Готика(від італ. gotico - незвичний, варварський) - період у розвитку середньовічного мистецтва, що охоплював майже всі галузі культури і розвивався біля Західної, Центральної і частково Східної Європи з XII по XV століття. Готика завершила розвиток європейського середньовічного мистецтва, виникнувши з урахуванням досягнень романської культури, а епоху Відродження мистецтво середньовіччя вважалося «варварським». Готичне мистецтво було культовим за призначенням та релігійним за тематикою. Воно зверталося до вищих божественних сил, вічності, християнського світогляду. Готика у розвитку поділяється на Ранню готику, Період розквіту, Пізню готику.

Шедеврами готичного стилю стали знамениті європейські собори, які так люблять фотографувати у найдрібніших деталях туристи. В оформленні інтер'єрів готичних соборів важлива роль відводилася колірним рішенням. У зовнішньому та внутрішньому оздобленні панувала велика кількість позолоти, світлоносність інтер'єру, ажурність стін, кристалічна розчленованість простору. Матерія була позбавлена ​​великоваговості і непроникності, вона була ніби одухотворена.

Величезні поверхні вікон заповнювали вітражі з композиціями, що відтворювали історичні події, апокрифічні оповіді, літературні та релігійні сюжети, зображення побутових сцен із життя простих селян і ремісників, які являли собою унікальну енциклопедію життя в період середньовіччя. Кона зверху до низу заповнювалися фігурними композиціями, які були поміщені в медальйони. Поєднання світлового та колірного початку живопису в техніці вітража надавало підвищену емоційність художнім композиціям. Використовувалися різні скла: густо-червоні, вогняні, червоні, кольори граната, зелені, жовті, темно-сині, блакитні, ультрамаринові, вирізані по контуру малюнка ... Вікна гріли подібно дорогоцінним самоцвітам, пронизані зовнішнім світлом, - вони перетворюють налаштовували його відвідувачів на піднесений лад.

Завдяки готичному кольоровому склу зародилися нові естетичні цінності, а фарби набули найвищої звучності сяючого кольору. Чистий колір породжував атмосферу повітряного середовища, фарбованого в різні тони завдяки грі світла на колонах, підлозі, вітражах. Колір перетворився на джерело світла, що поглиблювало перспективу. Товсте скло, часто неоднакове, було наповнене не зовсім прозорими бульбашками, що посилювали художній ефект від вітража. Світло, проходячи через нерівномірну товщу шибок, дробилося і починало грати.

Кращі зразки справжніх готичних вітражів відкриті огляду в соборах Шартра, Буржа і Парижа (наприклад, «Богоматір з немовлям»). Наповнена не меншою пишнотою, а також «Вогняні колеса» та «Молючі блискавки» в соборі Шартра.

З середини 1-го століття в яскраву палітру почали вводити складні кольори, одержувані за допомогою дублювання скла. Такі незвичайні вітражі в готичному стилізбереглися Сент-Шапель (1250г.). коричневою емалевою фарбою наносилися контури по склу, а форми при цьому мали площинний характер.

Готична епоха стала часом розквіту мистецтва мініатюрної книги, а також художня мініатюра. Посилення світських тенденцій у культурі лише посилило їх розвиток. Ілюстрації з багатофігурними композиціями на релігійну тематику включали різні реалістичні деталі зображення птахів, звірів, метеликів, орнаменти рослинних мотивів, побутових сценок. Особливою поетичною чарівністю сповнені роботи французького мініатюриста Жана Пюсселя.

У розвитку французької готичної мініатюри 13-14 століть чільне місце було зайнято паризькою школою. Псалтир святого Людовіка рясніє багатофігурними композиціями, обрамленими одним мотивом готичної архітектури, чому оповідання набуває надзвичайної стрункості (Лувр, Париж, 1270р.). фігури жінок і лицарів граціозні, їх форми відрізняються струминними лініями, що створює ілюзію руху. Соковитість та густота фарб, а також декоративна архітектура малюнка перетворюють дані мініатюри на унікальні витвори мистецтва та коштовні прикраси сторінок.

Стиль готичної книги відрізняють загострені форми, незграбність, незграбність, філігранність ажурного візерунка і топкість звивистих ліній. Варто зазначити, що у 14-15 столітті світські рукописи також ілюструвалися. Часослови, наукові трактати, збірки любовних пісень та хроніки наповнені чудовими мініатюрами. У мініатюрі, що ілюструвала твори куртуазної літератури, втілився ідеал лицарського кохання, а також сцени зі звичайного життя. Подібний витвір – рукопис Манес (1320р.).

Згодом у готиці посилилася оповідальність. «Великі французькі хроніки» кона 14-го століття наочно демонструю прагнення художника проникнути в зміст події, що зображується ним. Поруч із цим книгам надавалося декоративна ошатність шляхом використання вишуканих віньеток і рамок химерних форм.

Готична мініатюра дуже вплинула на живопис і внесла живий струмінь у мистецтво Середньовіччя. Готика стала не просто стилем, а важливою ланкою у загальному культурному розвитку суспільства. Майстри стилю з неймовірною точністю змогли відтворити образ свого сучасника в предметному та природному середовищі. Великі та одухотворені готичні твори оточені аурою неповторної естетичної чарівності. Готика породила нове розуміння синтезу мистецтв, та її реалістичні завоювання підготували ґрунт переходу до мистецтва епохи Відродження.

Один із основних способів нашого мислення. Його результат - утворення найбільш загальних понять та суджень (абстракцій). У декоративному мистецтві абстрагування – це процес стилізації природних форм.

У художній діяльності абстрагування є постійно; у своєму крайньому вираженні в образотворчій творчості воно веде до абстракціонізму, особливого напрямку в образотворчому мистецтві XX ст., для якого характерні відмова від зображення реальних об'єктів, граничне узагальнення або повна відмова від форми, безпредметні композиції (з ліній, крапок, плям, площин і ін), експерименти з кольором, спонтанне вираз внутрішнього світу художника, його підсвідомості в хаотичних, неорганізованих абстрактних формах (абстрактний експресіонізм). До цього напряму можна зарахувати живопис російського художника У. Кандинського.

Представники деяких течій в абстрактному мистецтві створювали логічно впорядковані конструкції, перегукуючись з пошуками раціональної організації форм в архітектурі та дизайні (супрематизм російського живописця К. Малевича, конструктивізм та ін.). У скульптурі абстракціонізм висловився менше, ніж у живописі.

Абстракціонізм був відгуком на загальну дисгармонію сучасного світуі мав успіх тому, що проголошував відмову від свідомого в мистецтві і закликав «поступитися ініціативою форм, фарб, кольору».

Реалізм

Від фр. realisme, від лат. realis - речовий. У мистецтві у сенсі правдиве, об'єктивне, всебічне відбиток дійсності специфічними засобами, властивими видам художньої творчості.

Загальними ознаками методу реалізму є достовірність у відтворенні реальності. Разом з тим реалістичне мистецтво має величезну різноманітність способів пізнання, узагальнення, художнього відображеннянасправді (Г.М. Коржев, М. Б. Греков, А.А. Пластов, А. М. Герасимов, Т. Н. Яблонська, П. Д. Корін та ін.)

Реалістичне мистецтво ХХ ст. набуває яскравих національних рис і різноманіття форм. Реалізм - явище протилежне модернізму.

