У цій статті ви побачите петербурзький міськийпредставлений в художній галереї «Арт-Бриз». Тут зібрані твори різних авторів, які виконані в різних стиляхі техніках. Всі ці роботи об'єднує одне - на них зображений Санкт-Петербург, такий, яким його побачив художник.
Міський пейзаж, Як жанр живопису сформувався досить пізно, в 18-му столітті. Саме тоді міста стали набувати свого сучасний характер і число міських жителів почала стрімко збільшуватися. До цього лише деякі середньовічні художники зображали міста на своїх полотнах. Ці зображення були дуже примітивними, в них була відсутня топографічна точність і служили вони для позначення місця дії подій, яким присвячувався сюжет картини. родоначальниками міського пейзажув живописі можна назвати голландських художників 17-го століття Вермера Делфтського, Я.Гойена і Я.Рейсдалі. Саме на їхніх творах можна зустріти міський пейзаж таким, яким ми звикли його бачити на сучасних картинах.
Сучасні художники, які виставляють власні міські пейзажі в пітерської художній галереї «Ар-Бриз», зображують Санкт-Петербург, в основному, туманним приморським містом з жвавій життям і прекрасною архітектурою. Велика частина картин створені в стилі імпресіонізму і класики. Насиченість фарб і можливість заповнення полотна світлом, яку надає техніка живопису імпресіоністів, найбільш повно дозволяє відобразити дух цього міста на Неві!
18-19 вв. позначилися періодом розквіту європейського мистецтва. У Франції, імператор Наполеон III наказав приступити до реконструкції Парижа, після військових дій під час Франко-прусської війни. Париж швидко став тим же «сяючим містом», яким він був при Другої Імперії і знову проголосив себе центром європейського мистецтва. Тому багато художників - імпресіоністи зверталися в своїх роботах до теми сучасного міста. В їх роботах сучасний міста не чудовисько, а місце батьківщини, де живуть люди. Багато роботи просякнуті сильним почуттямпатріотизму.
Особливо це можна простежити в картинах Клода Моне. Він створив понад 30 картин з видами Руанского собору при самому різному освітленні і стан атмосфери. Наприклад, в 1894 році Моне написав дві картини - «Руанський собор опівдні» і «Руанський собор увечері». Обидві картини зображують один і той же фрагмент собору, але в різних тональностях - в теплих жовто-рожевих тонах полуденного і в холодно-блакитних відтінках згасаючого сутінкового світла. У картинах барвисте пляма повністю розчиняє лінію, художник передає матеріальну тяжкість каменю, а як би легку барвисту завісу.
Імпресіоністи прагнули до того, щоб зробити картину подібної відчиненого вікна, крізь яке видно реальний світ. Найчастіше вони вибирали точку зору з вікна на вулицю. Представлений знаменитий «Бульвар Капуцинів» К. Моне, написаний в 1873 році, а показаний на першій виставці імпресіоністів в 1874 році, є прекрасним прикладом цього прийому. Тут багато новаторського - мотивом для пейзажу обраний вид великий міський вулиці, але художника цікавить її структуру в цілому, а не її пам'ятки. Вся маса людей зображена легкими штрихами, узагальнено, в яких важко розібрати окремі фігури.
Моне передає в цьому творі миттєве, чисто глядацьке враження від ледь помітно вібруючого повітря, від йдуть углиб вулиці, людей і виїжджаючих екіпажів. Він руйнує уявлення про площині полотна, створюючи ілюзію простору і наповнюючи його світлом, повітрям і рухом. Людське око спрямовується в нескінченність, і немає граничної точки, де б він міг зупинитися.
Висока точка зору дозволяє художнику відмовитися від першого плану, і він передає сяючі сонячне освітлення в контрасті з блакитно-лілового тінню від будинків, що лежить на вуличній бруківці. Сонячну сторону Моне дає помаранчевої, золотисто-теплою, тіньову - фіолетовою, але єдина світло-повітряний серпанок надає всьому пейзажу тональну гармонію, а контури будинків і дерев вимальовуються в повітрі, пронизаному сонячними променями.
