Genul Pobutovy (I. Firsov, M. Shibanov, I. Ermenev)

Arta sfântă, apărută în secolul al XVIII-lea, a dat prioritate genului portretului și picturii istorice. Inclusiv un număr de artiști ruși, care au fost pregătiți în Rusia dincolo de cordon, denunțând pictura rusă, li s-a cerut fahivtsy din Europa. Gen peisaj z'yavivsya dosit pіzno. Prima apariție a fost atribuită fundațiilor Academiei de mistici din Sankt Petersburg, care în 1767 a fondat clasa de peisaj, care a pregătit pictorii peisagişti. Consolidarea acestui gen a fost adoptată de aceeași clasă de perspective și decoruri teatrale, vedetele arătau ca o mulțime de pictori de peisaj. Universitățile de specialitate, inclusiv cele din regiune, au fost înființate la clasa de gravură.

Clasa de peisaj din 1776 până în 1804 Semyon Șcedrin. Din perspectiva clasei viyshov vіdomy pictor peisagist Fedir Aleksiev. Din zgomotele clasei de decor teatral, a fost greu. Prin urmare, în 1776, academicul Rada a luat o decizie privind trimiterea a doi academicieni la maestrul de teatru - Yakov Gerasimov și Fedora Matveeva, cu ajutorul unui peisagist

Dezvoltarea genului peisagistic este de mare importanță pentru recrutarea pensionară a celor mai talentați absolvenți ai Academiei. După ce au studiat în Italia și Franța cu marii maeștri, pensionarii și-au perfecționat măiestria, ajungând la nivelul artei europene. Faimoși pictori peisagisti ruși au vizitat cordonul (și diaconii s-au pierdut acolo): Maxim Vorobyov, Oleksandr Ivanov, Mikhailo Lebedev, Semyon Shchedrin, Fedir Matveyev, Fedir Aleksyev, Sylvester Shchedrin și mulți alții. Tse a permis genului peisaj să se uite arta europeanași continuă să-ți trăiești viața rusească, cunoscându-ți propria înfățișare, cercetând problemele realității spirituale a țării.

Fedir Iakovich Aleksiev (1753 - 1824)

Zrobiv prima recoltă a picturii peisajelor rusești este similară cu imaginea reală a peisajului. Subiectul artei yoga a devenit orașul Moscova. Pentru acest sens al peisajului rusesc a fost conturată o linie de perspective rusești. Aleksiev creează peisaje îmbătătoare, uluitoare, cu o vedere panoramică a planurilor. Perspectivă și povitryane mijloc - componente virishalny ale peisajelor de yoga. Roboții artistului nu țin cont de ideea că poza este într-un mod peisagistic, duhoarea este atenuată de elementul de estompare artistică a subiectului imaginii. Voievodul scăzut al tonurilor reci cântă peste perspectivele din Petersburg. Pictura în lumină reflectă culoarea reală a locului, iar calea de mijloc arată lauda emoțională a artistului. Interpretarea peisajului într-un mijloc aparent redundant a devenit o inovație în arta rusă. Poate, mai puțin decât olandez, Claude Lorrain și Joseph Turner s-au îndreptat către altcineva, devenind unul dintre principalii contribuitori la prețuirea celor de la malovnichesky. Localnicii Oleksieva sunt cu ochi spioni. Curgeți calm ușor pentru a da pace roboților. În peisajele din Petersburg, Aleksiev vede infuzia lui Francesco Guards, care se îndreaptă spre panorame uluitoare când înfățișează Veneția.

La vederi la Mykolayev și Herson artistul a atașat mai mult respect obiectivității. Peisajele lui Aleksiev sunt slab populate de oameni, dar acolo, din greșeală de asemănarea genului cap la cap, tema peisajului este depășită.

Aleksiev reprezintă locul ca un fel de misticism și întregul vieții sale, și nu doar savurând trăsăturile sale arhitecturale ( Vedere de la Insula Vasilievsky la terasamentul Angliyskaya, anii 1810). Navpaki, peisajele Moscovei accentuează respectul pentru memoriile antichității, pentru „ruine”, peisajele puternice pentru clasicism. Misto Aleksiev Zhvave, locuit de oameni harnici, mai ales în picturi din Piața Chervona din Moscova(1801) că imagini cu terasamentele Sankt Petersburgului. Unele picturi nu sunt similare cu peisajele lui Semyon Shchedrin sau Benjamin Patersen.

Nașterea lui Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804)

Peisajul de la viconanul Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) a luat forma ca un gen independent, neacoperit cu lut nisipos de diferite feluri. Cebulele nu sunt corecte în vederile în perspectivă, dar imaginile sunt nepotrivite vizual. Fiind pensionar al Academiei Misticii, Șchedrin a început în Franța, după ce l-a patronat pe ambasadorul Rusiei la Paris, prințul TAK Golițin, de fapt, primul explorator mistic rus, care a scris un text despre teoria și istoria misticismului. Judecând după lucrările timpurii ale lui Shchedrin Opivdni(1779), urmând urmele respingerii în Italia, artistul a respins sub o clară infuzie de clasicism.Clasicismul are propria idee și concept plastic. Sarcina intrigii și temelor poate fi văzută în pictura Noon, întrucât artistul și-a luat titlul de academician. O parcelă caracteristică cu turmă și ruine, tipică clasicismului, este schema de culori, care împarte compoziția pe plan - maro aproape și albastru în depărtare, interpretând decorativ copacii, nu naturali, dar transformați într-o întuneric pufos, care a fost apariția genului peisajului pictat.

Picturile peisagistice au fost destinate să înfrumusețeze palatele, iar în acest scop, au fost comandate din panourile palatului, aveau funcții decorative. Aceste funcții au marcat schimbarea și structura perioadei de la Sankt Petersburg a lucrării lui Shchedrin, inclusiv cele pe care le-a celebrat în 1792-1798 pe peisajele de șevalet: Mlyn lângă Pavlovsk (1792), vedere la Palatul Gatchina de pe insula Dovgy (1796), vedere la Parcul Gatchina (1798).

Este imposibil de spus că peisajul este similar cu scrierile lui Shchedrin. Yogo are un aspect specific, dar se transformă destul de mult într-un artist.

În 1799-1801, Shchedrin a scris despre rugăciunea lui Paul I panou pentru castelul lui Michael. Artistul lor nu doar că a încercat să stăpânească desenul decorativ al manierelor sale, ci și-a schimbat natura peisajului ca gen, pe care o inventase în mulți roboți. La panoul Kam'yaniy ceață de lângă Gatchina era un pătrat al Constabilului, iar recunoașterea peisajului lui Shchedrin se schimbă acum. Panoul se incadreaza in interiorul palatului, fiind in concordanta cu scopurile decorului principal al golfului. Peisajul însuși, care este o reprezentare a lumii, nu devine altceva decât un impuls pentru implementarea unei alte funcții a creativității, un stil arhitectural interior. Autonomia peisajului ca gen independent, căruia i se dă puțin mai devreme sarcina de a decora interiorul palatului. Vedetele cântă creația, care nu are transmiterea exactă a subiectului imaginii, puterea stiulețului decorativ. Funcții de creație decorativă și versatară a diversității. În conformitate cu desenele decorative, genul peisajului s-a transformat într-o iluzie a genului, îmbrățișând sau sunând în același timp independența formulării problemelor de gen și peisaj, îmbunătățirea acelei vieți creative.

Genul Pobutovy

În cealaltă jumătate a secolului al XVIII-lea. Pictura rusă are primele cupluri gen de buton. Academia a privit genul pobutovy ca fiind unul inferior împotriva picturii istorice, precum și a picturii. Genurile recomandate de Academie au adus pictura pobutovului la un simplu pobutopis, i-au orientat pe artiști spre micii maeștri ai picturii olandeze a secolului al XVII-lea. Scenele de gen, care sunt permise de estetica academică în peisaje, au un mic caracter etnografic idilic.

În opoziție cu care, în arta rusă, încep să creeze lucruri care pictează cu adevărat imaginea unui țăran rus. Tema acestor prime realizări ale picturii de gen realiste rusești poate fi exprimată clar în direcția democratică. Una dintre primele creații în limba rusă gen de buton- pictura Ivan Firsov (născut în 1733 - după 1784) „Pictor junior” (1765-1770; Galeria Tretiakov), Vikonan de către artist, probabil, la Paris, și în mod clar spire pe dosvіd picturii franceze de gen realist. Imaginea înfățișează scena într-un maestru artistic, scrisă în culori moi gri-corn. Este atrasă de interesul artistului pentru viața privată a oamenilor din clasa de mijloc și este adoptată de simpatie pentru imaginile oamenilor.

