаданого ландшафту, фантастична вела була цілком і повністю фантазією автора. Розквітом цього виду живопису стала венеціанська веда, а головою школи венеціанських ведистів - художник Антоніо Каналетто. В епоху романтизму художники зберігали інтерес до зображення археологічних пам'яток, старовини, античних храмів. У середині ХIХ століття художники-пейзажисти звернулися до жанрових сцен. МІСЬКІ ПЕЙЗАЖІ, що зафіксували краєвиди Лондона, зустрічаються на гравюрах французького художника Гюстава Доре. Цікавили міські краєвиди, щоправда вже Парижа, та іншого французького художника, майстра МІСЬКИХ ПЕЙЗАЖІВ, Оноре Дом'є. Нову сторінку в історії МІСЬКОГО ПЕЙЗАЖУ відкрили художники-імпресіоністи. Їхню увагу привертали мотиви вулиць у різний час дня, вокзали, силуети та обриси будівель. Прагнення передати ритм життя міста, вловити стан атмосфери, що постійно змінюється, і освітлення привели імпресіоністів до відкриття нових засобів художньої виразності.
У розділі картин, присвячених МІСЬКОМУ ПЕЙЗАЖУ, представлені предмети із зображенням різних міст, архітектурних пам'яток, вулиць та визначних пам'яток. У цьому розділі Ви знайдете види Москви, Санкт-Петербурга, а також Риму та багатьох інших міст. Ми пропонуємо Вам купити предмети з розділу МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ у нашому Комісійному Антикварному Магазині. Розділ МІСЬКИЙ ПЕЙЗАЖ постійно оновлюється, стежте за новими надходженнями.

ЧИТАТИ ПОВНІСТЮ

Коровін Костянтин Олексійович - видатний російський художник, декоратор, один із найбільших російських художників рубежу століть (19-20). Коровін - майстер пленеру, автор пейзажів, жанрових картин, натюрморти, портрети. Народився художник у Москві. Навчався в Петербурзі та Москві, у Саврасова та Полєнова. Костянтин Коровін входив до об'єднання: «Товариство пересувних художніх виставок», «Спілка російських художників» та «Світ мистецтва». Вважається одним із найяскравіших представників «російського імпресіонізму».

У творчості Коровіна видно прагнення досягти синтетичних живописних рішень через світлотіньові модуляції, гармонію тональних відносин. Такими є «Північна ідилія» (1886), «Біля балкона. Іспанки Леонора та Ампара» (1888), «Гаммерфест. Північне сяйво» (1895) та інші. А поряд речі іншої «коровинської» орієнтації - портрет солістки Російської приватної опери Т. С. Любатович (2-я пол. 1880-х), що приваблює вишуканою колористичною концепцією, тріумфально-святковим образним ладом, або етюд початку 1890-х років кафе», де вперше у Коровіна так проникливо передано ледь вловимий мальовничий «аромат» повітря французької столиці.

Ядро методу Коровіна - вміння найпересічніший і навіть явно непривабливий мотив перетворити за допомогою точно побаченого і як би миттєво відбитого колірного змісту у високе естетичне видовище.

Париж на картинах Коровіна

Перебування в Парижі під час підготовки Всесвітньої виставки - перебування це було вторинним і набагато осмисленішим - розплющило очі художнику на сучасний французький живопис. Він вивчає імпресіоністів, настільки співзвучних його устремлінням, але залишається далеким від усіх постімпресіоністичних рухів. У 1900-х роках Коровін створює свою знамениту серію «Парижів». На відміну від імпресіоністів, його види Парижа написані набагато безпосередньо і емоційно. Вони переважає бажання майстра «зірвати чарівність, яке у цей момент укладено у пейзажі» (за словами учня Коровіна Б. Йогансона).