У 1872 році в Гаврі Моне пише «Враження. Схід сонця »- вид Гаврскій порту, представлений потім на першій виставці імпресіоністів. Тут художник, як видно, остаточно звільнився від загальноприйнятого уявлення про об'єкт зображення як якомусь обсязі і повністю присвятив себе передачі миттєвого стану атмосфери в блакитних і рожево-помаранчевих тонах. Справді, все ніби стає нематеріальним: Гаврскій мовляв і кораблі зливаються з розлученнями на небі і відображенням у воді, а силуети рибалок і човнів на першому плані - це всього лише темні плями, зроблені декількома інтенсивними мазками. Відмова від академічної техніки, живопис на пленері і вибір незвичних сюжетів в багнети сприймалися критикою того часу. Луї Леруа, автор лютою статті, що з'явилася в журналі «Шаривари», вперше, в зв'язку саме з цією картиною, вжив термін «імпресіонізм» як визначення нової течії в живопису.
ще одним видатним твором, Присвяченим місту, стала картина Клода Моне «Вокзал Сен-Лазар». На мотив вокзалу Сен-Лазар Моне виконав понад десяти картин, сім з яких, були виставлені на 3-ій виставці імпресіоністів в 1877 р
Моне зняв крихітну квартирку на вулиці Монсі, розташованої неподалік від вокзалу. Художнику була надана повна свобода дій. Рух поїздів на час припинялося, і він міг добре бачити платформи, топки димлять паровозів, які були заповнені вугіллям - щоб з труб валив пар. Моне міцно «влаштувався» на вокзалі, пасажири спостерігали за ним з повагою і трепетом.
Оскільки вигляд вокзалу постійно змінювався, на «натурі» Моне робив лише ескізи, а по ним в майстерні писав уже самі картини. На полотні ми бачимо велику залізничну станцію, покриту навісом, укріпленим на залізних стовпах. Ліворуч і праворуч знаходяться платформи: один шлях призначається для приміських поїздів, інший - для поїздів далекого прямування. Особлива атмосфера передається через контраст тьмяного освітлення всередині станції і яскравого сліпучого вуличного світла. Клуби диму і пари, розсіяні по всьому полотну, врівноважують контрастні смуги освітлення. Дим просочується всюди, сяючі хмари клубочаться на тлі ледь помітних силуетів будівель. Густа пара немов надає форму масивним башт, прикриваючи їх легкої вуаллю, подібної найтоншої павутині. Картина написана в ніжних приглушених тонах з найтоншими переходами відтінків. Стрімкі точні мазки в формі ком, характерні для того часу, сприймаються як мозаїка, у глядача створюється враження, що пар то розсіюється, то згущується.
Інший представник імпресіоністів, К. Піссарро, як і всі імпресіоністи, любив малювати місто, який полонив його своїм нескінченним рухом, течією потоків повітря і грою світла. Він сприймав його як живий, неспокійний організм, здатний змінюватися в залежності від пори року, ступеня освітленості.
Взимку і Навесні 1897 року Піссарро працював над серією полотен «Бульвари Парижа». Ці роботи принесли художнику популярність і привернули увагу критики, що зв'язувала його ім'я з рухом дівізіонізма. Начерки для серії художник робив з вікна номера в паризькому готелі, а завершував роботу над картинами в своїй студії в Еран в кінці квітня. Ця серія - єдина в творчості Піссарро, в якій художник прагнув з максимальною точністю відобразити різні стани погоди і сонячного освітлення. Так, наприклад, художник написав 30 картин із зображенням бульвару Монмартр, розглядаючи його з одного і того ж вікна.
У картинах «Бульвар Монмартр в Парижі» майстер К. Піссарро віртуозно передав багатство атмосферних ефектів, барвисту складність і тонкість похмурого дня. Динаміка міського життя, настільки переконливо втілена швидкої пензлем живописця, створює образ сучасного міста - не парадного, що не офіційного, а порушеної і живого. Міський пейзаж став головним жанром у творчості цього видатного імпресіоніста - «співака Парижа».
Особливе місце займає в творчості Піссарро столиця Франції. Художник постійно жив за містом, але Париж наполегливо притягував його. Париж полонить його безперервним і загальним рухом - ходьбою пішоходів і бігом екіпажів, плином потоків повітря і грою світла. Місто Піссарро - не перелік визначних будинків, які потрапили в поле зору художника, а живий і неспокійний організм. Захоплені цим життям, ми не усвідомлюємо банальності будівель, що становлять бульвар Монмартр. Неповторну чарівність знаходить художник в неугомонности Великих бульварів. Ранковим і денним, вечірнім і нічним, залитим сонцем і посірілим зобразив Піссарро бульвар Монмартр, розглядаючи його з одного і того ж вікна. Ясний і простий мотив йде вдалину вулиці створює чітку композиційну основу, що не змінюється від полотна до полотна. Зовсім інакше будувався цикл полотен, написаних в наступному році з вікна Луврського готелю. У листі до сина під час роботи над циклом Піссарро підкреслював відмінний від Бульварів характер цього місця, тобто площі Французького театру і прилеглого району. Дійсно, там все спрямовується уздовж осі вулиці. Тут - площа, що служила кінцевою зупинкою декількох омнібусні маршрутів, перетинається в самих різних напрямках, і замість широкої панорами з великою кількістю повітря нашим очам постає замкнутий простір переднього плану.