Până la cele mai semnificative evenimente din Galuzia genului rusesc, doi roboți ai greutății artistul Mihail Shibanov. Yogo activitate creativă(Vіn pratsyuvav îmi place un portretist) a izbucnit în anii 1770. Până la ce oră să pun poze de yoga „Ofensa țărănească”(1774) că „Sfânt pentru fericitul acord”(1777) (infracțiuni la Galeria Tretiakov). Toate imaginile din prima imagine - țăranul bătrân, și cel bătrân, care alege să mănânce, și tânărul, pâinea picanta și femeia, care este gata să fie copil, - adică, vikonnі pochutya vlasnoї dnostі. La un moment dat, duhoarea se face individual: artistul comemorează seriozitatea urochistului și îl urmărește pe cel vechi în persoană, baiduzhistul bătrânei în bătrân, slăbirea streamerului la poza virazului tinerei țărănci cu copil. Simplitatea compoziției, în care toate detaliile obscene sunt omise, strimanitatea și îndrăzneala colorării tabloului, pătată în tonuri de maro, sporesc semnificația imaginilor. Realism, noblețe spirituală a imaginilor tamanului și „Sfântul Tratatului de primăvară”, compoziția unui fel de deshcho denaturat de canoanele academice. Atitudine plină de respect față de sătean că viața este evidentă aici prin faptul că artistul transmite acuratețea etnografică a particularității sărbătorii de Crăciun din sat și nu este suficient să dezvăluie semnificația sa estetică.

Ultimul fenomen semnificativ în arta rusă din cealaltă jumătate a secolului al XVIII-lea. a apărut creativitatea Ivan Oleksiovici Iermenev(1746 - după 1792), chiar ceva mai tânăr. În anii 1770. їm bula vykonana o serie de acuarele, care înfățișează zhenkiv-slepts, care rătăcesc pe cărări sau dorm în mediul rural. Imaginați-vă aceleași căsătorii ale lui Yermenev pentru ușurarea măreției îndurerate. Acești indivizi suferinzi suvori, îndoiți de afecțiuni și figuri malefice, îmbrăcați în shati vechi, care cad drept, în pliuri mari, răzbune elementele de monumentalitate.

Tranziția primelor genuri rusești la teme rurale este neviabilă. După războiul satului 1773-1775 r.b. Mâncarea satului a cauzat o mulțime de probleme, care au lăudat inteligența nobilă. Problema satului a devenit principala in viata primei jumatati a inaintarii, secolul al XIX-lea; Pe această bază s-a format genul rus pobutovy.

În felul acesta, pentru pictura rusă a secolului al XVIII-lea, a fost perioada naționalizării și formării principalelor genuri - pictura istorică, genul fund, peisajul; tse buv prima perioadă a rozkvіtu strălucitoare a artei portretului rusesc. Tendințele realiste ale picturii ruse din acest secol au fost cel mai profund și în cele din urmă luate de ele însele în portrete. Un portret al vârfului epocii, valoarea specialității umane. La cele mai bune trăsături ale portretului rusesc al acelei ore de putere, concretețea și intensitatea emoțiilor caracteristicilor psihologice, diversitatea și sfârșitul tipurilor în sine imagine portret. Un portret rusesc realizat din yaskrav și o contribuție originală la dezvoltarea picturii portretistice europene din secolul al XVIII-lea.

În cealaltă jumătate a secolului al XVIII-lea. În pictura rusă s-au format regulile creării unei picturi bogate figurative, bazate pe intriga, care a inspirat principiile clasicismului. Aici ei și-au cunoscut expresia idealurilor patriotice și hromada ale epocii. Mayuchi duje de mare valoare pentru cultura rusă la vremea ei, creați pictură istorică într-o clipită, protejați, compromiteți în mod semnificativ portretul pentru o obiectivitate egală a interpretării acțiunii, pentru o maiestrie artistică egală.

În cealaltă jumătate a secolului al XVIII-lea. Se formează pictura rusă de peisaj, care ajunge la sfârșitul perioadei analizate a primelor succese în modelarea metodei de reflectare veridică a imaginii lumii. Ce au venit la noi creatorii genului rusesc by-butt și, pentru caracterul lor și prin nenumărația lor vizuală, nu devin direct unul artistic solid; De exemplu, în cei mai scurti roboți de acest fel, aceste tendințe pozitive sunt așezate, ca și în noua perioadă istorică - în secolul al XIX-lea - au zgârcit dezvoltarea miraculoasă a tabloului complot rusesc, dedicat vieții oamenilor.

Pollot.

W XVII art. peisajul topografic al peisajelor se extinde pe scară largă (gravuri - german M. Merian și ceh V. Gollar), dezvoltarea unui fel de bul bogat în ceea ce a fost conceput prin aricarea unei camere obscure, care a permis, cu o acuratețe dosi neterminată. , pentru a transfera motivele okre pe pânza de papirus. Un astfel de peisaj în secolul al XVIII-lea. ajunge la înțelegerea celor mai populare și strălucitoare Vede ale lui Canaletto și B. Belotto, care exclamă clar noua etapaîn istoria peisajului, lucrările lui F. Guards, care sunt văzute ca creații virtuoase ale unui centru plictisitor, plin de lumină. Peisajul speciei în secolul al XVIII-lea. a jucat un rol vital în formarea peisajului în liniște tari europene, de la XVIII Art. buv gen peisaj independent (Zokrema în Rusia, cei mai mari reprezentanți ai acestui tip de peisaj au fost artiștii grafici A.F. Zubov, M.I. Makhaev, pictorul F.Ya. Aleksiev).

Gen peisaj z'yavivsya dosit pіzno. Prima apariție a fost atribuită fundațiilor Academiei de mistici din Sankt Petersburg, care în 1767 a fondat clasa de peisaj, care a pregătit pictorii peisagişti. Întărirea acestui gen a fost adoptată de aceeași clasă de perspective și decoruri teatrale, vedetele arătau ca o mulțime de pictori de peisaj. Universitățile de specialitate, inclusiv cele din regiune, au fost înființate la clasa de gravură.

Clasa de peisaj din 1776 până în 1804, profesor al Academiei de Arte Semyon Shchedrin. 3 clasa viish perspectiva vіdomy peisagist Fedir Alexiev. Din zgomotele clasei de decor teatral, a fost greu. Prin urmare, în 1776, academicianul Rada a luat o decizie cu privire la direcția a doi academicieni către maestrul de teatru - Yakov Gerasimov și Fyodor Matveyev, un pictor peisagist care fusese ales de el.

Dezvoltarea genului peisagistic este de mare importanță pentru recrutarea pensionară a celor mai talentați absolvenți ai Academiei. După ce au studiat în Italia și Franța cu marii maeștri, pensionarii și-au perfecționat măiestria, ajungând la nivelul artei europene. Au încercat în afara cordonului, și au dehto și au rămas blocați acolo. Peisagişti ruşi: Maxim Vorobyov, Oleksandr Ivanov, Mikhailo Lebedev, Semyon Shchedrin, Fedir Matveev. Fedir Aleksiev, Sylvester Shchedrin și mulți alții. Tse a permis genului peisagistic să se uite la arta europeană și să continue să-și trăiască viața rusească, cunoscându-i aspectul, privind problemele realității spirituale a țării.

Peisajul de la viconanul Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) a luat forma ca un gen independent, neacoperit cu lut nisipos de diferite feluri. Cebulele nu sunt corecte în vederile în perspectivă, dar imaginile sunt nepotrivite vizual. Fiind pensionar al Academiei Misticii, Șchedrin a început în Franța, după ce l-a patronat pe ambasadorul Rusiei la Paris, prințul TAK Golițin, de fapt, primul explorator mistic rus, care a scris un text despre teoria și istoria misticismului. Judecând după lucrările timpurii ale lui Shchedrin Opivdni(1779), urmând urmele respingerii în Italia, artistul a respins sub o clară infuzie de clasicism. O parcelă caracteristică cu turmă și ruine, tipică clasicismului, este schema de culori, care împarte compoziția pe plan - maro aproape și albastru în depărtare, interpretând decorativ copacii, nu naturali, dar transformați într-o întuneric pufos, care a fost apariția genului peisajului pictat.