Художник шукає найтонші перехідні та несподівані стани у житті міста - ранковий Париж, Париж у сутінках, вечірній та нічне місто(«Париж, Ранок», 1906; «Париж увечері», 1907; «Сутінки в Парижі», 1911). Ранковий серпанок і тремтливе світло встаючого сонця, бузкові сутінки з ще не потьмянілою зеленню дерев і ліхтарями, що вже запалюються, оксамитова густота темно-синього неба і яскравий гарячковий розсип вогнів нічного Парижа... Коровин у цих маленьких речах досягає в цих маленьких речах. тим часом це призводить до дивовижної одухотвореності, первозданності образу міста. Завдяки методу комплексного кольоротонального рішення він у маленькому етюді домагався і граничної висловленості на рівні великої закінченої картини, і ефекту хвилюючої емоційної причетності глядача побаченому.

«Мені хочеться, щоб око глядача теж естетично насолоджувалося, як вухо душі – музикою», – сказав якось Коровін.

Фотографії картин

Париж на картинах Коровіна

"Новий світ народився тоді, коли імпресіоністи написали його"

Анрі Канвейлер

ХІХ століття. Франція. У живописі сталося небачене. Група молодих художників вирішила похитнути 500-річну традицію. Замість чіткого малюнка вони використовували широкий "недбалий" мазок.

А від звичних образів взагалі відмовилися, зображуючи всіх поспіль. І дам легкої поведінки, і панів сумнівної репутації.

Публіка була готова до живопису імпресіоністів. Їх висміювали, лаяли. А найголовніше, нічого в них не купували.

Але опір було зламано. І деякі імпресіоністи дожили до свого тріумфу. Щоправда їм було вже за 40. Як Клоду Моне чи Огюсту Ренуару. Інші дочекалися зізнання лише наприкінці життя, як Каміль Пісарро. Хтось до нього не дожив, як Альфред Сіслей.

Що ж революційного зробив кожен із них? Чому публіка так довго їх не брала? Ось 7 найуславленіших французьких імпресіоністів, яких знає весь світ.

1. Едуард Мане (1832-1883 рр.)

Едуард Мане. Автопортрет з палітри. 1878 р. Приватна колекція

Мане був старший за більшість імпресіоністів. Він був їхнім головним натхненником.

Сам Мане на роль лідера революціонерів не претендував. Він був світською людиною. Мріяв про офіційні нагороди.

Але на визнання він чекав дуже довго. Публіка хотіла бачити грецьких богинь чи натюрморти на крайній кінець, щоб гарно виглядали у їдальні. Мані ж хотів писати сучасне життя. Наприклад, куртизанок.

В результаті з'явився "Сніданок на траві". Два денді відпочивають у суспільстві жінок легкої поведінки. Одна з них як ні в чому не було сидить поруч з одягненими чоловіками.

Едуард Мане. Сніданок на траві. 1863 р., Париж

Порівняйте його “Сніданок на траві” з роботою Тома Кутюра “Римляни за часів занепаду”. Картина Кутюра викликала фурор. Художник миттєво прославився.

"Сніданок на траві" звинуватили у вульгарності. Вагітним абсолютно серйозно не рекомендували на неї дивитися.

Тома Кутюр. Римляни часів занепаду. 1847 р. Музей д'Орсе, Париж. artchive.ru

На картині Кутюра ми бачимо всі атрибути академізму (традиційного живопису XVI-XIX ст.). Колони та статуї. Люди аполлонівської зовнішності. Традиційні приглушені кольори. Манерність поз та жестів. Сюжет із далекого життя зовсім іншого народу.

"Сніданок на траві" Мане - іншого формату. До нього ніхто не зображував куртизанок так просто. Поруч із респектабельними городянами. Хоча багато чоловіків того часу так і проводили своє дозвілля. Це було реальне життя реальних людей.

Якось зобразив одну респектабельну даму. Негарну. Він не зміг потішити їй за допомогою кисті. Жінка була розчарована. Пішла від нього у сльозах.

Едуард Мане. Ангеліна. 1860 р. Музей д'Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org

Тож він продовжував експериментувати. Наприклад, із кольором. Він намагався зобразити так званий природний колорит. Якщо сіро-бура вода йому бачилася яскраво-синьою, він і зображував її яскраво-синьої.