Авангардизм

Від фр. avant – передовий, garde – загін – поняття, що визначає експериментальні, модерністські починання в мистецтві. Кожної епохи виникали новаторські явища в образотворчому мистецтві, але термін «авангардизм» утвердився лише на початку XX ст. Саме тоді з'явилися такі напрями, як фовізм, кубізм, футуризм, експресіонізм, абстракціонізм. Потім у 20-ті та 30-ті роки авангардистські позиції займає сюрреалізм. У період 60-70-х років додаються нові різновиди абстракціонізму - різні форми акціонізму, робота з предметами (поп-арт), концептуальне мистецтво, фотореалізм, кінетизм та ін. Художники-авангардисти висловлюють своєю творчістю своєрідний протест проти традиційної культури.

У всіх авангардистських напрямах, незважаючи на їх велику різноманітність, можна виділити спільні риси: відмова від норм класичного зображення, формальна новизна, деформація форм, експресія та різні ігрові перетворення. Все це призводить до розмивання кордонів між мистецтвом і реальністю (реді-мейд, інсталяція, енвайромент), створення ідеалу відкритого твору мистецтва, що безпосередньо вторгається у навколишнє середовище. Мистецтво авангардизму розраховане на діалог художника та глядача, активну взаємодію людини з художнім твором, співучасть у творчості (наприклад, кінетичне мистецтво, хепенінг та ін.).

Твори авангардистських напрямів часом втрачають образотворчий початок і прирівнюються до об'єктів навколишньої дійсності. Сучасні напрями авангардизму тісно переплітаються, утворюючи нові форми синтетичного мистецтва.

Андерграунд

Англ. underground - підпілля, підземелля. Поняття, що означає «підпільну» культуру, що протиставила себе умовностям та обмеженням традиційної культури. Виставки художників даного напряму часто проходили не в салонах і галереях, а прямо на землі, а також у підземних переходах або метро, ​​яке в ряді країн називають андеграундом (підземкою). Ймовірно, ця обставина також вплинула на те, що за цим напрямком у мистецтві XX ст. утвердилася ця назва.

У Росії її поняття андеграунд стало позначенням співтовариства художників, які представляли неофіційне мистецтво.

Сюрреалізм

Фр. surrealisme - надреалізм. Напрямок у літературі та мистецтві XX ст. що склалося у 1920-х роках. Виникнувши мови у Франції з ініціативи письменника А. Бретона, сюрреалізм незабаром став міжнародним напрямом. Сюрреалісти вважали, що творча енергія виходить із сфери підсвідомості, яка виявляє себе під час сну, гіпнозу, болючого марення, раптових осяянь, автоматичних дій (випадкове блукання олівця по паперу та ін.)

Художники-сюрреалісти на відміну абстракціоністів не відмовляються від зображення реально існуючих предметів, але представляють їх у хаосі, навмисне позбавленими логічних взаємозв'язків. Відсутність сенсу, відмова від розумного відображення дійсності – основний принцип мистецтва сюрреалізму. Про відірваність від реального життя говорить і сама назва напряму: «сюр» французькою «над»; художники не претендували на відображення дійсності, а подумки поміщали свої твори «над» реалізмом, видаючи за твори мистецтва маревні фантазії. Так, до сюрреалістичних картин увійшли аналогічні, не піддаються пояснення роботи М. Ернста, Дж. Міро, І. Тангі, а також предмети, оброблені сюрреалістами до невпізнання (М. Оппенгейм).

Сюрреалістичний напрямок, який очолював С. Далі, ґрунтувався на ілюзорній точності відтворення ірреального образу, що виникає у підсвідомості. Його картини відрізняються ретельною манерою письма, точною передачею світлотіні, перспективи, що характерно для академічного живопису. Глядач, піддаючись переконливості ілюзорного живопису, втягується в лабіринт обманів і нерозв'язних загадок: тверді предмети розтікаються, щільні набувають прозорості, несумісні об'єкти скручуються і вивертаються, масивні обсяги набувають невагомості, і все це створює образ неможливий у реальному житті.

Відомий такий факт. Якось на виставці перед твором С. Далі довго стояв глядач, уважно вдивляючись і намагаючись зрозуміти зміст. Нарешті, у повному розпачі він голосно сказав: «Я не розумію, що це означає!» Вигук глядача почув С. Далі, що знаходився на виставці. "Як ви можете зрозуміти, що це означає, якщо я сам не розумію", - заявив художник, висловивши таким чином основний принцип сюрреалістичного мистецтва: писати картини не думаючи, не розмірковуючи, відмовившись від розуму та логіки.

Виставки творів сюрреалістів супроводжувалися, як правило, скандалами: глядачі обурювалися, дивлячись на безглузді, незрозумілі картини, вважали, що їх дурять, містифікують. Сюрреалісти звинувачували глядачів, заявляли, що ті відстали, не доросли до творчості передових художників.

Загальні особливості мистецтва сюрреалізму - фантастика абсурду, алогізм, парадоксальні поєднання форм, зорова нестійкість, мінливість образів. Художники зверталися до імітації первісного мистецтва, творчості дітей та душевнохворих.

Художники цього напряму хотіли створити на своїх полотнах реальність, що не відбиває дійсність, підказану підсвідомістю, але на практиці це виливалося у створення патологічно відразливих образів, еклектику та кітч (нім. – kitsch; дешевка, несмачна масова продукція розрахована на зовнішній ефект).

Окремі знахідки сюрреалістів використовувалися в комерційних областях декоративного мистецтва, наприклад, оптичні ілюзії, що дозволяють бачити на одній картині два різні зображення або сюжети в залежності від напрямку погляду.

Твори сюрреалістів викликають найскладніші асоціації, можуть ототожнюватися у сприйнятті зі злом. Страшенні бачення та ідилічні мрії, буйство, розпач - ці почуття у різних випадках проступають у творах сюрреалістів, активно впливаючи на глядача, абсурдність творів сюрреалізму діє на асоціативну уяву та психіку.

Сюрреалізм є суперечливим художнім явищем. Багато справді передові діячі культури, усвідомлюючи, що цей напрямок руйнує мистецтво, згодом відмовилися від сюрреалістичних поглядів (художники П. Пікассо, П. Клеє та ін., поети Ф. Лорка, П. Неруда, іспанський режисер Л. Бунюель, який зняв сюрреалістичні фільми ). До середини 1960-х років сюрреалізм змінився новими, ще більш яскравими напрямками модернізму, але химерні, переважно потворні, безглузді твори сюрреалістів досі заповнюють зали музеїв.

Модернізм

Фр. modernisme, від лат. modernus – новий, сучасний. Збірне позначення всіх новітніх течій, напрямів, шкіл та діяльності окремих майстрів мистецтва XX ст., що поривають із традицією, реалізмом і вважають експеримент основою творчого методу (фовізм, експресіонізм, кубізм, футуризм, абстракціонізм, дадаїзм, сюрреалізм, поп-арт, оп- арт, кінетичне мистецтво, гіперреалізм та ін). Модернізм близький за значенням авангардизму та протилежний академізму. Модернізм негативно оцінювався радянськими мистецтвознавцями як кризове явище буржуазної культури. Мистецтво має свободу вибору своїх історичних шляхів. Суперечності модернізму як такого необхідно розглядати не статично, а в історичній динаміці.

Поп-арт

Англ. pop art, від popular art – популярне мистецтво. Напрямок у мистецтві Західної Європи та США з кінця 1950-х років. Розквіт поп-арту припав на бурхливі 60-ті роки, коли в багатьох країнах Європи та Америки спалахнули бунти молоді. Молодіжний рух не мав єдиної мети – його об'єднував пафос заперечення.