Одним з найбільших течій в мистецтві останніх десятилітьдев'ятнадцятого століття і початку двадцятого є імпресіонізм, що поширився по всьому світу з Франції. Його представники займалися розробкою таких методів і прийомів живопису, які дозволили б найбільш жваво і природно відобразити реальний світ в динаміці, передати швидкоплинні враження від нього.
У стилі імпресіонізму створювали свої полотна багато художників, однак засновниками руху були Клод Моне, Едуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сіслей, Едгар Дега, Фредерік Базиль, Каміль Піссаро. Неможливо назвати їх найкращі роботи, так як всі вони прекрасні, але є найбільш відомі, саме про них далі і піде мова.
Клод Моне: «Враження. Сонце, що сходить"
Полотно, з якого слід починати розмову про кращі картини імпресіоністів. Клод Моне написав його в 1872 році з натури в старому порту французького Гавра. Через два роки картина вперше була продемонстрована публіці в колишній майстерні французького художника і карикатуриста Надара. Ця виставка стала доленосною для світу мистецтва. Під враженням від (не в кращому сенсі) роботою Моне, назва якої на оригінальному мовою звучить як «Impression, soleil levant», журналіст Луї Леруа вперше ввів в обіг термін «імпресіонізм», позначивши їм новий напрямок в живописі.
Картина була вкрадена в 1985 році разом з роботами О. Ренуара і Б. Морізо. Виявили її через п'ять років. В даний час «Враження. Сонце, що сходить»Належить музею Мармоттан-Моне в Парижі.
Едуард Моне: «Олімпія»
Картина «Олімпія», створена французьким імпресіоністом Едуардом Мане в 1863 р, є одним із шедеврів сучасного живопису. Вона була вперше представлена на Паризькому салоні в 1865 р Художники-імпресіоністи і їхні картини нерідко опинялися в центрі гучних скандалів. Однак «Олімпія» стала причиною найбільшого з них за всю історію мистецтва.
На полотні ми бачимо оголену жінку, обличчям і тілом звернену до глядачів. Другий персонаж - це темношкіра служниця, в руках якої загорнутий в папір розкішний букет. У підніжжя ліжка присутній чорний кошеня в характерній позі з вигнутою спиною. Про історію створення картини відомо не так багато, до нас дійшли лише два ескізу. Моделлю послужила, найімовірніше, улюблена натурниця Мане - Вікторина Мёнар. Існує думка, що художник використовував образ Маргарити Белланж - коханки Наполеона.
У той період творчості, коли створювалася «Олімпія», Мане був захоплений японським мистецтвом, і тому навмисно відмовився від опрацювання нюансів темного і світлого. Через це його сучасники не побачили об'ємності зображеної фігури, порахували її плоскою і грубої. Художника звинуватили в аморальності, вульгарності. Ніколи до цього картини імпресіоністів не викликали подібного ажіотажу і знущання з боку натовпу. Адміністрація була змушена поставити охоронців навколо неї. Дега порівняв популярність Мане, завойовану за допомогою «Олімпії», і мужність, з яким він прийняв критику, з історією життя Гарібальді.
Майже чверть століття після виставки полотно зберігалося в недоступною для сторонніх очей майстерного художника. Потім його знову виставили в Парижі в 1889 р Її мало не купили, але друзі художника зібрали потрібну суму і викупили «Олімпію» у вдови Мане, а потім передали в дар державі. Нині картина належить музею Орсе в Парижі.
Огюст Ренуар: «Великі купальниці»
картина написана французьким художникомв 1884-1887 рр. Беручи до уваги все нині відомі картиниімпресіоністів в проміжку між 1863 і початком двадцятого століття, « великих купальщиц»Називають наймасштабнішим полотном з оголеними жіночими фігурами. Ренуар працював над ним більше трьох років, і в цей проміжок було створено безліч начерків, ескізів. Більше не було в його творчості жодної картини, який би він присвятив стільки часу.