După sosirea în Rusia, Shchedrin a scos o serie de modele pentru pictarea panourilor peisagistice pentru Castelul Mihailovski (1799-1801), picturi murale și panouri pentru Gatchina, Pavlovsk și Peterhof. AA Fedorov-Davidov a marcat dezvoltarea artei parcului în secolul al XVIII-lea, pe care a adăugat-o picturii lui Shchedrin. În mod regulat, în spiritul englezesc, au fost create parcuri lângă Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, Gatchina. Picturile peisagistice au fost destinate să înfrumusețeze palatele, iar în acest scop, au fost comandate din panourile palatului, aveau funcții decorative. Aceste funcții au marcat schimbarea și structura perioadei de la Sankt Petersburg a lucrării lui Shchedrin, inclusiv cele pe care le-a celebrat în 1792-1798 pe peisajele de șevalet: Mlyn lângă Pavlivska(1792), Vedere a Palatului Gatchina de pe Insula Dovgy(1796). Vedere spre parcul Gatchina(1798). Artistul a luat de la ei semne de inteligență: culoare maro, troci de verde și negru umflat, lemn „fără rasă”, figuri de personal, care indică motivul privirii. La imagine nibi a prins ora, și în vimagaє înțelegere.

Este imposibil de spus că peisajul este similar cu scrierile lui Shchedrin. Yogo are un aspect specific, dar se transformă destul de mult într-un artist. Deci, în peisaj Mlyn lângă Pavlivska Decorativitatea frunzei este clar vizibilă, pare a fi inspirată de un baroc redundant, de parcă nu s-ar fi produs odată cu apariția unei noi ore. Se pare că stilul picturii icoanelor rusești din secolele XVII-XVIII, precum și interioarele barocului Narishka, s-au lipit în „barocul Shchedrin”. În două vederi - Palatul Gatchina de pe Insula Dovgogo și Parcul Gatchina - un șir de copaci decorativi și tratați se uită prin, inspirați de lumina argilei spațiului real. Urmați stilistica clasicismului, nu sunt simpatici, ci rozuminnya peisajului, ca o imagine a unui pământ idilic, reafirmând conceptul de clasicism, care corectează natura „falsă” a celor care sunt egali cu antichitățile. Natura, așa cum este tăiată sub un ochi decorativ standard, este departe de natura rusă. Peisaj - propriul stil de canon, vikonaniya pentru regulile stilului gritty. Ale, în noua zest_chaєtsya și paza vie a naturii, de parcă ar fi fost destinată ca bajanii să capteze uimirea naturii și frumusețea realității. Mai mare bezperedno realitate insuflată în două Vederi la Palatul Kamyanostrivsky(1803 și 1804). Râul și palatul sunt scrise după regulile perspectivei. Duhoarea înțeleasă și plauzibilă. La imagine se poate observa afluxul unui alt pictor peisagist - Fyodor Aleksiev cu yoga și întinderi de la marginea Sankt Petersburgului. În peisajele din Shchedrin, imaginea a fost impregnată de creativitate. Creațiile peisajului erau o presupunere, la baza căreia stătea uitându-se la o masă întreagă de beton, dar au existat câteva modificări care m-au lăsat să ghicesc despre yoga prototip real. Să văd peisajul din Shchedrin ca pe un peisaj de prototipuri, dar nu să văd lumea. Din motive, peisajele nu pot fi recunoscute ca specii, indiferent de cele pe care le pot numi Vioi.

Clasicismul are propria idee și concept plastic. Sarcina complotului și cele pot fi văzute în imagine Amiază', pentru iac mitets, luându-și titlul de academician. Programul academic a pedepsit: „Dezvăluie opivdni, de nevoie de subțire, ciobani și ciobani, adesea vulpi, arsuri, tufișuri și altele”. Scene bucolice similare sunt descrise în picturi Vedere la periferia vechii Rusii(1803) că Teren cu păstori și turmă. un fel de Arcadie rusească în prezența nimicului somnoros cu realitatea. Artistul, care a realizat ideologia artei clasice în peisaj, al cărei sistem de creare a imaginii transmitea distanța dintre realitate și viziune, dând prioritate imaginii vizionar-vigadanismului vieții și inteligenței și interpretării plastice.

În 1799-1801, Shchedrin a pictat un panou pentru Castelul Mihailovski cu ocazia rugăciunii lui Paul I. Artistul lor nu doar că a încercat să stăpânească desenul decorativ al manierelor sale, ci și-a schimbat natura peisajului ca gen, pe care o inventase în mulți roboți. În panou Locul de piatră de lângă Gatchina a fost construit de conetabil. sentimentul că recunoașterea de către Șchedrin a peisajului se schimbă acum. Panoul se incadreaza in interiorul palatului, fiind in concordanta cu scopurile decorului principal al golfurilor. Peisajul însuși, adică imaginea lumii, devine doar un impuls pentru implementarea celeilalte funcții a creației, supusă stilului arhitectural al interiorului. Autonomia peisajului ca gen independent, căruia i se dă puțin mai devreme sarcina de a decora interiorul palatului. Vedetele cântă creația, care nu are transmiterea exactă a subiectului imaginii, puterea stiulețului decorativ. Funcții de creație decorativă și versatară a diversității. În conformitate cu desenele decorative, genul peisajului s-a transformat într-o iluzie a genului, îmbrățișând sau sunând în același timp independența formulării problemelor de gen și peisaj, îmbunătățirea acelei vieți creative.

Fedir Yakovich Aleksiev (1753 - 1824) a creat prima picătură a picturii peisagistice rusești pe baza imaginii reale a peisajului. Subiectul artei yoga a devenit orașul Moscova. Pentru care toate senzațiile din peisajul rusesc au o linie de perspective răutăcioase, unde arta Canaletto, Bellotto, Gardienii și alții a scăzut.

Aleksiev creează peisaje îmbătătoare, uluitoare, cu o vedere panoramică a planurilor. Perspectivă și povitryane mijloc - componente virishalny ale peisajelor de yoga. Roboții artistului nu țin cont de ideea că poza este peisagistică, mirosul elementului din ipostaza este atenuat de încețoșarea artistică a subiectului imaginii. Motivul mai scăzut al tonurilor reci este predominant în perspectivele din Petersburg. Pictura în lumină reflectă culoarea reală a locului, iar calea de mijloc arată lauda emoțională a artistului. Interpretarea peisajului într-un mijloc aparent pictat a devenit o inovație în arta rusă. Poate că, mai puțin decât olandezii, Claude Lorrain și Joseph Turner s-au îndreptat către altcineva, devenind unul dintre principalii contribuitori la prețuirea lor de către malovnichesky. Localnicii Oleksieva sunt cu ochi spioni. Curgeți calm ușor pentru a da pace roboților. În peisajele din Petersburg, Aleksiev vede infuzia lui Francesco Guards, care se îndreaptă spre panorame atunci când înfățișează Veneția.

În viziunea lui Mykolaiev și Herson, artistul a adăugat mai mult respect pentru obiectivitate, caracteristică lucrărilor lui Antonio Canaletto și mai ales Bernardo Bellotto. Marginea lui Aleksiev este slab populată de oameni, dar acolo, din greșeală de asemănarea genului cap la cap, tema peisajului este depășită. În viața lui Canaletto, nu există loc pentru tăierea imaginii, așa că este important să se termine genul, în funcție de subiectul imaginii. Genul vzagali își schimbă adesea esența, evocând simțul greșit, ca un vin. Peisajul lui Canaletto nu este un fel de lumesc, ci o etalare a vieții unui loc. O astfel de versatilitate este foarte importantă, deoarece este imposibil să se evalueze o lucrare uitându-se la tipologia de gen. Similar cu Canaletto, Aleksiev reprezintă locul și ca un fel de misticism, și în integritatea vieții sale, și nu doar bucurându-se de el cu caracteristici arhitecturale. (Privind de la insula Vasilievsky la terasamentul englezesc, anii 1810). Navpaki, peisajele Moscovei accentuează respectul pentru memoriile antichității, pentru „ruine”, peisajele puternice pentru clasicism. Locul Aleksiev Zhvave, locuit de oameni harnici, mai ales lângă tablou Piața Chervona lângă Moscova(1801) și imagini ale terasamentelor din Petersburg. Unele picturi nu sunt similare cu peisajele lui Semyon Shchedrin sau Benjamin Patersen.

Peisajele Moscovei sunt uluitor de uluitoare în peisajele deschise, luminoase și aerisite din Sankt Petersburg. Se dovedește că toată lumea pare să fie înaintea curbei, cu o privire de acceptare la discurs. Capitala antică apare în aureola „vemurilor vechi”, verde din - patina mută Malyunka are o vigilență tamană care deformează natura. Prin această imagine, se câștigă caracterul decorativ, care trage arta înapoi - la Semyon Shchedrin. Peisajul lui Aleksiev s-a prăbușit cu valuri. Îndreptarea venelor cu o cale de minuțiozitate realistă, apoi trecerea la decorativitatea unei mari autorități superficiale.