Молоді люди були готові викинути за борт усю минулу культуру. Усе це знайшло свій відбиток у мистецтві.

Відмінна риса поп-арту – поєднання виклику з байдужістю. Все однаково цінно чи однаково безцінно, однаково красиво чи однаково потворно, однаково гідно чи гідно. Мабуть, тільки рекламний бізнес заснований на такому ж безпристрасно-діловитому ставленні до всього світу. Не випадково саме реклама справила величезний вплив на поп-арт, а багато його представників працювали та працюють у рекламних центрах. Творці рекламних передач та шоу здатні іскромсати на шматочки та з'єднати в потрібній їм комбінації пральний порошок та відомий шедеврмистецтва, зубну пасту та фугу Баха. Так само чинить і поп-арт.

Мотиви масової культури експлуатуються поп-артом по-різному. У картину вводяться за допомогою колажу або фотографій реальні об'єкти, як правило, у несподіваних або абсолютно абсурдних поєднаннях (Р. Раушенберг, Е. Уор Холл, Р. Хемілтон). Живопис може імітувати композиційні прийоми та техніку рекламних щитів, картинка коміксу може бути збільшена до розмірів великого полотна (Р. Ліхтенстейн). Скульптура може поєднуватися із муляжами. Наприклад, художник К. Олденбург створював подоби вітринних муляжів харчових продуктів величезних розмірів із незвичайних матеріалів.

Між скульптурою та живописом часто немає кордону. Художній твір поп-арту нерідко має три виміри, а й заповнює собою цілком виставкове приміщення. Через такі перетворення вихідний образ об'єкта масової культури перетворюється і сприймається зовсім інакше, ніж у реальному побутовому оточенні.

Основною категорією поп-арту є не художній образ, яке «позначення», що рятує автора від рукотворного процесу його створення, зображення чогось (М. Дюшан). Цей процес було введено з метою розширення поняття мистецтва та включення до нього нехудожньої діяльності, «виходу» мистецтва в область масової культури. Художники поп-арту були ініціаторами таких форм, як хепенінг, предметна інсталяція, енвайромент та інші форми концептуального мистецтва. Аналогічні течії: андеграунд, гіперреалізм, оп-арт, реді-мейд та ін.

Оп-арт

Англ. ор art, скороч. від optical art – оптичне мистецтво. Напрямок у мистецтві XX ст., яке набуло широкого поширення в 1960-х роках. Художники оп-арта використовували різні зорові ілюзії, спираючись на особливості сприйняття плоских та просторових фігур. Ефекти просторового переміщення, злиття, ширяння форм досягалися введенням ритмічних повторів, різких колірних і тональних контрастів, перетину спіралеподібних і ґратчастих змін, звивистих ліній. В оп-арті часто застосовувалися установки світла, що змінюється, динамічні конструкції (розглянуті далі в розділі кінетичне мистецтво). Ілюзії рухомого руху, послідовної зміни образів, нестійкої форми, що безперервно перебудовується, виникають в оп-арті тільки в відчутті глядача. Напрямок продовжує технічну лінію модернізму.

Кінетичне мистецтво

Від гр. kinetikos - приводить у рух. Напрямок у сучасному мистецтві, пов'язаний з широким застосуванням конструкцій, що рухаються, та інших елементів динаміки. Кінетизм як самостійний напрямок оформився у другій половині 1950-х років, проте йому передували досліди створення динамічної пластики у російському конструктивізмі (В. Татлін, К. Мельников, А. Родченко), дадаїзмі.

Раніше народне мистецтво також демонструвало нам зразки об'єктів та іграшок, що рухаються, наприклад дерев'яні птахи щастя з Архангельської області, механічні іграшки, що імітують трудові процеси, із села Богородське та ін.

У кінетичному мистецтві рух вводиться по-різному деякі твори динамічно перетворюються самим глядачем, інші - коливаннями повітряного середовища, а треті рухаються мотором або електромагнітними силами. Нескінченна різноманітність використовуваних матеріалів - від традиційних до надсучасних технічних засобів, аж до комп'ютерів та лазерів. Часто у кінетичних композиціях застосовують дзеркала.

У багатьох випадках ілюзія руху створюється освітленням, що змінюється - тут кінетизм змикається з оп-артом. Прийоми кінетизму широко використовуються для організації виставок, ярмарків, дискотек, в оформленні площ, парків, громадських інтер'єрів.

Кінетизм прагне синтезу мистецтв: рух об'єкта у просторі може доповнюватися ефектами висвітлення, звуком, світломузикою, кінофільмом та інших.
Прийоми сучасного (авангардистського) мистецтва

Гіперреалізм

Англ. hyperrealism. Напрямок у живопису та скульптурі, що виник у США і став подією у світовому образотворчому мистецтві 70-х років XX ст.

Інша назва гіперреалізму – фотореалізм.

Митці цього напряму імітували фото мальовничими засобами на полотні. Вони зображували світ сучасного міста: вітрини магазинів та ресторанів, станції метро та світлофори, житлові будинки та перехожих на вулицях. При цьому особлива увага зверталася на блискучі поверхні, що відбивають світло: скло, пластик, полірування автомобілів та ін. Гра відбитків на таких поверхнях створює враження взаємопроникнення просторів.

Метою гіперреалістів було зобразити світ не просто достовірно, а схоже, надреально. Для цього вони використовували механічні способи копіювання фотографій та збільшення їх до розмірів великого полотна (діапроекцію та масштабну сітку). Фарбу, як правило, розпорошували аерографом, щоб зберегти всі особливості фотозображення, виключити прояв індивідуального почерку художника.

Окрім цього, відвідувачі виставок цього напрямку могли зустріти в залах людські фігури, виконані із сучасних полімерних матеріалів у натуральну величину, одягнені у готову сукню та розфарбовані таким чином, що вони зовсім не відрізнялися від глядачів. Це викликало багато плутанини та шокувало людей.

Фотореалізм поставив своїм завданням загострити наше сприйняття повсякденності, символізувати сучасне середовище, відобразити наш час у формах. технічних мистецтв», що широко поширилися саме в нашу епоху технічного прогресу. Фіксуючи та оголюючи сучасність, приховуючи авторські емоції, фотореалізм у своїх програмних роботах опинився на межі образотворчого мистецтва і мало не переступив її, бо прагнув змагатися з самим життям.

Реді-мейд

Англ. ready made – готовий. Один із найпоширеніших прийомів сучасного (авангардистського) мистецтва, що полягає в тому, що предмет промислового виробництва виривається зі звичної побутової обстановки та експонується у виставковому залі.

Сенс реді-мейду полягає в наступному: при зміні оточення змінюється і сприйняття об'єкта. Глядач бачить у предметі, виставленому на подіумі, не утилітарну річ, а художній об'єкт, виразність форми та кольору. Назва реді-мейд вперше в 1913 - 1917 роки застосував М. Дюшан по відношенню до своїх «готових об'єктів» (гребінець, велосипедне колесо, сушарку для пляшок). У 60-х роках реді-мейд набув широкого поширення в різних напрямках авангардистського мистецтва, особливо в дадаїзмі.