На передньому плані глядач бачить трьох оголених жінок, дві з яких знаходяться на березі, а третя стоїть у воді. Фігури написані дуже реалістично і чітко, що є характерною рисоюстилю художника. Натурницями Ренуара були Аліна Шарига (його майбутня дружина) і Сюзанна Валадон, яка в майбутньому і сама стала відомою художницею.
Едгар Дега: «Блакитні танцівниці»
Маслом по полотну написані не всі перераховані в статті відомі картини імпресіоністів. Фото вище дозволяє зрозуміти, що являє собою картина «Блакитні танцівниці». Виконана вона пастеллю на паперовому аркуші розміром 65х65 см і належить до пізнього періодутворчості художника (1897 г.). Він малював її з уже ослабленим зором, тому першорядне значення надається декоративної організації: сприймається зображення як великі кольорові плями, особливо якщо розглядати його зблизька. Тема танцівниць була близька Дега. Вона неодноразово повторювалася в його творчості. Багато критиків вважають, що по гармонії кольору і композиції «Блакитних танцівниць» можна вважати найкращою роботоюхудожника на дану тему. В даний час картина зберігається в Музеї мистецтв ім. А. С. Пушкіна в Москві.
Фредерік Базиль: «Рожеве плаття»
Один з основоположників французького імпресіонізму Фредерік Базиль народився в буржуазній сім'ї заможного винороба. Ще в роки навчання в ліцеї він став захоплюватися живописом. Переїхавши в Париж, завів знайомство з К. Моне та О. Ренуаром. На жаль, художнику долею був уготований короткий життєвий шлях. Він загинув в 28 років на фронті під час франко-прусської війни. Однак його, нехай і нечисленні, полотна по праву включають в список « Кращі картиниімпресіоністів ». Одна з них - це «Рожеве плаття», написана в 1864 р За всіма ознаками полотно можна віднести до раннього імпресіонізму: колористичні контрасти, увагу до кольору, сонячне освітлення і зупинене мить, то саме, що назвали «враженням». В якості моделі виступала одна з кузин художника Тереза де Хорс. В даний час картина належить Музею Орсе в Парижі.
Каміль Піссаро: «Бульвар Монмартр. Після полудня, сонячно »
Каміль Піссаро прославився завдяки своїм пейзажам, характерною особливістюяких є промальовування світла і освітлених предметів. Його роботи вплинули на жанр імпресіонізму. Художник самостійно виробив багато властиві йому принципи, що лягли в основу творчості в подальшому.
Піссаро любив писати одне і те ж місце в різний час доби. У нього існує ціла серія полотен з паризькими бульварами і вуличками. Найбільш відома з них - «Бульвар Монмартр» (1897 г.). Вона відображає все те чарівність, яке художник бачить в киплячій і невгамовного життя цього куточка Парижа. Розглядаючи бульвар з одного і того ж місця, він демонструє його глядачеві в сонячний і похмурий день, вранці, після полудня і пізно ввечері. На фото нижче - картина «Бульвар Монмартр вночі».
Цю манеру перейняли згодом багато художників. Згадаємо лише про те, які картини імпресіоністів написані під впливом Піссаро. Дана тенденція чітко простежується в творчості Моне (серія полотен «Копиці»).
Альфред Сіслей: «Лужки навесні»
«Лужки навесні» - це одна з найбільш пізніх картин пейзажиста Альфреда Сіслея, написана в 1880-1881 рр. На ній глядач бачить лісову доріжку вздовж берега Сени з селом на протилежному березі. На передньому плані дівчина - дочка художника Жанна Сіслей.
Пейзажі художника передають справжню атмосферу історичної області Іль-де-Франс і зберігають в собі особливу м'якість і прозорість природних явищ, Характерних для конкретних пір року. Художник ніколи не був прихильником незвичайних ефектів і дотримувався простої композиції і обмеженої палітри фарб. Нині картина зберігається в Національній галереї Лондона.
Ми перерахували найвідоміші картини імпресіоністів (з назвами і описом). Це шедеври світового живопису. Зародився у Франції унікальний стиль живопису спочатку був сприйнятий з насмішкою і іронією, критиками підкреслювалася відверта недбалість художників в написанні полотен. Зараз же навряд чи хто наважиться заперечити їх геніальність. Картини імпресіоністів виставлені в найпрестижніших музеях світу і є бажаним експонатом для будь-якої приватної колекції.