Peisajul rusesc a apărut, de fapt, ca un peisaj rusesc, care a introdus esența corecțiilor în schema clasică. Vіn ruinuvav її, mai mult decât nebun cu ideile de maiestuos, patetic, gromadyanskogo mystekstva până la clasicism - peisajul rusesc de la bun început a fost stabilit ca un gen scăzut, cioburi de nebunie au fost transformate în viața rusă, până la - genul butovy, în mod clar dispărut. Creativitatea lui Aleksiev se deosebește de arta rusă a secolului al XVIII-lea. S-a amestecat cu decorativismul lui Semyon Shchedrin și clasicismul lui Fiodor Matveev, dar s-a despărțit de ele, transmițând în mut tendințele realiste ale peisajului îndepărtat.

Fedir Matviyovich Matveev (1758 - 1826) a continuat visul renascentist despre armonia vieții. Clasicismul s-a oprit cu un fler renascentist, întemeiat, cu propriul său pământ, pe legende evanghelice. Adunând nostalgia unei vieți armonioase, regretăm vechimea irosită. Peisajul clasic al secolului al XVIII-lea îmbină manifestarea vieții frumoase cu realitățile străvechi, care cresc cu adevărat și spun dacă armonia dintre oameni și natură este în armonie. Peisajul clasic al lui Matveev este exagerat de elegiac. Sunt străin de claritatea lui Lorraine, care este citită de un imn, dormind prin soare și lumină. Peisajul lui Matveev este o elegie ușoară care sună pe aceeași notă, în care realitatea s-a reunit în trecut. Peisajul pare a fi retrospectiv nu din cauza stilului, ci din cauza stărilor de spirit care i-au dominat pe artiștii Renașterii, care corectează armonia spirituală a artei vechi, văzând bazhanii pentru realitate. rim razvaliny foruma

Elemente de salvare și decorative Matveev. De ce să vorbim despre cei pe care clasicismul viris iz pictura decorativa, Salvați її plastic ca atavism. Decorativitatea se vede în stilizarea naturii. Varietatea formelor este dominată de imaginea copacilor, frunze vicariate lucioase, tunsoare, mute din planul mijlociu, precum și culoarea, evident albăstruită sau supraverde.

Creativitatea lui Matveev dă vina pe filozofia peisajului, înțelegerea prin marginea problemelor de vedere a luminii. Peisajul sună ca niște simfonii creatoare de imagini, unde gândurile autorului despre întinderea luminii, despre nedeterminarea fundamentului pământesc sunt clar audibile. Filosofia este modelată de un contur intriga.

În clasicism, crearea de imagini se bazează pe transformări mentale ale televizorului pe tema urâțeniei reale a naturii, a mediilor naturale și realiste. Clasicismul Matei cob XIX secolul mai zovsіm іnhu tema, clasicismul inferior al secolului al XVIII-lea. Anterior, clasicismul fanteza pe acele străvechi și mitice (Mikola Poussin, Claude Lorrain), acum este la fel de real ca realitatea, în care este luat un aspect: „rămășițele” culturii antice, refăcute de artistul forme de activitate iluzorie.

„Mare” (în terminologia clasicismului) este extras din natura însăși, unde este adunat motivul măreț al munților grandiosi și al spațiilor deschise și depășit de ruinele amintirilor străvechi. Dacă Petro Cekalevsky a spus că pictorul „preluează în întregime vederea naturii în cel mai bun mod, de fiecare dată când există părți din locuri bogate și frumusețea oamenilor bogați”, atunci Matveyeva stătea în fața noastră. Această legătură cu realitatea s-a transformat într-o idealizare – semn al unui peisaj clasic. Fedorov-Davidov scrie: „În clasicism, peisajele din natură și peisajele par să nu se unească, aptitudinile se luptă între ele”2. Tendința naturală este ca un bipodkoryaєtsya vigadtsі. Fedorov-Davidov induce cuvintele lui Matveєva, care confirmă mirkuvannya „Artistul nu vrea să te priveze de ornamentele tale frumoase și naturale, ca și cum ar spune, navmisne zroblenі artist.”

Creativitatea lui Matveyeva are o mentalitate înainte de a prezice trecutul culturii într-un mod diferit, mai jos în Claude Lorrain sau Hubert Robert, ruinând caracterul ghicitorului, dar în același mod arhitectura renascentist. Ruinele lui Matei au un caracter potrivit: Colosseumul, de exemplu, Templul Paestum (Peisaj eroic). Aspectul real a luat prisma creativă a conceptului „transformator” al autorului. Destul de des, ca la Vederea Romei. Colosseumul, naturalețea minții începe să prevaleze asupra „filozofiei” și peisajului, nerespectând severitatea arhitectonicii clasice, arătând ca o minunată imagine naturală. Unii oameni cred că arta lui Matveev este un instrumentar al regulilor aplicate clasicismului. Adevărat, creativitatea yoga transmite normativitatea clasicistă. Compozițiile sunt pline de regularitate, flancate de copaci, orizontale vrіvnovazhuyusya girsky și verticale arhitecturale. Acea vedere asupra Romei, Colosseumul poate fi rezonabil corectă. Cel nou are o împărțire strictă a planurilor: prima scriere este detaliată, raportabilă; shot-ul din mijloc, pentru a răzbuna ideea principală a peisajului, colorarea verdeață, imaginea îndepărtată a „tanya” într-o seceră albăstruie, servind ca un fel de cenuşă pentru complot. Cu toate acestea, în alți roboți bogați, Matveev a salvat principiile unui peisaj decorativ. La Vidі din Paestum, schema clasică a culisei a fost distrusă de un grup de copaci, plantați în mayzhe din centrul compozițional. În peisajul eroic, masa de copaci din partea dreaptă a imaginii preia slăbiciunea părții opuse a părții stângi. Elementele de pictură decorativă, care nu sunt înconjurate de o compoziție mixtă, sunt salvate de la adoptarea unei minți decorative, a unui stabil și unic. Cei mici sunt grei la decorativitate, mai ales de remarcat prin faptul că sunt sculptate frunzele de piele ale coroanelor maiestuoase ale copacilor, care se citesc clar pe cerul mocnit. Clasicismul secolului al XIX-lea a salvat decorativismul de la sfârșitul secolului al XVIII-lea de rafinamentul obiectului și colorația maro, care poate avea două sau trei culori mizerabile. Culoarea lui Matveev se estompează, devine plictisitoare, nu stârnește emoții. Golovnya - o compoziție și micuți, uneori clare, alteori monogramate, încurcate și răsucite. Vibrarea unui șablon pentru a produce un rezultat: tvіr i transformation vhodyachi z reality. Natura în peisaj Vedere la periferia Bernei (1817), fiind transformată în forme reale și transformându-se într-o panoramă grandioasă ideală, nu a fost reprezentată o masă anume, ci conceptul artistului despre „tot pământul” a fost desenat în . Matveev poate avea propria sa versiune a peisajului ideal. Nu începe un vin eroic și grozav. Idealizarea nu se referă doar la imaginea pământului frumos, ci și la cremă, din care se formează întregul. De exemplu, copacii deștepți, miros pentru a adăuga la ideea unui arbore de trandafir, dar încă își transmit mintea corectă.

Peisajul cu figuri în rochie antică amintește de detaliile detaliate ale imaginii, filigranul lucrării. Primul plan și coroana copacului sunt dreptaci, realizate cu precizie de bijuterii. Prote chi to superechit chi retelnіst sheet zagalnennosti imagine? Lumea cântând nebunește. Ale este mai puțin la nivelul zagalnennya realist. În clasicism, pare a fi mai agravat. Imagine clasică de același tip. Vіn nu vіdgukuєtsya cu privire la caracteristica detaliilor și a întregului. Vіn naște un ideal de imagine, care poate fi recunoscut ca fiind o calitate. În această variantă, arborele inculcă o afirmație despre flora bogată. Acesta nu este un simbol, ci mai degrabă o mișcare, „un detaliu tipic * într-un sistem de lumi mistice clasiciste. Cu mici variații, există și alte elemente (ruine, arsuri, râuri, ridicări, văi) care figurează în toate interpretările naturii. Artistul, ca un arhitect, operează cu detalii tipice*, matrici imaginative obosite, construind recompense, modelând emoțional imaginea lumii.