Це, звісно, ​​дратувало публіку. «Адже навіть Середземне море не може похвалитися такою синьовою, як вода у Мані» – виразили вони.

Едуард Мане. Аржантей. 1874 р. Музей образотворчих мистецтв, Турне, Бельгія. Wikipedia.org

Але факт залишається фактом. Мане докорінно змінив призначення живопису. Картина ставала втіленням індивідуальності художника, який пише так, як йому заманеться. Забувши про шаблони та традиції.

Новаторства йому довго не вибачали. Визнання дочекався лише під кінець життя. Але воно вже було йому не потрібне. Він болісно згасав від невиліковної хвороби.

2. Клод Моне (1840-1926 рр.)

Клод Моне. Автопортрет у береті. 1886 р. Приватна колекція

Клода Моне можна назвати хрестоматійним імпресіоністом. Так як він був вірний цьому напрямку все своє довге життя.

Він писав не предмети та людей, а єдину колірну конструкцію з відблисків та плям. Роздільні мазки. Тремтіння повітря.

Клод Моне. Жабенята. 1869 р. Музей Метрополітен, Нью-Йорк. Metmuseum.org

Моне писав як природу. Йому вдавалися й міські краєвиди. Один із найвідоміших - .

У цій картині є багато від фотографії. Наприклад, рух передано за допомогою розмитого зображення.

Зверніть увагу: далекі дерева та фігури немов перебувають у серпанку.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок у Парижі. 1873 (Галерея мистецтва Європи та Америки 19-20 ст.), м. Москва

Перед нами зупинений момент вируючого життя Парижа. Жодної постановочності. Ніхто не позує. Люди зображені як сукупність мазків. Така безсюжетність та ефект "стоп-кадра" - головна рисаімпресіонізму.

До середини 80-х художники розчарувалися в імпресіонізмі. Естетика – це, звичайно, добре. Але безсюжетність багатьох пригнічувала.

Лише Моне продовжував наполягати, гіпертрофуючи імпресіонізм. Це переросло у серії картин.

Один і той самий пейзаж він зображував десятки разів. У різний час доби. У різні часироку. Щоб показати, наскільки температура і світло можуть змінити той самий вид до невпізнанності.

Так з'явилися незліченні стоги сіна.

Картини Клода Моне у Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні. Зліва: Стіг сіна на заході сонця в Живерні, 1891 р. Праворуч: Стіг сіна (ефект снігу), 1891 р.

Зверніть увагу, що тіні цих картинах кольорові. А не сірі чи чорні, як було прийнято до імпресіоністів. Це ще один їхній винахід.

Моне встиг насолодитися успіхом та матеріальним благополуччям. Після 40 він уже забув про злидні. Придбав будинок і прекрасний сад. І творив на своє задоволення ще довгі роки.

Про саму знакову картину майстра читайте у статті

3. Огюст Ренуар (1841-1919 рр.)

П'єр-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 р. Інститут мистецтва Стерлінга та Франсін Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru

Імпресіонізм - це найпозитивніший живопис. А найпозитивнішим серед імпресіоністів був Ренуар.

У його картинах ви не знайдете драми. Навіть чорною фарбою він не скористався. Лише радість буття. Навіть найбанальне у Ренуара виглядає чудовим.

На відміну від Моне Ренуар частіше писав людей. Краєвиди йому були менш значущі. На картинах відпочивають та насолоджуються життям його друзі та знайомі.

П'єр-Огюст Ренуар. Сніданок веслярів. 1880-1881 рр. Збори Філліпса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org

Не знайдете ви у Ренуара та глибокодумності. Він був дуже радий приєднатися до імпресіоністів, які поголовно відмовлялися від сюжетів.

Як він сам казав, нарешті він має можливість писати квіти і назвати їх просто "Квіти". І не вигадувати жодних історій про них.

П'єр-Огюст Ренуар. Жінка з парасолькою в саду. 1875 р. Музей Тіссен-Борменіса, Мадрид. arteuam.com

Найкраще Ренуар почував себе у суспільстві жінок. Він просив своїх служниць співати і жартувати. Чим дурніша і наївніша була пісенька, тим краще для нього. А чоловіча балаканина його втомлювала. Не дивно, що Ренуар відомий полотнами у стилі ню.