Стиль не канув в Лету і має багато послідовників. Наш співвітчизник Андрій Кох, французький живописець Лоран ПАРСЕЛ, американки Діана Леонард і Карен Тарлтон - це відомі сучасні імпресіоністи. Картини їх виконані в кращих традиціях жанру, наповнені яскравими фарбами, сміливими мазками і життям. На фото вище - робота Лорана ПАРСЕЛ «У променях сонця».
Коровін Костянтин Олексійович - видатний російський художник, декоратор, один з найбільших російських художників рубежу століть (19-20). Коровін - майстер пленеру, автор пейзажів, жанрових картин, Натюрмортів, портретів. Народився художник в Москві. Навчався в Петербурзі і Москві, у Саврасова і Полєнова. Костянтин Коровін входив в об'єднання: «Товариство пересувних художніх виставок»,« Союз російських художників »і« Світ мистецтва ». Вважається одним з найяскравіших представників «русского імпресіонізму».
У творчості Коровіна видно прагнення досягти синтетичних живописних рішень через світлотіньові модуляції, гармонію тональних відносин. Такі «Північна ідилія» (1886), «У балкона. Іспанки Леонора і Ампара »(1888),« Гаммерфест. Північне сяйво »(1895) та інші. А поруч речі інший «КОРОВИНСЬКИЙ» орієнтації - портрет солістки Російської приватної опери Т. С. Любатовіч (2-га пол. 1880-х), що привертає вишуканою колористичною концепцією, тріумфально-святковим образним ладом, або етюд початку 1890-х років «Паризьке кафе », де вперше у Коровіна так проникливо переданий ледь вловимий мальовничий« аромат »самого повітря французької столиці.
Ядро методу Коровіна - вміння самий пересічний і навіть явно непривабливий мотив перетворити за допомогою точно побаченого і як би миттєво зображеного колірного його змісту в високе естетичне видовище.
Париж на картинах Коровіна
Перебування в Парижі під час підготовки Всесвітньої виставки - перебування це було вторинним і набагато більш осмисленим - відкрило очі художнику на сучасну французьку живопис. Він вивчає імпресіоністів, настільки співзвучних його прагненням, але залишається чужий всім постімпресіоністичного рухам. У 1900-і роки Коровін створює свою знамениту серію «Парижів». На відміну від імпресіоністів, його види Парижа написані набагато більш безпосередньо і емоційно. У них переважає бажання майстра «зірвати чарівність, яке в даний момент укладено в пейзажі» (за словами учня Коровіна Б. Иогансона).
Художник шукає найтонші перехідні і несподівані стану в житті міста - ранковий Париж, Париж в сутінках, вечірній і нічне місто( «Париж, Ранок», 1906; «Париж ввечері», 1907; «Сутінки в Парижі», 1911). Ранкова імла і трепетний світло постає сонця, бузкові сутінки з ще не потьмянів зеленню дерев і вже запалюються ліхтарями, оксамитова густота темно-синього неба і яскрава гарячкова розсип вогнів нічного Парижа ... Коровін в цих маленьких речах досягає майже документальної істинності зорового враження, а тим часом це призводить до дивовижної натхненності, первозданності образу міста. Завдяки методу комплексного цветотонального рішення він в маленькому етюді домагався, і граничної висказанності на рівні великий завершеної картини, і ефекту хвилюючою емоційної причетності глядача побаченому.
«Мені хочеться, щоб око глядача теж естетично насолоджувався, як вухо душі - музикою», - сказав якось Коровін.
фотографії картин
Париж на картинах Коровіна
"Новий світ народився тоді, коли імпресіоністи написали його"
Анрі Канвейлер
XIX століття. Франція. У живопису відбулося небачене. Група молодих художників вирішила похитнути 500-річні традиції. Замість чіткого малюнка, вони використовували широкий "недбалий" мазок.
А від звичних образів і зовсім відмовилися, зображуючи всіх підряд. І дам легкої поведінки, і панів сумнівної репутації.
Публіка була не готова до живопису імпресіоністів. Їх висміювали, лаяли. А найголовніше, нічого у них не купували.
Але опір було зламано. І деякі імпресіоністи дожили до свого тріумфу. Правда їм було вже за 40. Як Клоду Моне або Огюста Ренуара. Інші дочекалися визнання лише в кінці життя, як Каміль Піссарро. Хтось до нього не дожив, як Альфред Сіслей.