Lumina lucrărilor lui Matei este nestăpânită. Arde urochistul și static, cerul este calm și luminat, râurile sunt netede și calme. Imaginea lumii la indestructibilitatea ei rațională va scho să reziste celuilalt element al său - marea agitată. Și de îndată ce focul se topește ca simbol al calmului clasic, atunci marea și cascadele sunt semnul unui capriciu romantic.

Peisajele de la începutul secolului al XIX-lea (cel mai important, absolvenții Academiei de Mitică) nu ating culmi artistice. Prote deyakі їх crea nespodіvanno vyslovlyuyut vyznachnuyu tendință. Astfel, peisajul de culoare națională este prezentat în pictura lui Andriy Yukhimovich Martinov (1768 - 1826). Vedere asupra râului Selenga din Siberia (1817) de Timofy Oleksiyovich Vasiliev (1783 - 1838). ai grijă de semnificația clasică și de amploarea vederilor. Ale tse nu sunt peisaje eroice, deși duhoarea este orientată spre efectele vizuale. Eficacitate - patos, care este o altă modalitate de a salva arta rusă. În aceste peisaje, natura nu arată ca viața pe pământ. Este de remarcat faptul că, fără a ține cont de abordările clasice tradiționale, ele sunt descrise într-o splendidă buttya cotidiană, ca și cum propria lor esență ar fi ruinată de motivele clasice. Apoi, dacă natura aruncă o privire grozavă, învelișul în continuă schimbare a vieții umane începe impresionantul super-clasic.

Tendințele decorative și clasice ale artei sunt plasate în special înaintea subiectului. Subiectul nu atașează respectul artistului propriei sale valori independente, îndemnul de construire pentru recunoașterea artistului și recunoașterea unei noi calități estetice. Subiect de studiu la miza reflecțiilor filosofice și poate de însemnătate independentă. Vіn sta în mijlocul celorlalte componente ale tabloului cu un alt element, recunoașterea necesară a situației generate de autor și imaginea panoramei speciei, care exprimă filozofia autorului. De aceea obiectele nu se răsucesc, nu durează, ci, de fapt, joacă rolul de personal, care poate crea ordine cu celelalte componente ale tabloului „ascuțit” a lumii. Clasicismul a dezvoltat un standard pentru a descrie puterea, greutatea, spațiul, planurile. În spatele unui vinnyatk rar, se aprinde un copac, fără o rasă, vântul este cunoscut. În acest fel, se insuflă ideea unei coroane de lux, ideea de gir, care se înfășoară cu decorațiuni plate. Altfel, se pare, pidkhіd natural până la punctul de natură, roaming, prin care se aplică sensul specific al discursurilor. Imaginea clasică este îndepărtată de înțelegerea vieții naturii. Vin reprezintă mai mult din gândurile autorului, afirmația autorului despre peisaj, de natura a introdus al treilea rol. Natura nu se arată la oră. Ea nu vede o situație anume. Lipsa de specific de adus la inteligență. În reciprocitatea naturii, acea dovadă artistică, obiectivitatea imaginii naturii, este inspirată de gândurile iluzorii autorului. În imaginea lumii subiectului lui Semyon Shchedrin și Fyodor Matveyev, și chiar mai devreme, Fyodor Aleksyev, există o schimbare clară. În această artă, rolul obiectivității este preluat într-un rol din ce în ce mai mare, iar scopul este de a avea grijă ca noua lume a lui Ale să fie văzută în peisajele lui Sylvester Feodosiyovich Shchedrin (1791 - 1830).

Sylvester Shchedrin s-a născut împreună cu sculptorul Theodosius Shchedrin. Pictorul peisagist Semyon Shchedrin era unchiul său. Mayzhe toată viața a trecut în Italia, unde a fost trimis de un pensionar și de vin a murit la tinerii vіtsі. O parte importantă a creativității yoga este dedicată Italiei. Primii roboți poartă pecetea unei injecții superflue de decorativism: Vedere de pe insula Petrivsky din Petersburg (1811). Vedere de la Insula Petrovsky la Tuchkіv Mist și Vasilyevy Ostrіv lângă Sankt Petersburg (1815), Vedere asupra insulei Petrovsky lângă Sankt Petersburg (1817). La vederea peisajelor din Aleksiev, Shchedrin nu poate fi văzut. Se pare că vina imaginii este în afara imaginii, de ce farbi nu se estompează, ci capătă puterea potrivită. Mirosurile aduc impredictibilitatea culorilor obiectelor care strălucesc în mijlocul schemei clasice, inspirate de contrastul dintre primul plan umbrit cu fante și spatele suspendat. Descrierea satelor coroanelor copilului inteligent este aruncată pe contururile decorative ale copacilor Semințele lui Shchedrin. Figurile din peisaj au un caracter de personal. Duhoarea nu trăiește cu noul, nu respira - duhoarea înseamnă viață, mestecând peisajul.

Peisajul din Rusia abia a început să se reconstituie. Pe cel nou era un sigiliu de inteligență academică. Ale vіn mav mozhlivist la zvіlnennya, care nu suferă de complot și pov'yazanіst tematic, scho panuvala în alte genuri. În primele două decenii ale secolului al XIX-lea, libertatea a fost un artist în spatele cordonului, gradul de șef în Italia, unde studenții Academiei erau în stare de probă (pensionerstvo). Primele peisaje din Shchedrin pot avea două tipuri de putere. Duhoarea valorilor și abundenței vikonanі. Duhoarea este statică, nibi zupinivshis timp de o oră de la lansyug. Pe de altă parte, tabloul locului este plin de personal, dând peisajului o aromă de gen, ceea ce diminuează măreția motivului. Introducerea altor componente fese: împletirea podurilor, coroanelor, frânghiilor trase de cai, vipadkovі budіvlі, pescari - pentru a pune peisajul la granița cu genul buttovy, care este blamat în mijlocul peisajului.

Pământurile anilor 1810 nu sunt în mod clar naturale. După micile spații libere, poza a fost adusă în memorie. Ca răspuns la cei că peisajul din registrul genului nu se află în primele rânduri, era important ca vinul să nu poată inculca idei morale și religioase. De îndată ce peisajul a căpătat libertate, s-a grăbit să se ridice în fața progreselor canonice și să vorbească cu natura mea naturală, dând greutatea yoga „calmului înalt”. Înclinația naturală a genului de autenticitate nu însemna că realismul devine o metodă de cinema. Deci peisajul pliat cu autoritate, care a organizat perfect imaginea la ideea dată. Ideea, de regulă, a creat un fel de mit despre o țară frumoasă, de parcă ar fi fost o idee divină, care a semnificat și a inspirat prezența spiritului divin și a forțelor cosmice în natura pământească. Impulsul lui Shchedrin, în urma venirii Italiei, a devenit apogeul creativității sale către realism, deși a dat lumina miracolelor, a extins gama picturală și plastică a artei. Artistul a revăzut frumusețea - una și aceeași metodă de artă kіntsev.

În Italia, Shchedrin a lucrat în ordine cu Matveev, care a cântat un cântec pe cel nou. Se remarcă prin pictura Colosseumului de lângă Roma (1822), asemănătoare compozițională cu Colosseumul lui Matveev, pânze sociale Vedere din Napoli de pe drumul Pozilippo (1829). La acest robot, salvând schema clasicistă, Shchedrin a încercat să podolat її. Vіn respectuos posterіg având obiect svіt, care vodvolіkav yogo vіd vіd vіd vіd vіd vіdnya imagine peisaj. Ale pentru a crea o unitate de culori în mitzyu nu a intrat încă în.