Інсталяція

Від англ. installation – установка. Просторова композиція, створена художником з різних елементів – побутових предметів, промислових виробів та матеріалів, природних об'єктів, текстової чи візуальної інформації. Основоположниками інсталяції були дадаїст М. Дюшан та сюрреалісти. Створюючи незвичайні поєднання звичайних речей, художник надає їм нового символічного змісту. Естетичний зміст інсталяції у грі смислових значень, які змінюються залежно від того, де знаходиться предмет – у звичному побутовому оточенні або у виставковому залі. Інсталяцію створювали багато художників авангарду Р. Раушенберг, Д. Дайн, Г. Юккер, І. Кабаков.

Інсталяція - форма мистецтва, поширена у XX в.

Енвайронмент

Англ. environment – ​​оточення, середовище. Велика просторова композиція, що охоплює глядача на зразок реального оточення, одна з форм, характерна для авангардистського мистецтва 60-70-х років. Енвайронмент натуралістичного типу, що імітує інтер'єр із фігурами людей, створювали скульптури Д. Сегал, Е. Кінхольц, К. Олденбург, Д. Хенсон. Подібні повторення реальності могли включати елементи марення фантастики. Інший тип енвайронмента є ігровий простір, що передбачає певні дії глядачів.

Хепенінг

Англ. happening - те, що відбувається. Різновид акціонізму, найпоширенішого в авангардистському мистецтві 60-70-х років. Хепенінг розвивається як подія, швидше спровокована, ніж організована, проте ініціатори дії обов'язково залучають до неї і глядачів. Хепенінг виник наприкінці 50-х як форма театру. Надалі організацією хепенінгу найчастіше безпосередньо у міському середовищі чи природі займаються художники.

Вони розглядають цю форму як рід твору, що рухається, в якому навколишнє середовище, предмети відіграють не меншу роль, ніж живі учасники акції.

Дія хепенінгу провокує свободу кожного учасника та маніпуляцію предметами. Всі дії розвиваються за попередньо наміченою програмою, в якій, проте, велике значення приділяється імпровізації, що дає вихід різним несвідомим спонуканням. Хепенінг може включати елементи гумору та фольклору. У хепенінг яскраво виразилося прагнення авангардизму до злиття мистецтва з плином самого життя.

І нарешті найпередовіший вигляд сучасного мистецтва- Суперплощина

Суперплощина

Superflat – термін, придуманий сучасним японським художником Такасі Муракамі (Takashi Murakami).

Термін Superflat створений для того, щоб пояснити нову візуальну мову, що активно застосовується поколінням молодих японських художників, таких як Такасі Муракамі: «Я думав про реалії японського малюнка та живопису і про те, як вони відрізняються від західного мистецтва. Для Японії важливим є відчуття площини. Наша культура не має 3D-форм. 2D-форми, затверджені в історичному японському живописі, на кшталт простої, плоскої візуальної мови сучасної анімації, коміксів та графічного дизайну».

У статті зібрано короткий опис основних стилів мистецтва 20 століття. Корисно знатиме як художникам, так і дизайнерам.

Модернізм (від франц. moderne сучасний)

у мистецтві сукупне найменування художніх тенденцій, що утвердили себе у другій половині 19 століття у вигляді нових форм творчості, де переважило вже не стільки дотримання духу природи і традиції, скільки вільний погляд майстра, вільного змінювати видимий світ на свій розсуд, слідуючи особистому враженню, внутрішній ідеї або містичній мрії (віяння ці багато в чому продовжили лінію романтизму). Найбільш значними, часто активно взаємодіючими, його напрямами були імпресіонізм, символізм та модерн.

Абстракціонізм(Мистецтво під знаком «нуля форм», безпредметне мистецтво) - художній напрямок, що сформувався в мистецтві першої половини 20 століття, повністю відмовився від відтворення форм реального видимого світу. Засновниками абстракціонізму прийнято вважати В. Кандінського,П. Мондріана та К. Малевича. В.Кандинський створив власний тип абстрактного живопису, звільняючи від будь-яких ознак предметності плями імпресіоністів та «диких». Піт Мондріан дійшов своєї безпредметності через геометричну стилізацію природи, розпочату Сезанном і кубістами. Модерністські течії 20 століття, орієнтовані абстракціонізм, повністю відходять від традиційних принципів, заперечуючи реалізм, але при цьому залишаються в рамках мистецтва. Історія мистецтва з появою абстракціонізму пережила революцію. Але ця революція виникла невипадково, а цілком закономірно, і було передбачено ще Платоном! У своєму пізньому творі «Філеб» той писав про красу самих по собі ліній, поверхні та просторових форм, незалежних від будь-якого наслідування видимих ​​предметів, від будь-якого мімезису. Така геометрична краса на відміну від краси природних «неправильних» форм, на думку Платона, має не відносний, а безумовний, абсолютний характер.

Футуризм- Літературно-xудожственне течії в мистецтві 1910-х років. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa іcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypізм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaмми видвігaл ідeю paзpyшeнія кyльтypниx cтepeoтіпoв і пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгію тexнікі і ypбaнізмa як глaвниx пpізнaкoв нacтoящeгo і гpядyщeгo. Дорожньою художньою ідеєю футиризму став пошук пластичного виразу стрімкості руху як основного ознака життя сучасного. Російська версія футиризму носила назву кубофітуризм і була заснована на поєднанні пластичних принципів французького кубізму і європейської футистичної. Використовуючи перетини, зрушення, наїзди і напливи форм художники намагалися висловити множину вражень сучасної їм людини, міського жителя, що дробилася.

Кубізм- «Найповніша і радикальна художня революція з часів Ренесансу» (Дж. Голдінг). Художники: Пікассо Пабло, Жорж Шлюб, Фернан Леже Робер Делоне, Хуан Гріс, Глез Метценже. Кубізм - (франц. cubisme, від cube - куб) напрям в мистецтві першої чверті XX століття. Пластична мова кубізму ґрунтується на деформації та розкладу предметів на геометричні площі, пластиковому зрушенні форми. Багато російські художники пройшли через захоплення кубізмом, часто з'єднуючи його принципи з прийомами інших сучасних життєвих напрямків. Специфічним варіантом інтерпретації кубізма на російській ґрунті став кубофітуризм.

Пуризм— (франц. purisme, від латів. purus — чистий) перебіг у французькому живописі кінця 1910—20-х років. Основні представники - художник А. Озанфаномта архітектор Ш. Е. Жаннере (Ле Корбюзьє). Відкидаючи декоративні тенденції кубізму та інших авангардистських течій 1910-х рр., прийняту ними деформацію натури, пуристи прагнули раціоналістично упорядкованої передачі стійких і лаконічних предметних форм, як би «очищених» від деталей, до зображення «первинних» елементів. Для робіт пуристів характерні площинність, плавна ритміка легких силуетів і контурів однотипних предметів (глечиків, склянок тощо). Не отримавши розвитку на станкових формах, істотно переосмислені художні принципи пуризма знайшли часткове відбиток у сучасній архітектурі, переважно у будівлях Ле Корбюзьє.

Серреалізм— космополітичний перебіг у літературі, живописі та кінематографі, що виник у 1924 році у Франції і офіційно завершив своє існування у 1969 році. Воно значною мірою сприяло формуванню свідомості сучасної людини. Головні діячі руху Андре Бретон- письменник, лідер та ідейний натхненник течії, Луї Арагон— один із засновників сюрреалізму, який химерно трансформувався згодом у співака комунізму, Сальвадор Далі— художник, теоретик, поет, сценарист, який визначив суть течії словами: «Сюрреалізм — це я!», найвищою мірою сюрреалістичний кінематографіст Луїс Бунюель, художник Хуан Міро— «найкрасивіше перо на капелюсі сюрреалізму», як називав його Бретон, та багато інших художників усього світу.