Що ж революційного зробив кожен з них? Чому публіка так довго їх не приймала? Ось 7 найславетніших французьких імпресіоністів, яких знає весь світ.
1. Едуард Мане (1832-1883 рр.)
Едуард Мане. Автопортрет з палітрою. 1878 р Приватна колекціяМане був старше більшості імпресіоністів. Він був їх головним натхненником.
Сам Мані на роль лідера революціонерів не претендував. Він був світською людиною. Мріяв про офіційні нагороди.
Але визнання він чекав дуже довго. Публіка бажала бачити грецьких богинь або натюрморти на худий кінець, щоб красиво виглядали в їдальні. Мане ж хотів писати сучасне життя. Наприклад, куртизанок.
В результаті з'явився "Сніданок на траві". Два денді відпочивають в суспільстві дам легкої поведінки. Одна з них як ні в чому не бувало сидить поруч з одягненими чоловіками.
Едуард Мане. Сніданок на траві. 1863 р Париж Порівняйте його "Сніданок на траві" з роботою Тома Кутюр "Римляни за часів занепаду". Картина Кутюр викликала фурор. Художник миттєво прославився.
"Сніданок на траві" звинуватили в вульгарності. Вагітним абсолютно серйозно не рекомендували на неї дивитися.
Тома Кутюр. Римляни часів занепаду. 1847 р Музей д'Орсе, Париж. artchive.ru На картині Кутюра ми бачимо все атрибути академізму (традиційного живопису XVI-XIX ст.). Колони і статуї. Люди аполлоновской зовнішності. Традиційні приглушені кольори. Манірність поз і жестів. Сюжет з далекого життя зовсім іншого народу.
"Сніданок на траві" Мане - іншого формату. До нього ніхто не зображував куртизанок ось так запросто. Поруч з респектабельними городянами. Хоча багато чоловіків того часу так і проводили своє дозвілля. Це була реальне життяреальних людей.
Одного разу зобразив одну респектабельну даму. Некрасиву. Він не зміг потішити їй за допомогою кисті. Дама була розчарована. Пішла від нього в сльозах.
Едуард Мане. Ангеліна. 1860 р Музей д'Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org Тому він продовжував експериментувати. Наприклад, з кольором. Він не намагався зобразити так званий природний колорит. Якщо сіро-бура вода йому бачилася яскраво-синьою, то він і зображував її яскраво-синьою.
Це, звичайно, дратувало публіку. «Адже навіть Середземне море не може похвалитися такою синявою, як вода у Мане» - кепкували вони.
Едуард Мане. Аржантьой. 1874 р Музей образотворчих мистецтв, Турне, Бельгія. Wikipedia.org Але факт залишається фактом. Мане вкорне змінив призначення живопису. Картина ставала втіленням індивідуальності художника, який пише так, як йому заманеться. Забувши про шаблони і традиціях.
Новаторства йому довго не прощали. Визнання дочекався тільки під кінець життя. Але воно вже було йому не потрібно. Він болісно згасав від невиліковної хвороби.
2. Клод Моне (1840-1926 рр.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 р Приватна колекція Клода Моне можна назвати хрестоматійним імпресіоністом. Так як він був вірний цьому напрямку все своє довге життя.
Він писав не предмети і людей, а єдину колірну конструкцію з відблисків і плям. Роздільні мазки. Тремтіння повітря.
Клод Моне. Малечі. 1869 р Музей Метрополітен, Нью-Йорк. Metmuseum.org Моне писав не тільки природу. Йому вдавалися і міські пейзажі. Один з найвідоміших -.
У цій картині є багато від фотографії. Наприклад, рух передано за допомогою розмитого зображення.
Зверніть увагу: далекі дерева і фігури наче знаходяться в серпанку.
Клод Моне. Бульвар Капуцинів в Парижі. 1873 р (Галерея мистецтва Європи і Америки 19-20 ст.), Г. Москва Перед нами зупинений момент вируючого життя Парижа. Ніякої постановочні. Ніхто не позує. Люди зображені як сукупність мазків. Така безсюжетність і ефект "стоп-кадру" - головна рисаімпресіонізму.
До середини 80-х років художники розчарувалися в импрессионизме. Естетика - це, звичайно, добре. Але безсюжетність багатьох гнітила.
Лише Моне продовжував стояти на своєму, гипертрофируя імпресіонізм. Це переросло в серії картин.