Модель на картині "Оголена в сонячному світлі" немов проявляється на абстрактному фоні. Тому що для Ренуара немає нічого другорядного. Око моделі або ділянка заднього фону рівнозначні.

П'єр-Огюст Ренуар. Голі в сонячному світлі. 1876 ​​р. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Ренуар прожив довге життя. І ніколи не відкладав кисть та палітру. Навіть коли його руки зовсім скував ревматизм, він прив'язував пензлик до руки мотузкою. І малював.

Як і Моне, він дочекався зізнання після 40 років. І побачив свої картини у Луврі, поряд із роботами знаменитих майстрів.

Про один із найчарівніших портретів Ренуара читайте у статті

4. Едгар Дега (1834-1917 рр.)

Едгар Дега. Автопортрет. 1863 р. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лісабон, Португалія. Cultured.com

Дега не був класичним імпресіоністом. Він не любив працювати на пленері (на відкритому повітрі). У нього ви не знайдете навмисне висвітленої палітри.

Навпаки, він любив чітку лінію. Чорного кольору в нього достатньо. І працював він виключно у студії.

Але все ж таки його завжди ставлять у ряд з іншими великими імпресіоністами. Тому що він був імпресіоністом жесту.

Несподівані ракурси. Асиметрія у розташуванні об'єктів. Захоплені зненацька персонажі. Ось основні атрибути його картин.

Він зупиняв мить життя, не даючи персонажам схаменутися. Подивіться хоч би на його "Оркестр опери".

Едгар Дега. Оркестр опери. 1870 р. Музей д'Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На передньому плані спинка стільця. Музикант до нас спиною. А на задньому фоні балерини на сцені не вмістилися у кадр. Їхні голови нещадно “обрізані” краєм картини.

Так улюблені ним танцівниці далеко не завжди зображені в гарних позах. Іноді вони просто роблять розтяжку.

Але така імпровізація уявна. Звісно, ​​Дега ретельно продумував композицію. Це лише ефект стоп-кадру, а не справжній стоп-кадр.

Едгар Дега. Дві балетні танцівниці. 1879 р. Музей Шелбурн, Вермут, США

Едгар Дега любив писати жінок. Але хвороба чи особливості організму не дозволяли йому мати з ними фізичний контакт. Він ніколи не був одружений. Ніхто ніколи не бачив його з жінкою.

Відсутність реальних сюжетів у його особистому житті додавала тонку та напружену еротичність його образів.

Едгар Дега. Зірка балету. 1876-1878 рр. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Зверніть увагу, що на картині "Зірка балету" промальована сама балерина. Її колеги за лаштунками ледь помітні. Хіба кілька ніг.

Не означає, що Дега не закінчив картину. Такий прийом. Залишити у фокусі лише найголовніше. Решту зробити зникаючою, нерозбірливою.

Про інші картини майстра читайте у статті

5. Берта Морізо (1841-1895 рр.)

Едуард Мане. Портрет Берти Морізо. 1873 Мармоттан-Моне музей, Париж.

Берту Морізо рідко ставлять у перший ряд великих імпресіоністів. Впевнена, що незаслужено. Саме в неї ви зустрінете всі основні риси та прийоми імпресіонізму. І якщо вам цей стиль подобається, ви полюбите її роботу усією душею.

Морізо працювала швидко і рвучко, перекладаючи на полотно своє враження. Фігури немов ось-ось розчиняться у просторі.

Берта Морізо. Літо. 1880 р. Музей Фабре, Монпельє, Франція.

Як і Дега, часто не домалювала деякі деталі. І навіть частини тіла моделі. Ми не можемо розрізнити рук дівчини на картині “Літо”.

Шлях до самовираження Морізо був важким. Мало того, що вона займалася "недбалим" живописом. Вона ще була жінкою. У ті часи дамі належало мріяти про заміжжя. Після чого будь-яке хобі забувалося.