Фовізм(від фр. les fauves - дикі (звірі)) Локальний напрямок у живопису поч. XX ст. Найменування Ф. було насмішку присвоєно групі молодих паризьких художників ( А. Матісс, А. Дерен, М. Вламінк, А. Марке, Е.О. Фрієз, Ж. Шлюб, А.Ш. Манген, К. ван Донген), що спільно брали участь у ряді виставок 1905-1907 рр., після їх першої виставки 1905 р. Назва була прийнята самою групою і міцно утвердилося за нею. Напрямок не мав чітко сформульованої програми, маніфесту чи своєї теорії та проіснував недовго, залишивши, однак, помітний слід в історії мистецтва. Його учасників об'єднувало у роки прагнення до створення художніх образів виключно з допомогою гранично яскравого відкритого кольору. Розвиваючи художні досягнення постімпресіоністів ( Сезанн, Гоген, Ван Гог), спираючись на деякі формальні прийоми середньовічного мистецтва (вітражі, романське мистецтво) та японської гравюри, популярної у мистецьких колах Франції з часів імпресіоністів, фовісти прагнули максимального використання колористичних можливостей живопису.

Експресіонізм(від фр. expression - виразність) - модерністська течія в західноєвропейському мистецтві, головним чином у Німеччині, першої третини 20 століття, що склалося в певний історичний період - напередодні першої світової війни. Світоглядною основою експресіонізму став індивідуалістичний протест проти потворного світу, все більше відчуження людини від світу, почуття безпритульності, краху, розпаду тих початків, на яких, здавалося, так міцно лежала європейська культура. Експресіоністам властиві тяжіння до містики та песимізм. Художні прийоми, характерні для експресіонізму: відмова від ілюзорного простору, прагнення до площинного трактування предметів, деформація предметів, любов до різких барвистих дисонансів, особливий колорит, що містить апокаліптичний драматизм. Художники сприймали творчість як спосіб вираження емоцій.

Супрематизм(від лат. supremus - вищий, найвищий; найперший; останній, крайній, мабуть, через польське supremacja - перевага, верховенство) Напрям авангардного мистецтва першої третини XX ст., Творцем, головним представником і теоретиком якого був російський художник Казимир Малевич. Сам термін не відбиває сутності супрематизм. Фактично, у розумінні Малевича це оцінна характеристика. супрематизм - найвищий ступінь розвитку мистецтва на шляху звільнення від усього позахудожнього, на шляху граничного виявлення безпредметного як сутності будь-якого мистецтва. У цьому сенсі Малевич і первісне орнаментальне мистецтвовважав супрематичним (або «супремоподібним»). Вперше він застосував цей термін до великої групи своїх картин (39 або більше) із зображенням геометричних абстракцій, включаючи знаменитий "Чорний квадрат" на білому тлі, "Чорний хрест" та ін., виставлених на петроградській футуристичній виставці "нуль-десять" у 1915 м. Саме за цими і подібними до них геометричними абстракціями і закріпилася назва Супрематизм, хоча сам Малевич відносив до нього і багато своїх робіт 20-х рр., що зовні містили деякі форми конкретних предметів, особливо — постаті людей, але зберігали «супрематичний дух». Та й власне пізніші теоретичні розробки Малевича не дають підстав зводити супрематизм (принаймні самого Малевича) лише до геометричних абстракцій, хоча вони, звичайно, складають його ядро, сутність і навіть (чорно-білий і біло-білий супрематизм) підводять живопис до межі її буття взагалі як виду мистецтва, тобто до мальовничого нуля, за яким вже немає власне живопису. Цей шлях у другій половині століття і продовжили численні напрямки в арт-діяльності, що відмовилися від пензлів, фарб, полотна.

Українська авангард 1910-х років представляє досить складну картину. Він характерний стрімкою зміною стилів та напрямів, достатком груп та об'єднань художників, кожне з яких проголошувало свою концепцію творчості. Щось аналогічне відбувалося і в європейському живописі на початку століття. Однак, змішання стилів, «безладдя» течій і напрямів були невідомі Заходу, де рух до нових форм був більш послідовним. Багато майстрів молодого покоління з надзвичайною стрімкістю переходили від стилю до стилю, від етапу до етапу, від імпресіонізму до модерну, потім до примітивізму, кубізму чи експресіонізму, проходячи безліч ступенів, що було нетипово для майстрів французького чи німецького живопису. Ситуація, що склалася в російському живописі багато в чому була обумовлена ​​передреволюційною атмосферою країни. Вона посилила багато з тих протиріч, які були притаманні всьому європейському мистецтву загалом, т.к. Російські художники навчалися на європейських зразках, були добре знайомі з різними школами та мальовничими течіями. Своєрідний російський «вибух» у художньому житті відіграв таким чином історичну роль. До 1913 року саме російське мистецтвовийшло до нових рубежів та горизонтів. З'явилося нове явище безпредметності — риса, яку не наважилися перейти французькі кубісти. Один за одним переходять цю межу: Кандинський В.В., Ларіонов М.Ф., Малевич К.С., Філон П.М., Татлін В.Є.

Кубофутуризм Локальний напрямок у російському авангарді (у живопису та поезії) початку XX в. У образотворчому мистецтві кубофутуризму з'явився з урахуванням переосмислення мальовничих знахідок, кубізму, футуризму, російського неопримітивізму. Основні роботи було створено період 1911-1915гг. Найбільш характерні картини кубофутуризму вийшли з-під кисті К. Малевича, а також були написані Бурлюком, Пуні, Гончаровою, Розановою, Поповою, Удальцовою, Екстером. Перші кубофутуристичні роботи Малевича експонувалися на виставці 1913р. «Мішень», на якій дебютував і лучизм Ларіонова. На вигляд кубофутуристичні роботи перегукуються зі створеними в той же час композиціями Ф. Леже і являють собою напівпредметні композиції, складені з циліндро-, конусо-, колбо-, кожухоподібних порожнистих об'ємних кольорових форм, що нерідко мають металевий блиск. Вже в перших подібних роботах Малевича помітна тенденція до переходу від природного ритму до суто механічних ритмів машинного світу ("Тесляр", 1912, "Точильник", 1912, "Портрет Клюна", 1913).

Неопластицизм— один із ранніх різновидів абстрактного мистецтва. Створено до 1917 року нідерландським живописцем П. Мондріаном та ін. художниками, що входили в об'єднання «Стиль». Для неопластицизму характерне, за словами його творців, прагнення до «універсальної гармонії», що виразилося у строго врівноважених комбінаціях великих прямокутних фігур, чітко розділених перпендикулярними лініями чорного кольору та пофарбованих у локальні кольори основного спектру (з додаванням білого та сірого тонів). Neo-plasticisme (Nouvelle plasti- que) Цей термін з'явився в Голландії у XX столітті. Піт Мондріанвизначив їм свої пластичні концепції, зведені в систему і захищені групою та журналом «Стиль» («De Sti-ji»), заснованими в Лейдені в 1917. Головною рисою неопластицизму було суворе використання виразних засобів. Для побудови форми неопластицизм допускає лише горизонтальні та вертикальні лінії. Перетин ліній під прямим кутом – перший принцип. Близько 1920 до нього додався другий, який прибираючи мазок і підкреслюючи площину, обмежує кольори червоним синім і жовтим. трьома чистими основними кольорами до яких можна додати лише білий та чорний. За допомогою цієї суворості неопластицизм передбачав вийти за рамки індивідуальності, щоб досягти універсалізму і створити таким чином нову картину світу.