Один і той же пейзаж він зображував десятки разів. У різний час доби. В різні часироку. Щоб показати, наскільки температура і світло можуть змінити один і той же вид до невпізнання.
Так з'явилися незліченні скирти сіна.
Картини Клода Моне в Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні. Зліва: Копиці сіна на заході в Живерні, 1891 р Праворуч: Стіг сіна (ефект снігу), 1891 р
Зверніть увагу, що тіні на цих картинах кольорові. А не сірі або чорні, як було прийнято до імпресіоністів. Це ще одне їх винахід.
Моне встиг насолодитися успіхом і матеріальним благополуччям. Після 40 він вже забув про злиднях. Обзавівся будинком і прекрасним садом. І творив собі на втіху ще довгі роки.
Про саму знаковою картині майстра читайте в статті
3. Огюст Ренуар (1841-1919 рр.)
П'єр-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 року Інститут мистецтва Стерлінга і Франсін Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru Імпресіонізм - це найпозитивніша живопис. А самим позитивним серед імпресіоністів був Ренуар.
У його картинах ви не знайдете драми. Навіть чорною фарбою він не користувався. Тільки радість буття. Навіть саме банальне у Ренуара виглядає прекрасним.
На відміну від Моне, Ренуар частіше писав людей. Пейзажі для нього були менш значимі. На картинах відпочивають і насолоджуються життям його друзі і знайомі.
П'єр-Огюст Ренуар. Сніданок веслярів. 1880-1881 рр. Збори Філліпса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org Чи не знайдете ви у Ренуара і глибокодумності. Він був дуже радий приєднатися до імпресіоністів, які поголовно відмовлялися від сюжетів.
Як він сам казав, нарешті у нього є можливість писати квіти і назвати їх просто "Квіти". І не вигадувати ніяких історій про них.
П'єр-Огюст Ренуар. Жінка з парасолькою в саду. 1875 р Музей Тіссена-Борменіса, Мадрид. arteuam.com Найкраще Ренуар почувався в суспільстві жінок. Він просив своїх служниць співати і жартувати. Чим дурніші і наївні була пісенька, тим краще для нього. А чоловіча балаканина його стомлювала. Не дивно, що Ренуар відомий полотнами в стилі ню.
Модель на картині "Оголена в сонячному світлі" немов проявляється на барвистому абстрактному тлі. Тому що для Ренуара немає нічого другорядного. Око моделі або ділянку заднього фону рівнозначні.
П'єр-Огюст Ренуар. Оголена в сонячному світлі. 1876 р Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org Ренуар прожив довге життя. І ніколи не відкладав кисть і палітру. Навіть коли його руки зовсім скував ревматизм, він прив'язував пензлик до руки мотузкою. І малював.
Як і Моне, він дочекався визнання після 40 років. І побачив свої картини в Луврі, поруч з роботами знаменитих майстрів.
Про один з найчарівніших портретів Ренуара читайте в статті
4. Едгар Дега (1834-1917 рр.)
Едгар Дега. Автопортрет. 1863 р Музей Галуста Гюльбенкяна, Лісабон, Португалія. Cultured.com Дега ні класичним імпресіоністом. Він не любив працювати на пленері (на відкритому повітрі). У нього ви не знайдете навмисно висветленной палітри.
Навпаки, він любив чітку лінію. Чорного кольору у нього більш ніж достатньо. І працював він виключно в студії.
Але все ж його завжди ставлять в ряд з іншими великими імпресіоністами. Тому що він був імпресіоністом жесту.
Несподівані ракурси. Асиметрія в розташуванні об'єктів. Захоплені зненацька персонажі. Ось головні атрибути його картин.
Він зупиняв миті життя, не даючи персонажам отямитися. Подивіться хоча б на його "Оркестр опери".
Едгар Дега. Оркестр опери. 1870 р Музей д'Орсе, Париж. commons.wikimedia.org На передньому плані спинка стільця. Музикант до нас спиною. А на задньому фоні балерини на сцені не вмістилися в "кадр". Їх голови нещадно "обрізані" краєм картини.
Так любив він танцівниці далеко не завжди зображені в красивих позах. Часом вони просто роблять розтяжку.
Але така імпровізація уявна. Звичайно, Дега ретельно продумував композицію. Це лише ефект стоп-кадру, а не справжній стоп-кадр.