Тому Берта довго відмовлялася від шлюбу. Поки не знайшла чоловіка, який шанобливо сприйняв її заняття. Ежен Мане був рідним братом художника Едуарда Мане. Він покірно носив за дружиною мольберт та фарби.

Берта Морізо. Ежен Мане з дочкою у Буживалі. 1881 Мармоттан-Моне музей, Париж.

Але все ж таки справа була в XIX столітті. Ні, штани Морізо не одягла. Але повної свободи пересування вона собі дозволити не могла.

Вона не могла піти до парку працювати на самоті, без супроводу когось із близьких. Не могла посидіти сама в кафе. Тому її картини – це люди із сімейного кола. Чоловік, дочка, родичі, няньки.

Берта Морізо. Жінка з дитиною в саду в Буживалі. 1881 р. Національний музейУельсу, Кардіфф.

Морізо зізнання не дочекалася. Вона померла в 54 роки від запалення легень, не продавши за життя майже жодної своєї роботи. У її свідоцтві про смерть у графі “рід занять” стояв прочерк. Немислимо було жінці зватись художником. Навіть якщо вона їм насправді була.

Про картини майстра читайте у статті

6. Каміль Пісарро (1830 – 1903 рр.)

Каміль Пісарро. Автопортрет. 1873 р. Музей д'Орсе, Париж. Wikipedia.org

Каміль Пісарро. Неконфліктний, розважливий. Багато хто його сприймав як вчителя. Навіть найтемпераментніші колеги про Пісарро погано не говорили.

Він був вірним послідовником імпресіонізму. Дуже потребуючи, маючи дружину та п'ятьох дітей, він все одно наполегливо працював у своєму улюбленому стилі. І жодного разу не переключився на салонний живопис, щоб стати популярнішим. Невідомо, звідки він брав сили до кінця вірити у себе.

Щоб не померти з голоду, Пісарро розписував віяла, які охоче розкуповували. А справжнє визнання до нього надійшло вже після 60 років! Тоді нарешті він зміг забути про потребу.

Каміль Пісарро. Діліжанс у Лувесьєнні. 1869 р. Музей д'Орсе, Париж

Повітря на картинах Пісарро густе і щільне. Незвичайний сплав кольору та об'єму.

Художник не боявся писати наймінливіші явища природи, які з'являються на мить і зникають. Перший сніг, морозне сонце, довгі тіні.

Каміль Пісарро. Іній. 1873 р. Музей д'Орсе, Париж

Найвідоміші його роботи – види Парижа. З широкими бульварами, суєтною строкатою юрбою. Вночі, вдень, у різну погоду. У чомусь вони перегукуються із серіями картин Клода Моне.

У цій статті ви побачите петербурзьку міськийпредставлений у художній галереї «Арт-Бріз». Тут зібрані твори різних авторів, які виконані у різних стилях та техніках. Всі ці роботи поєднує одне — на них зображено Санкт-Петербург, такий, яким його побачив митець.

Міський пейзажЯк жанр живопису сформувався досить пізно, у 18-му столітті. Саме тоді міста почали набувати свого сучасного характеру і кількість міських жителів почала стрімко збільшуватися. До цього лише деякі середньовічні художники зображували міста на своїх полотнах. Ці зображення були дуже примітивними, у них була відсутня топографічна точність і служили для позначення місця дії подій, яким присвячувався сюжет картини. Родоначальниками міського пейзажуу живопису можна назвати голландських художників 17 століття Вермера Делфтського, Я.Гойєна та Я.Рейсдала. Саме на їхніх творах можна зустріти міський краєвид таким, яким ми звикли його бачити на сучасних картинах.

Сучасні художники, які виставляють власні міські пейзажі в пітерській художній галереї «Ар-Бриз», зображують Санкт-Петербург переважно туманним приморським містом з жвавим життям і чудовою архітектурою. Більшість картин створено у стилі імпресіонізму і класики. Насиченість фарб та можливість заповнення полотна світлом, яке надає техніка живопису імпресіоністів, найповніше дозволяє відобразити дух цього міста на Неві!