Pentru alți oameni importanți, care au schimbat „filozofia” peisajului, acesta a devenit lumină, pătrunzând în copaci și atârnând marea sau ruinele (Roma Veche, 1824). Lumina a schimbat imediat mintea naturii. Vlasne, fereastra din apropierea lumii strălucea pentru iluminarea suplimentară a spațiului vizual. La zv'yazku z tsim Shchedrin znehtuvav rozumіnym svіtu ca svіtobudovi. Youmu a fost înlocuit de respectul pentru o viață concretă. Această viață a fost acceptată armonios, ca un popor fericit buttya. Domisel, când au apărut pozele, schimbările au fost percepute clar de peisajul real, interpretat ca o mulțime de oameni fericiti. Oamenii din picturile artistului lucrează, pescuiesc, privesc, privesc marea, ceea ce extinde sfera peisajului la un gen cu un singur buton. Lumina unei vieți liniștite, privind înapoi, răsucitoare respectuoasă, virnică, uite, că îi dai pace și imensitate. În lumina clasicismului, lucrările lui Shchedrin sunt în curs de democratizare. Noi scriem nu parcuri palate, nu perspective metropolitane, ci pământul oamenilor, muncitorilor prozaici. Inelul cunoștințelor s-a extins, dezvăluind intrigi ca noi și fiind îmbogățit de un alt observator al luminii. Cel mai important realizator al peisajului lui Shchedrin a fost intrarea naturală a artistului în natură, pe care a scris-o la sfârșitul zilei. Natura se unește cu omul de rând. Vaughn este locuit de el, iar în această locuință există o nouă putere a parcelelor și motivelor peisagistice. Marea grandiozitate a lumii este înlocuită de oameni. Artistul cultivă lumină din imaginea sa materială, ca un trandafir, daruri de la Creator. Dotikul frumuseții mării, vibrația fizică a copacilor, mijlocul lustruit, spațiul luminat, ușurința și transparența cerului au dat naștere lumii armoniei. Motivul răsucirii naturii devine unul dintre principalii factori care au schimbat decorul peisajului. Clarificarea naturală consumă inteligența imaginii. Prin urmare, tabloul nu va mai urma regulile unei viziuni grandioase, ci mai degrabă cu o nouă concepție artistică, apelând la priveliști private, fragmente de natură sau locuri de pe litoral: Dig în Napoli (1825), Vedere Amalfi lângă Napoli, portul Mala în Sorrento, Totul pe insula Capri - 1826).

Există lumină în picturile trandafirului Shchedrin, care învăluie ușor munții îndepărtați, casele de pe coastă și copacii. Având în vedere acest lucru, există infestări bogat colorate ale mării, cerului, oxamite gir, umbrite cu o culoare albastră. În natura binecuvântată, se poate vedea declinul orelor străvechi, care par un paradis pentru un fund calm al unei persoane. În peisajele italiene din Shchedrin, principiul „creației” este înlocuit de crearea naturii în calități miraculoase.

Fedorov-Davidov este responsabil pentru stăpânirea aerului în aer liber al lui Shchedrin. Întreaga cucerire a peisajului din anii 1820 l-a plasat pe Shchedrin printre cei mai importanți pictori de peisaj din Europa. Yogo plein air este încă incomplet. Într-o pereche de suculente, pline de reflexe, simpatice cu pictura lui Oleksandr Ivanov, plein air-ul lui Shchedrin este timid, parcă netezit din punct de vedere academic. Vіn mai asemănător ca aspect cu culoarea de pe culoare, mai jos pe subiect, privind prin mijlocul luminos. Este important, totuși, ca cele care sunt tăiate ca o schemă de culori monocromatică să fie la fel ca o gamă locală de culori strălucitoare. După ce s-a prezentat într-un mod eficient, natura a demonstrat ce este mai frumos în viață, în mod adecvat artei frumoase. Sylvester Shchedrin folosește principiul panoramic al spațiului, care se pierde în clasicism, cu noul principiu - „fereastra în lume”, care se vede în mod deosebit în peisajele „tunel”, iar în vederile din fotografii, glibina va să fie în culoare, umbrite în prim-plan și din nou departe. După ce a străpuns imaginea pieței în spațiu, ceea ce puteți vedea: Grota din Sorrento cu vedere la Vezuviu (1826), Grota Matrimonio pe insula Capri (1827), Veranda, împletită cu struguri (1828), Terasă pe mesteacăn al mării (1828), Lacul Albano la periferie 1825), vedere din grota de pe Vezuviu și Castello del Ovo la miezul nopții (1820).

Privind cu calm lumea se prăbușește în peisajele „noapte” din Shchedrin. Z'yavlyayutsya elemente ale dramei. Ale ce dramatism viata reala, iar concentrarea voinței autorului devine, care se proiectează asupra naturii. Sună din nou din elementele de transmitere mentală a cerului nopții, întunericul care b'yutsya în vânt, dar inteligența este plină de imaginile patosului romantic Napoli în noaptea lunii, 1829; două versiuni ale Nopții lunii la Napoli, 1828).

Secolul al XVIII-lea este perioada în care au avut loc transformări colosale în toate sferele: politică, socială și industrială. Europa să aducă noi genuri picturii rusești: peisaj, istoric, butovy. Pictura dreaptă realistă devine mai importantă. O persoană este în viață - eroul acelui nas al idealurilor estetice ale acelei ore.

În istoria artelor secolului al XVIII-lea a trecut o oră de portrete picturale. Toată lumea dorea un portret al Maicii Domnului: de la regină la marele funcționar din provincii.

Tendințele europene în pictura rusă

Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea au fost jenați să urmeze moda lui Petru I, care dorea să europenizeze Rusia. Vіn dând un mare sens dezvoltării arta figurativași navit planuvav zbuduvati spetsializovaniy ipotecă inițială.

Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea au descoperit noi premii pictura europeanăși ei înfățișau pe pânzele lor ca niște regi, iar diverși boieri, negustori, patriarhi, iacii se făceau că nu arată ca la modă și adesea încredințau artiștilor să picteze un portret. La fiecare oră a zilei, portretele erau îmbogățite cu obiecte pobutu, elemente ale costumului național, natură și nu numai. Respectul a fost accentuat pe mobilierul scump, vazele mari, hainele de lux și ipostazele înflorate. Imaginile oamenilor din acel moment sunt acceptate astăzi ca o descriere poetică de către artiști despre ora lor.

Cu toate acestea, portretele artiștilor ruși din secolul al XVIII-lea și portretele artiștilor străini solicitați sunt izbitoare în contrast. Varto ghici ce au fost solicitați altor artiști pentru pregătirea artiștilor ruși.

Vezi portrete

Vârful secolului al XVIII-lea a fost marcat de începuturile pictorilor de portrete la vederi ceremoniale și de cameră.

Ușa din față arată ca alte imagini cu oameni înăuntru ultima oara. O beatitudine a luxului - ca în haine și în obiecte pe care o voi face.

Napіvpravdniy look - tse imagine a modelului pe genunchi sau până la talie.

Așa cum o persoană este înfățișată pe un fundal neutru pe piept sau pe o centură - acest tip de portret se numește cameră.

Vedere intimă a portretului de dinainte lumina interioară eroul imaginii, fundalul său este ignorat.

imagini portret

Adesea, artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea erau stânjeniți de imaginea portret a apariției deputatului față de ei înșiși, dar nu o imagine reală. Este important să minți publicul despre acei oameni. O mulțime de misticieni lucrează de mult timp la visnovka, că regula principală a acelei ore era imaginea unei persoane nu ca atare, ca și cum ar fi adevărate, ci ca atare, ca și cum ar fi fierbinți, ci ca atare, ca și cum ar fi. erau la maxim. Așa că în portrete, fie că este vorba despre oameni, ei au încercat să-l înfățișeze ca pe un ideal.

Primii artiști

Artiști ruși ai secolului al XVIII-lea, a căror listă nu este mare, - tse, zokrema, I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D.G. Levitsky.

Printre primii pictori ai secolului al XVIII-lea - numele lui Nikitin, Antropov, Argunov. Rolul acestor primi artiști ruși ai secolului al XVIII-lea a fost nesemnificativ. Nu exista mai mult decât un număr maiestuos de imagini regale, portrete ale nobililor ruși. Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea - maeștri ai portretelor. Adesea, duhoarea îi ajuta pur și simplu pe maeștrii străini să picteze muri marele număr de palate, să pregătească decoruri de teatru.

Pictura lui Ivan Mikitovici Nikitin poate fi văzută în listele lui Petru I cu alaiul său. Există un portret al țarului însuși, cancelarul G.I. Golovin. Nu este nimic special în acest portret al hatmanului subordonat. Zovnіshnіst nu este schimbat nici de o mână, nici de o haină de curte. Artistul i-a arătat hatmanului ca acela al vieții. Viața adevărului în sine are imaginea principală a portretelor lui Nikitin.

Creativitatea lui Antropov a fost păstrată în imaginile Catedralei Andriivski de lângă Kiev și în portretele de la Sinod. Tsі creează învigorează schilnist-ul artistului la culori galbene, măslinii, chiar dacă artistul, care a învățat iconografia de la maestru. yoga mijlocie vіdomih robіt- portretele Elizavetei Petrivna, Petru I, Prințesa Trubetskoy, Otaman F. Krasnoshchokov. Creativitatea lui Antropov a spulberat tradițiile auto-numitei picturi rusești din secolul al XVII-lea și canoanele artei figurative din epoca Petrovsky.