Офіційне «хрещення» орфізмусталося на Салоні незалежних у 1913. Так критик Роже Аллар писав у своєму звіті про Салон: «...зауважимо для майбутніх істориків що у 1913 народилася нова школа орфізм...» («La Cote» Париж 19 березня 1913). Йому вторив інший критик Андре Варно: «Салон 1913 року був відзначений народженням нової школи орфічної школи» («Comoedia» Париж 18 березня 1913 року). Нарешті Гійом Аполлінерпідкріпив це твердження, вигукнувши не без гордості: «Це орфізм. Ось вперше проявився цей напрямок, який мною було передбачено» («Montjoie!» Париж додаток до 18 березня 1913). Дійсно термін цей був винайдений Аполлінером(орфізм як культ Орфея) і вперше публічно заявлений під час лекції присвяченого сучасному живопису та прочитаної у жовтні 1912. Що він мав на увазі? Здається, він і сам цього не знав. Більше того, не знав як визначити межі цього нового напряму. Насправді плутанина панує і досі відбулася через те, що Аполлінер несвідомо сплутав дві проблеми взаємопов'язані звичайно ж але перш ніж намагатися поєднати їх йому слід підкреслити їхні відмінності. З одного боку створення Делонемальовничих виразних засобів повністю заснованих на кольорі, а з іншого — розширення кубізму завдяки появі декількох різних напрямків. Після розриву з Марі Лорансен наприкінці літа 1912 року Аполлінер шукав притулку у сім'ї Делоне, які прийняли його з дружнім розумінням у своїй майстерні на вулиці Гран-Огюстен. Саме цього літа Робер Делоне та його дружина зазнали глибокої естетичної еволюції, що призвела до того, що пізніше він назвав «деструктивним періодом» живопис, заснований виключно на конструктивних і просторово-часових якостях колірних контрастів.

Постмодернізм (постмодерн, поставангард)

(Від лат. Post «після» і модернізм), сукупна назва художніх тенденцій, що особливо чітко позначилися в 1960-і роки і характеризуються радикальним переглядом позиції модернізму та авангарду.

Абстрактний експресіонізмпіслявоєнний (кін. 40-х - 50-ті рр. XX ст.) Етап розвитку абстрактного мистецтва. Сам термін ще в 20-ті роки ввів німецький мистецтвознавець Е. фон Зюдов (E. von Sydow) для позначення деяких аспектів мистецтва експресіоністів. У 1929 р. американець Барр застосував його для характеристики ранніх робіт Кандинського, а в 1947 р. назвав «абстрактно-експресіоністськими» роботи Віллема де Кунінгаі Поллока. З тих пір поняття абстрактного експресіонізму зміцнилося за досить широким, стилістично та технічно строкатим полем абстрактного живопису (а пізніше і скульптури), що набула бурхливого розвитку в 50-ті роки. у США, у Європі, а потім і у всьому світі. Прямими родоначальниками абстрактного експресіонізму вважаються ранні Кандинський, експресіоністи, орфісти, частково дадаїсти та сюрреалісти зі своїм принципом психічного автоматизму. Філософсько-естетичною основою абстрактного експресіонізму багато в чому стала популярна в післявоєнний період філософія екзистенціалізму.

Реді-мейд(англ. ready-made — готовий) Термін вперше введений у мистецтвознавчий лексикон художником Марселем Дюшаномдля позначення своїх творів, що становлять предмети утилітарного побуту, вилучені із середовища їхнього звичайного функціонування і без будь-яких змін виставлені на художній виставці як витвори мистецтва. Реді-Мейд стверджували новий погляд на річ та речовину. Предмет, що перестав виконувати свої утилітарні функції і включений у контекст простору мистецтва, тобто об'єктом неутилітарного споглядання, починав виявляти якісь нові сенси та асоціативні ходи, невідомі ні традиційному мистецтву, ні повсякденно-утилітарній сфері буття. Гостро випливла проблема релятивності естетичного та утилітарного. Перші Реді-Мейд Дюшанвиставив у Нью-Йорку в 1913 р. Найбільш скандально відомими іе його Реді-Мейд. стали "Колесо від велосипеда" (1913), "Сушарка для пляшок" (1914), "Фонтан" (1917) - так був позначений звичайний пісуар.

Поп-арт.Після Другої світової війни в Америці сформувався великий соціальний прошарок людей, які заробляли достатньо грошей, щоб придбати товари, які їм не були особливо важливими. Наприклад, вживання товарів: Coca cola або Levi's джинси стають важливим атрибутом цього суспільства. Людина використовуючи той чи інший товар, показує свою приналежність до певного соціального шару. Струм формувалася масова культура. Речі ставали символами, стереотипами. Поп-мистецтво обов'язково використовує стереотипи та символи. Піп мистецтво(поп-арт) втілило творчі пошуки нових американців, які спиралися на творчі принципи Дюшана. Це: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Енді Уорхол, та інші. Піп мистецтво набуває значення масової культури, тому не дивно, що воно сформувалося і стало перебігом мистецтва в Америці. Їхні однодумці: Гамельтон Р, Тон Китайяк авторитет обрали Курта Швітерса. Піп мистецтву властивий твір - ілюзія гри, що пояснює суть об'єкта. Приклад: пиріг К. Олденбургазображений різними варіантами. Художник може зобразити пиріг, а розсіяти ілюзії, показати, що людина бачить по-справжньому. Р.Раушенберг також своєрідний: він приклеював до полотна різні фотографії, їх описував і до роботи прилаштовував якесь опудало. Одна з відомих його робіт - опудало їжака. Також добре відомий його живопис, де він використовував фотографії Кенеді.

Примітивізм ( Наївне мистецтво) . Це поняття використовується в кількох сенсах і фактично тотожному поняттю «примітивне мистецтво». У різних мовах і різними вченими ці поняття використовуються найчастіше для позначення одного й того ж кола явищ у художній культурі. У російській мові (як і деяких інших) термін «примітивний» має дещо негативний сенс. Тому доречніше зупинитися на понятті Наївне мистецтво. У найширшому значенні так позначається Образотворче мистецтво, що відрізняється простотою (або спрощеністю), ясністю та формальною безпосередністю образотворчо-виразної мови, за допомогою якої виражається особливе, не обтяжене цивілізаційними умовностями бачення світу. Поняття з'явилося в новоєвропейській культурі останніх століть, тому відображає професійні позиції та уявлення цієї культури, яка вважала себе найвищим ступенем розвитку. З цих позицій під наївним мистецтвом розуміється і архаїчне мистецтво древніх народів (до єгипетської або до давньогрецької цивілізацій), наприклад, первісне мистецтво; мистецтво народів, які затрималися у своєму культурно-цивілізаційному розвитку (корінного населення Африки, Океанії, індіанців Америки); аматорське та непрофесійне мистецтво у найширших масштабах (наприклад, знамениті середньовічні фрески Каталонії або непрофесійне мистецтво перших американських переселенців з Європи); багато творів так званої «міжнародної готики»; фольклорне мистецтво; нарешті, мистецтво талановитих художників-примітивістів XX ст., які не отримали професійної художньої освіти, але відчули в собі дар художньої творчості та присвятили себе самостійній його реалізації в мистецтві. Деякі з них (французи А. Руссо, К. Бомбуа, грузин Н. Піросманішвіліхорват І. Генераліч, американка А.М. Робертсонта ін.) створили справжні художні шедеври, що увійшли до скарбниці світового мистецтва. Наївне мистецтво за баченням світу та способами його художньої презентації в чомусь наближається до мистецтва дітей, з одного боку, і до творчості душевнохворих – з іншого. Однак, по суті своїй, відрізняється і від того, і від іншого. Найближче за світосприйняттям до дитячого мистецтва стоїть Наївне мистецтво архаїчних народів та аборигенів Океанії та Африки. Принципова відмінність його від дитячого мистецтва полягає в глибокій сакральності, традиціоналізмі та канонічності.