Едгар Дега. Дві балетні танцівниці. 1879 р Музей Шелбурн, Вермут, США Едгар Дега любив писати жінок. Але хвороба або особливості організму не дозволяли йому мати з ними фізичний контакт. Він ніколи не був одружений. Ніхто ніколи не бачив його з жінкою.
Відсутність реальних сюжетів в його особистому житті додавало тонку і напружену еротичність його образам.
Едгар Дега. Зірка балету. 1876-1878 рр. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.comons.org Зверніть увагу, що на картині "Зірка балету" промальована тільки сама балерина. Її колеги за лаштунками ледве помітні. Хіба що кілька ніг.
Це не означає, що Дега не закінчив картину. Такий прийом. Залишити в фокусі лише найголовніше. Решта зробити зникаючим, нерозбірливим.
Про інших картинах майстра читайте в статті
5. Берта Морізо (1841-1895 рр.)
Едуард Мане. Портрет Берти Морізо. 1873 р Мармоттан-Моне музей, Париж. Берту Морізо рідко ставлять в перший ряд великих імпресіоністів. Впевнена, що незаслужено. Якраз у неї ви зустрінете всі головні риси та прийоми імпресіонізму. І якщо вам цей стиль подобається, ви полюбите її роботи всією душею.
Морізо працювала швидко і рвучко, перекладаючи на полотно своє враження. Фігури немов ось-ось розчиняться в просторі.
Берта Морізо. Літо. 1880 р Музей Фабра, Монпельє, Франція. Як і Дега, вона часто вже не домалювала деякі деталі. І навіть частини тіла моделі. Ми не можемо розрізнити рук у дівчини на картині "Літо".
Шлях до самовираження у Морізо був важким. Мало того, що вона займалася "недбалої" живописом. Вона ще була жінкою. В ті часи дамі належало мріяти про заміжжя. Після чого будь-яке хобі забувалося.
Тому Берта довго відмовлялася від шлюбу. Поки не знайшла чоловіка, який шанобливо поставився до її зайняття. Ежен Мане був рідним братом художника Едуарда Мане. Він покірно носив за дружиною мольберт і фарби.
Берта Морізо. Ежен Мане з дочкою в Буживале. 1881 р Мармоттан-Моне музей, Париж. Але все ж справа була в XIX столітті. Ні, штани Морізо не наділа. Але повної свободи пересування вона собі дозволити не могла.
Вона не могла піти в парк працювати на самоті, без супроводу когось із близьких. Не могла посидіти одна в кафе. Тому її картини - це люди з сімейного кола. Чоловік, дочка, родичі, няні.
Берта Морізо. Жінка з дитиною в саду в Буживале. 1881 р Національний музейУельсу, Кардіфф. Морізо визнання не дочекалася. Вона померла вона в 54 роки від запалення легенів, що не продавши за життя майже жодної своєї роботи. В її свідоцтві про смерть в графі "рід занять" стояв прочерк. Немислимо було жінці зватися художником. Навіть якщо вона їм насправді була.
Про картинах майстра читайте в статті
6. Каміль Піссарро (1830 - 1903 рр.)
Каміль Піссарро. Автопортрет. 1873 р Музей д'Орсе, Париж. Wikipedia.org Каміль Піссарро. Неконфліктний, розсудливий. Багато його сприймали, як вчителя. Навіть самі темпераментні колеги про Піссарро погано не говорили.
Він був вірним послідовником імпресіонізму. Сильно потребуючи, маючи дружину і п'ятьох дітей, він все одно наполегливо працював в своєму улюбленому стилі. І жодного разу не переключився на салонну живопис, щоб стати більш популярним. Чи не відомо, звідки він брав сили до кінця вірити в себе.
Щоб зовсім не померти з голоду, Піссарро розписував віяла, які охоче розкуповували. А справжнє визнання до нього прийшло вже після 60 років! Ось тоді він зміг забути про нужду.
Каміль Піссарро. Диліжанс в Лувесьенне. 1869 р Музей д'Орсе, Париж Повітря на картинах Піссарро густий і щільний. Незвичайний сплав кольору й обсягу.
Художник не боявся писати самі мінливі явища природи, які показуються на мить і зникають. Перший сніг, морозне сонце, довгі тіні.
Каміль Піссарро. Іній. 1873 р Музей д'Орсе, Париж Найвідоміші його роботи - види Парижа. З широкими бульварами, марного строкатим натовпом. Вночі, вдень, в різну погоду. У чомусь вони перегукуються з серіями картин Клода Моне.