Ivan Petrovici Argunov este celebrul pictor portretist al contelui Sheremetiev. Portretele lui sunt mai subțiri, ipostazele oamenilor înfățișați de el sunt libere și putrede, creativitatea lui este precisă și simplă. Vin este autorul unui portret de cameră, care în timp va deveni intim. Semnificația operei artistului: împrietenirea cu Sheremetiev, P. B. Sheremetiev cu copiii.

Este greu de crezut că în acea oră Rusia nu avea mai mult decât genurile obișnuite, dar marii artiști ruși ai secolului al XVIII-lea au creat cele mai importante lucrări ale genului portretului.

Apogeul secolului al XVIII-lea a fost opera lui Rokotov, Levitsky și Borovikovsky. Oamenii din portretele artiștilor sunt îngropați, respect și respect. Oamenii sunt sensibili la desenul caracteristic portretelor lor.

Fedir Stepanovici Rokotov (1735-1808)

Maizha nu știa nimic despre Fiodor Stepanovici Rokotov, artistul rus al secolului al XVIII-lea, Prințul I. Repnina. Portretele de femei ale acestui artist scriu blând și blând. Frumusete interioara vіdchuta Rokotov, cunosc zabіlennya vіlennya її pe pânză. Forma ovală Navit a portretului, dar nu mai susține aspectul la modă și uluitor al femeii.

Genul principal de creativitate yoga este portretul formal. Printre lucrări se numără portretele lui Grigori Orlov și Petru al III-lea, prințesa Yusupova și prințul Pavel Petrovici.

Dmitro Grigorovici Levițki (1735-1822)

Celebrul artist rus al secolului al XVIII-lea - Dmitro Grigorovici Levitsky, un student al lui A. Antropov, a reușit să surprindă minunat că în picturile sale sufletul și particularitățile oamenilor. Înfățișând bogățiile, vinurile devin sincere și neiertătoare, portretele lor includ ingeniozitate și nonsens. Întreaga galerie de portrete ale oamenilor mari ai secolului al XVIII-lea. La portretul ceremonial, Levitsky însuși urlă ca un maestru. Cunoști diferitele poziții, gesturi, arătând nobilii onorabili. istoria Rusieiîn persoane - așa este adesea numită opera lui Levitsky.
Picturi care se află sub penzle artistului: portrete ale lui M. A. Lvova, Є. eu. Nelidova, N. I. Novikov, împrietenindu-se cu Mitrofanov.

Volodymyr Lukich Borovikovsky (1757-1825)

Artiștii ruși din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea sunt inspirați din așa-numitul portret sentimental. Artistul Volodymyr Lukich Borovikovsky scrie fete gânditoare, ca și cum pe portretele de yoga sunt descrise cu farbs strălucitori, duhoarea acelui nevinovat. Heroinele Yogo nu sunt doar femei din satul rusesc în portul tradițional, ci și doamne nobile mare suspіlstva. Toate portretele lui Narishkina, Lopukhina, Prințesa Suvorova, Arsenieva. Pozele sunt foarte asemănătoare, dar este imposibil să le uiți. puteți vedea subtilitatea minunată a personajelor transferate, particularitățile subtile ale experiențelor spirituale și un sentiment de tandrețe pe care îl puteți imagina totul. În roboții săi, Borovikovsky dezvăluie toată frumusețea unei femei pe oră.

Spadshchina lui Borovikovsky este foarte diferită și grozavă. În creativitatea yoga, ca și portretele ceremoniale, la fel sunt miniaturi și pânzele intime. Portretele lui V. A. Jukovski, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin și Paul I au devenit cele mai faimoase dintre lucrătorii lui Borovikovsky.

Picturi ale artiștilor ruși

Picturile din secolul al XVIII-lea ale artiștilor ruși au fost pictate cu dragoste pentru oameni, pentru lumea interioară și pentru demnitatea morală. Stilul unui artist din piele, pe de o parte, este mai individual, pe de altă parte - poate o crenguță de orez cu altele. Acest moment, având desemnat același stil, care întărește caracterul artei rusești în secolul al XVIII-lea.

Peste 18 secole de artiști ruși:

1. „Pictor Junius”. Cealaltă jumătate a anilor 1760. Autorul Ivan Firsov - însuși artist mister secolul al XVIII-lea. Poza înfățișează un băiat în uniformă, ca un portret al unei fetițe frumoase.
2. „La revedere lui Hector și Andromah”, 1773 Autor Anton Pavlovici Losenko. Restul picturii artistului. Înfățișează un complot din al șaselea cântec „Iliada” de Homer.
3. „Locul de piatră de lângă Gatchina era piața Constabilului”, 1799-1801. Autorul Semyon Fedorovich Shchedrin. Imaginea prezintă o vedere peisaj.

eu inca

Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea încă au încercat să descopere adevărul și caracterele corecte ale oamenilor, nerespectând legea bogată a deputaților bogați. Genul portretului în secolul al XVIII-lea a inspirat desene specifice poporului rus.

Perfect, poți spune, sho, yak bi artă Secolul al XVIII-lea nu a crescut la afluxul culturii europene, dar a dus la dezvoltarea tradițiilor naționale rusești.

Detalii Categorie: Arta rusă a secolului XVIII Publicat la 03.04.2018 15:00 Vizualizat: 2346

În arta rusă, peisajul, ca gen de pictură, apare în secolul al XVIII-lea. Yogo a fost acceptat ca fondator al lui Semyon Shchedrin.

Peisajul a început să se dezvolte la arta antică, ale sens independent luând de la arta vest-europeană, începând cu secolul al XIV-lea, în epoca Renașterii. Pentru tsgogo vіn buv elementul însoțitor al imaginii este cenușa. Citiți un raport despre dezvoltarea acestui gen de pictură pe site-ul nostru.

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804)

Pânze peisagistice ale lui Shchedrin inspirate din canoanele stilistice ale clasicismului. Frumusețea acestor peisaje este încă destul de inteligentă, dar se manifestă în mod clar ca emoții ale unui artist în imaginile naturii. Adâncimea și distanța largă sunt evidente, contrastul dintre marile imagini ale primului plan și întinderile verde-luminoase care se văd în spatele lor, care în general este izbitor în luminozitatea peisajelor. Creativitatea Yogo - deja o cale către peisaj către genul independent de pictură a artei ruse.
Semyon Fedorovich Shchedrin s-a născut ca fiu al unui militar: tatăl său a fost soldat al Regimentului de Gărzi Preobrazhensky. După ce l-a luat pe flăcău la „Comisia pentru copii pentru Navchannya a Listei” Regimental-Transfigurare, băiatul a fost sfințit.
La 1765 p. S. Shchedrin a absolvit Academia de Mistici cu o medalie de aur, a intrat la 14 ani la vârsta de 14 ani și și-a continuat educația dincolo de cordon: la Paris și Roma. La vinurile din Paris, am țesut roboții artiștilor vechi și contemporani, lucrând în aer liber. Ideile clasicismului, dobândite de el de la Roma, sunt prezente în creativitatea sa ulterioară.

Semyon Shchedrin „Peisajul parcului din Tsarskoye Selo”
Întorcându-se la Sankt Petersburg în 1776, Shchedrin a devenit profesor de pictură peisagistică la Academia de Arte, o nouă clasă de pictură peisagistică. Vіn vіdyuє vіd palatsі v і parkіv Katerina Velikoї: „Vyglyad Velikogo stav în grădinile Tsarskoye Selo”, „Ușa puternică de la Tsarskoe Selo”.

Semyon Shchedrin „Privindu-se la Marile Mize din apropierea parcului din Tsarskoe Selo” (1777)
Mai târziu, Shchedrin a luat parte la restaurarea lucrărilor Ermitajului. Crimeea o mulțime de peisaje italiene, aduse de la Roma, și o mulțime de roboți care înfățișează diferite momente de manevre în Oranianbaum pentru împăratul Oleksandr I, picturile lui Shchedrin sunt regiuni de peisaj. Perioada robotică Yogo - vezi parcurile și palatele de lângă Pavlovsk, Gatchina, Peterhof. Toate scrise după regulile clasicismului academic.
Cele mai multe dintre picturile lui Shchedrin au fost date lui Budinka imperială de către persoanele împăratului. Artistul a murit la 1 primăvară 1804 și a fost înmormântat la Smolensk Tsvintary din Sankt Petersburg.