Ні-арт(Net Art - від англ. net - мережа, art - мистецтво) Новий виглядмистецтва, сучасних арт-практик, що розвивається в комп'ютерних мережах, зокрема, в Інтернеті. Його дослідники в Росії, які роблять внесок і в його розвиток, О. Ляліна, А. Шульгін вважають, що суть Нет-арт зводиться до створення комунікаційних та креативних просторів в Мережі, що надають повну свободу мережевого буття всім охочим. Тож суть Нет-арта. не репрезентація, а комунікація та своєрідною арт-одиницею його є електронне послання. Розрізняють принаймні три етапи розвитку Нет-арта, що виник у 80-ті - 90-ті рр.. XX ст. Перший, коли художники-початківці Мережі створювали картинки з букв і значків, наявних на клавіатурі комп'ютера. Другий почався, коли до Інтернету прийшли митці андеграунду і просто всі охочі показати щось зі своєї творчості.

ОП-АРТ(англ. Op-art – скорочений варіант optical art – оптичне мистецтво) – художня течія другої половини 20 століття, що використовує різні зорові ілюзії, засновані на особливостях сприйняття плоских та просторових фігур. Течія продовжує раціоналістичну лінію техніцизму (модернізм). Сходить до так званого «геометричного» абстракціонізму, представником якого був В. Вазарелі(З 1930 по 1997р. працював у Франції) - основоположник оп-арту. Можливості Оп-арта знайшли деяке застосування у промисловій графіці, плакаті, оформлювальному мистецтві. Напрям оп-арту (оптичного мистецтва) зародилося в 50-ті роки всередині абстракціонізму, хоча цього разу іншого його різновиду - геометричної абстракції. Його поширення як течії відноситься до 60-х років. XX ст.

Графіті(graffiti - в археології будь-які подряпані на будь-якій поверхні малюнки або літери, від італ. graffiare - дряпати) Так позначаються твори субкультури, що є в основному великоформатними зображеннями на стінах громадських будівель, споруд, транспорту, виконані за допомогою різного роду пульверизаторів, аерозольних балончики з фарбою. Звідси інша назва "пульверизаторне мистецтво" - Spray-art. Його походження пов'язують із масовою появою графіті. у 70-ті роки. на вагонах нью-йоркського метро, ​​а потім і на стінах громадських будівель, магазинних жалюзі. Першими авторами графіті. були переважно молоді безробітні художники етнічних меншин, насамперед пуерториканці, у першихГраффити виявилися деякі стилістичні риси латиноамериканського народного мистецтва, а самим фактом появи поверхнях, не призначених при цьому, їх автори висловлювали протест проти свого безправного становища. На початку 80-х років. сформувався цілий напрямок майже професійних майстрів Г. Стали відомі їх справжні імена, до цього приховані під псевдонімами ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Деякі з них перенесли свою техніку на полотно і стали виставлятися в галереях Нью-Йорка, а скорографіті з'явилися і в Європі.

ГІПЕРРЕАЛІЗМ(Hyperrealism - англ.), або фотореалізм (photorealism - англ.) - Художній. течія в живописі та скульптурі, заснована на фотографії, відтворенні дійсності. І у своїй практиці, і в естетичних орієнтаціях на натуралізм та прагматизм гіперреалізм близький до поп-арту. їх перш за все поєднує повернення до фігуративності. Виступає антитезою концептуалізму, який не тільки порвав із репрезентацією, а й поставив під сумнів сам принцип матеріальної реалізації мистецтв. концепту.

Ленд-арт(Від англ. land art - земляне мистецтво), напрямок в изоискусстве останньої третиниXXв., засноване на використанні реального пейзажу як головний художній матеріал та об'єкт. Художники проривають траншеї, створюють химерні нагромадження каміння, розфарбовують скелі, обираючи для своїх акцій зазвичай безлюдні місця — первозданні та дикі ландшафти, тим самим ніби прагнучи повернути мистецтво в природу. Завдяки своєму<первобытному>Зовсім багато акції та об'єкти такого роду зближуються з археологією, а також з фото-артом, оскільки більшість публіки може споглядати їх лише в серіях фотографій. Схоже, нам доведеться упокоритися з ще одним варваризмом у російській мові. Не знаю, чи збіг, що термін<лэнд-арт>з'явився наприкінці 60-х, у час, коли в розвинених суспільствах бунтівний дух студентства спрямував свої сили на повалення усталених цінностей.

МІНІМАЛІЗМ(minimal art - англ.: Мінімальне мистецтво) - худож. течія, що виходить з мінімальної трансформації матеріалів, що використовуються в процесі творчості, простоти і однаковості форм, монохромності, творч. самообмеження художника. Для мінімалізму характерна відмова від суб'єктивності, репрезентації, ілюзіонізму. Відкидаючи класич. прийоми творчості та традиц. худож. матеріали, мінімалісти використовують промислові та природні матеріали простих геометричн. форм та нейтральних кольорів (чорний, сірий), малих обсягів, застосовують серійні, конвеєрні методи індустріального виробництва. Артефакт у мінімалістській концепції творчості - певний заздалегідь рез-т процесу його виробництва. Отримавши найповніший розвиток у живопису та скульптурі, мінімалізму, інтерпретований у широкому значенні як економія художній. засобів, знайшов застосування й у інших видах мистецтва, передусім театрі, кінематографі.

Мінімалізм виник у США у пров. підлога. 60-х. Його витоки — у конструктивізмі, супрематизмі, дадаїзмі, абстракціонізмі, формалістичній амері. живопису к. 50-х рр., поп-арте. Безпосередньо. попередником мінімалізму. є амер. художник Ф. Стелла, який представив у 1959-60 серію «Чорних картин», де переважали впорядковані прямі лінії. Перші мінімалістські твори з'являються в 1962-63 Термін "мінімалізм." належить Р. Уолхейму, що вводить його стосовно аналізу творчості М. Дюшаната поп-артистів, які зводять до мінімуму втручання художника у навколишнє середовище. Його синоніми - "прохолодне мистецтво", "АБВ-мистецтво", "серійне мистецтво", "первинні структури", "мистецтво як процес", "систематич. живопис». Серед найбільш репрезентативних мінімалістів К. Андре, М. Бочнер, У. Де Маріа, Д. Флевін. С. Ле Вітт, Р. Менголд, Б. Мерден, Р. Морріс, Р. Раймен. Їх поєднує прагнення вписати артефакт у довкілля, обіграти природну фактуру матеріалів. Д. Жадвизначає його як «специфіч. об'єкт», відмінний від класич. творів пластич. мистецтв. Самостійно, роль відіграє освітлення як спосіб створення мінімалістських мистецтв. ситуацій, оригінальних просторових рішень; використовуються комп'ютерні засоби створення творів.