Semyon Shchedrin „Coloana Vulturului în Parcul Gatchina”

Semyon Shchedrin „Peisaj de la periferia Sankt Petersburgului”

Fedir Mihailovici Matveev (1758-1826)

Peisagist rus, maestru al peisajului clasic.
Fedir Matveev pentru viața de a fi recunoscut drept cel mai bun maestru rus al „artei peisagistice” de la sfârșitul secolului al XVIII-lea-începutul secolului al XIX-lea. Ale potіm yogo іm'ya că creativitatea zabulis.
Fedir Matveev, iac și Semyon Shchedrin, este fiul unui soldat și doar mai puțin din Gardienii de viață ai regimentului Izmailovsky. Deja, VIN din secolul al VI-lea a fost acceptat de prima înscriere a Liceului la Academia de Mistici din Sankt Petersburg. A început în clasa de pictură peisagistică și în 1778, primul după clasa tsim, după ce a câștigat o mare medalie de aur și prin râu, plecând ca pensionar la Roma pentru o măiestrie temeinică.
Matveev a trăit în Italia timp de 47 de ani. Înainte de Rusia, nu m-am întors, deși am plănuit-o de mai multe ori. Borg, problemele materiale și alte condiții te-au făcut să te îndrepți către Patrie. Ale în 1806 după ce a adus la Academia de Mistici pictura „Vedere din Napoli din ziua lui Pozilippo”, de parcă ar fi luat titlul de academician.

Fedir Matvєєv „Vedere despre Napoli de la Pozilippo” (1806). Pânză, oliya. 101 x 136 cm.Muzeul Suveran al Rusiei (Petersburg)
Cele mai multe dintre peisajele lui Fyodor Matveev sunt vederi panoramice. Mirosul mersului în apropierea adâncurilor spațiului și departe de gheață este amintit. Spre cer, începe să aduci multă nenorocire. În planul de mijloc, oamenii din imagine sună. Aceste figurine mici arată dimensiunea imaginilor naturii.

Fedir Matveev „Peisaj dintr-o cascadă” (1810)

Fedir Matveev „Peisajul rural elvețian (1818). Muzeul de Stat de Artă Nijni Novgorod

Fedir Matveev „Cartier de lângă Tivoli” (1819). Galeria Derzhavna Tretyakov (Moscova)

Fedir Yakovich Aleksiev (mijlocul 1753/1755-1824)

M. Terebenev. Portretul lui F.Ya. Aleksiev

Artist rus, unul dintre fondatorii peisajului orașului rusesc. Se numește un tablou, un mic sau o gravură cu imagini detaliate ale peisajului cotidian al Moscovei conducere.
Maystrom a fost condus de cel de-al doilea artist rus - Mikhailo Ivanovich Makhaev. Ale despre nou - trochs un an.
Fedir Yakovich Aleksiev s-a născut la Sankt Petersburg, a fost un paznic al Academiei de Științe. Pochatkov a luminat starea de sănătate a școlii de garnizoană, iar în 1764. pe prohannya dad buv acceptări la Academia Imperială a Misticii. A început cu clasa de sculptură ornamentală, iar apoi cu „Clasa de pictură” cu G. Fondermint și A. Peresinott. medalie de aur după absolvirea Academiei i-a dat dreptul la pensie pentru a continua studiile în afara cordonului.

Fedir Aleksiev „Vedere a terasamentului Palatsova de la Cetatea Petru și Pavel” (1794)
R. 1773-1777 reușind ca artist de teatru lângă Veneția, pictând deodată peisaje („Turgul Skyavoni lângă Veneția”, „Vedere interioară a curții cu grădină. Loggia lângă Veneția”, 1776).

Fedir Aleksiev „Vedere interioară a curții din grădină. Loggia lângă Veneția” (1776). Copie a imaginii. Muzeul Suveran al Rusiei (Petersburg)
După ce s-a întors în Rusia, a lucrat ca decorator al teatrelor imperiale, iar primăvara a copiat maeștri italieni în peisajul rusesc din Ermitaj (J. A. Canaletto, B. Bellotto, C. J. Vernet). Multe copii au adus succes pictorilor și popularitate - ei lasă lucrarea mai departe decor teatralȘi îmi dedic tot timpul iubirii mele la dreapta - la margine. Artistul a pictat obiectivele turistice din Herson, Mykolaev, Bakhchisaray, Poltavi, Voronezh, Orel - toate din natură.

Fedir Aleksiev „Privindu-se la Mista Mikolaev (1799)
La 1800 r. Pavlo L-am rugat pe F. Aleksiev să scrie despre Moscova.

Fedir Aleksiev „Piața Chervona cu Catedrala Sf. Vasile” (1801). Muzeul Institutului de Literatură Rusă (Sankt Petersburg)
Aleksiev i-a scris președintelui Academiei de Arte A. Z. Stroganov, Alexiev: Nu văd mare lucru și am început deja prima schiță din piața cu Biserica Sfântul Vasile cel Preafericit și trăiesc iarna pentru a picta un tablou.

Fedir Aleksiev „Privindu-se la Porțile Învierii și Mikilsky și ceața Neglinny de lângă Moscova” (1811). Galeria Derzhavna Tretyakov (Moscova)

Fedir Aleksiev „Piața Catedralei de lângă Kremlinul din Moscova”
Roboții lui F. Aleksiev din „ciclul Moscovei” sunt luați de la Suveran Galeria Tretiakov cel de la Muzeul de Istorie Suveran.
În anii 1810. Aleksiev a creat o nouă serie de peisaje din Sankt Petersburg, în care, cu mare acuratețe și dragoste, a înfățișat priveliștea Sankt-Petersburgului, poezia vieții de zi cu zi.

Fedir Aleksiev „Privindu-se la Castelul Mihailovski și Piața Constable din Sankt Petersburg” (blocul 1800). Muzeul Suveran al Rusiei
Mitul a murit la priveghiul din a 11-a cădere a frunzei, 1824, Academia Misticii a văzut un ban pentru înmormântare și pentru a ajuta familia bogată. Înmormântarea lui Smolenskaya biserică ortodoxă St.Petersburg.

Mihailo Ivanovici Makhaev (1718-1770)

Artist rus, maister malyunka și gravuri, în special peisaj arhitectural.
Născut lângă Sankt Petersburg dintr-un preot. Vіtsі 11 roki vіddany la Academia de Științe, de navchavsya matematică și geometrie. Să vedem topografia. În 1736 p. concomitent cu alți savanți, a creat sarcina de a picta obiecte cu cerneală și acuarelă în Kunstkamera lui Peter pentru realizarea de gravuri. Robotul Tsya a dat din belșug artistului-începător, și-a extins orizonturile.
M. Makhaev a fost bogat implicat în auto-iluminare, îmbrățișând legile și perspectivele, pictând din natură, îmbrățișând limba străină.

M. Makhaev „Privindu-se la Fontanka” (1753). Gravare
Drept urmare, Mahaev este la îndemâna măiestriei cântului: este posibil să transmiteți cu acuratețe fotografică aspectul vieții. Adesea vicoristovuvav staffage. Personalul- în pictura de peisaj, ele desemnează poziții mici de cumpărători, creaturi fără chip, deoarece sună ca și cum ar fi reprezentate în alte scopuri. Personalul a fost lărgit în secolele XVI-XVII, dacă pictorii de peisaj adăugau picturilor lor scene mitologice și religioase.

M. Makhaev „Vedere la Palatul de Iarnă”
Ale în roboții Mahaeva personalul gri nu este doar tehnic, ci e rol artistic: se creează imaginea locului, se transmite personajul viata de zi cu zi. Figurile de oameni, unite în scene de gen, servesc ca referință la centrul compozițional (înainte): curtenii Palatului de Vară, trăsurile demnitarilor și demnitarilor din fața Colegiei Suverane, poporul natovp mіskogo și vizniki în comanda de la Birzhey toshcho. Completați imaginea locului copacului, parcă introducând cu îndrăzneală compoziția.

„Vedere asupra râului Nevi în aval între Palatul de Iarnă și Academia de Științe”. Gravura de G.A. Kachalova și E.G. Vinogradov despre micul M.I. Mahaeva
După înființarea Academiei de Mistici, activitatea artistică a Academiei de Științe a fost anulată. Ale landkartna maisternya a continuat pratsyuvati. Mahayev a fost angajat în corectarea micuților și a obiectivelor turistice ale locurilor rusești, care sunt adăugate ca ilustrații pe hărțile Rusiei.
Artistul a murit lângă Sankt Petersburg în 1770 și a fost înmormântat în biserica de la Biserica Buna Vestire de pe insula Vasilevsky.