Напрями мистецтво є систему художніх прийомів, засобів виразності, які покликані висловити певну ідею, світогляд, що домінує у певному співтоваристві цьому відрізку часу. Стилі розвивалися протягом останнього тисячоліття, послідовно змінюючи одне одного. Іноді новий стиль виникав, як продовження та розвиток попереднього, іноді ставав наслідком боротьби з ідеями попередника.

В окремих випадках виділити стиль настільки складно, що його скоріше відносять до категорії напряму. Так символізм, кубізм можна віднести, як самостійно сформованим стилем, і вважати їх напрямами всеосяжного модернізму.

Кожна епоха народжувала не один художній стиль. Вивчаючи твори мистецтва можна дізнатися краще той час, коли сформувався і панував той чи інший художній стиль.

Основні напрями мистецтво X - XIX століть

Романський стиль (X - XIII ст.)

Готичний стиль (XIII - XVI ст.)

Бароко (XVI - XVIII ст.)

Класицизм (XVII - XIX ст.)

Сентименталізм (XVIII ст)

Романтизм (XVIII - XIX ст.)

Реалізм (XIX ст)

Основні напрями мистецтво XX століття

Модернізм

Символізм

Імпресіонізм

Сюрреалізм

Склався в 1920-х роках минулого століття і є стильом парадоксальних форм і алюзій, що відображає поєднання сну і реальності. У живопису сюрреалізм яскраво відображений у полотнах Магрітт, Ернста, Далі, Матти...

Стиль (напрями, течії) у мистецтві - історично сформована спільність художніх ознак у вигляді мистецтва чи водночас у кількох мистецтвах, характерна різних епох і народів і зумовлена ​​єдністю ідейно-естетичних устремлінь творчої меншини. В даний час традиційно склалася низка стійких позначень для об'єктивно існуючих (і існуючих) напрямів у європейському мистецтві, основні особливості яких необхідно знати будь-якій культурній людині. Розглянемо у зв'язку основну термінологію, дотримуючись у своїй хронологічного принципу.

Романський стиль (від латів. Romanus – римський) проявився у X-XIII ст. в архітектурі та скульптурному декорі. Споруди романського стилю успадковують багато ознак римської архітектури, відрізняються простотою та раціональністю. Товщина та міцність стін були головним критерієм краси будівлі. Основними архітектурними спорудами романіки є лицарський замок та монастирський храм.

Готичний стиль (від іт. Gotico - готський, варварський) пов'язаний, перш за все, з релігійною архітектурою, скульптурою та декоративно-ужитковим мистецтвом XII-XIV ст. Головна архітектурна споруда готики – собор. Для готичних соборів характерна спрямованість вгору, до Бога, органічний зв'язок архітектури та скульптури, стрілчасті арки; вікна, прикрашені кольоровими вітражами, пишний декор.

Бароко (від іт. Barocco – дивний, химерний) стиль в архітектурі, музиці, живописі, літературі, декоративному мистецтві кінця XVI-середини XVIII ст. Він характерні естетична афектація, багатство декору, зазвичай криволінійних форм. У музиці та літературі - манірність, примхливість, хитромудрість, достаток прикрас. У мистецтві бароко, поставленому на службу релігії, єзуїти бачили потужний інструмент впливу на емоційний світ людини та формування нових уявлень європейців про багатство, складність та мінливість навколишнього світу.

Класицизм (від лат. classicus - правильний, зразковий) стиль та напрямок у мистецтві та літературі XVII початку XIXст. що ознаменував повернення до античної спадщини як до норми та ідеального зразка. Основний естетичний постулат класицизму - вірність природі, закономірної розумності світу з об'єктивно притаманною йому красою, що знаходить вираз у симетрії, пропорції, мірі, гармонії, які й мають відтворюватися мистецтво у досконалому вигляді.

Рококо (від фр. rocaille - раковина) стиль, що займає проміжне положення між бароко і класицизмом. Що отримав поширення переважно у Франції за часів Людовіка XV, стиль іноді називають його ім'ям - "стиль Людовіка XV". Визначальна риса цього стилю - прагнення до витонченості, розмаїття декору та контраст між зовнішньою строгістю будівель та вишуканістю їхнього внутрішнього оздоблення. Найбільш яскраво висловився в архітектурі, живописі, декоративно-ужитковому мистецтві.

Сентименталізм (від фр. Sentiment-почуття) - художня течія другої половини XVIII ст., що склалася в результаті розчарування у позитивній ролі «цивілізації», «царства розуму», проголошених ідеологами століття Просвітництва. Ідейно сентименталізм походить від знаменитого висловлювання Ж.Ж. Руссо «Розум може помилятися, почуття – ніколи!» Сентименталізм не виробив власної естетики і є скоріше особливим умонастроєм, меланхолійною мрійливістю, схильністю до усамітнень, підвищеною чутливістю. Його кредо - неприйняття будь-якої витонченості та зіпсованості, т.зв. "цивілізованого" суспільства.

Романтизм - широкий ідейний і художній напрямок у світовій культурі, що охопив усі види мистецтва та гуманітарну наукунаприкінці XVIII-початку XX ст. Романтизм був реакцією на результати Великої французької революції, що ознаменувала капіталістичний «прогрес» та дух загального торгашества.

Кредо романтизму - «нетиповий герой у нетипових обставинах» Романтики протиставили утилітаризму та знеособленню індивіда спрямованість до безмежної свободи, пафосу особистої та громадянської незалежності.

Реалізм (від латів. realis - справжній, дійсний) - імідж, сформував установку зображення життя у формах самого життя - «типовий герой у типових обставинах». Як творчий метод реалізм найповніше проявився у ХІХ столітті і втілився, передусім, у живопису та літературі.

Натуралізм (від лат. Natura-природа) - творчий напрямок, що з'явився в останній третині ХІХ ст. під впливом філософії позитивізму О. Конта та Г. Спенсера. Естетика натуралізму, переносячи принципи позитивізму в сферу мистецтва, базувалася на положенні про те, що художник повинен відображати навколишній світ без будь-яких прикрас, типізації, умовностей та табу з максимальною об'єктивністю. Представники натуралізму претендували на те, щоб розповісти про людину «всю таємничу», виявляючи особливу увагу до біологічних сторін її життя. Крайнім виявом натуралізму, що вже виходить за межу мистецтва, є різного роду порнопродукція, зображення «брудних» сторін життя та сцен насильства, що отримали в народі влучне позначення «чорнуха».

Модернізм (від фр. Moderne - новий, сучасний) - є сукупністю естетичних шкіл і течій кінця XIX-ХХ ст. (кубізм, футуризм, експресіонізм, конструктивізм, фовізм, дадаїзм, абстракціонізм та ін.), що протиставляють себе мистецтву минулого і стверджують новий підхід до зображення соціального буття.

Постмодернізм – (сформувався у другій половині ХХ століття). Являє собою особливий тип світогляду, орієнтований на формування такого життєвого простору, в якому заперечуються всякого роду норми і традиції та головними цінностями стають свобода у всьому, спонтанність діяльності, ігровий початок, культурна орієнтація, на «деконструкцію», «децентралізацію», абсолют »як способу оцінки світу (Р. Барт).