Historie opery u nás, jakožto hudebně-dramatického žánru pocházejícího ze Západu slunce, však začala dávno před inscenací „Života pro cara“ („Ivan Susanin“) od M.I. Glinka – první ruská klasická opera, premiéra 27. listopadu 1836.

Pokud se budete hodně snažit, počátky ruské opery můžete znát z dávných dob, hudební a dramatický prvek síly ruských lidových rituálů, jakoby z jarních rituálů, kulatých tanců a inspirovat církevní aktivity středního Ruska, jako je vzhled ruské opery. S ještě větší podporou se zrod ruské opery v lidově-duchovním dění 16-17 století, v r. školní dramata Kyjevské a moskevské akademie na biblická témata. Všechny tyto hudební a historické prvky lze nalézt v dílech budoucích ruských operních skladatelů.

17. července 1672 Johanna Gottfrieda Gregoryho, kterému byly tři roky, až do rána přivítal první vistav „Ester“ („Artaxerxova akce“). Před účastí na tanci hrála hudba - orchestr s nіmtsіv a dvorními lidmi, jako by hráli "na varhany, violy a jiné nástroje", možná, v p'єsi se účastnili i sbory z "panovníkova spіvakіv". Car kouzel, všichni účastníci vistavi byli laskaví, štědře vinaři a nechali se políbit královskou rukou – „byli v rukou velkého panovníka“, jáhnové odebrali hodnosti a honoráře, Řehoř sám vzal čtyřicet sobolů za sto karbovantsiv (zahid chytrá pokladna).

Kroky Řehořových kroků již duněly v komnatách moskevského Kremlu; pro královnu a princeznu byla zvláštní místa, oplocená častou mříží, takže smrad nebyl na veřejnosti vidět. Vistawis zařval asi 10. večer a zůstal až do časného rána. Ačkoli v "Artaxerxově akci" je osud hudby malý, má spíše vipadický charakter, pak v roce 1673. na jevišti se objevila p'esa dosti podobná opeře. Nayimovіrnіshe, to bylo přepracování libreta opery Rіnuchchini „Evridіka“, protože to byla jedna z prvních oper a byla široce rozšířena v Evropě v číselných úpravách.

Johann Gregory v roce 1673, poté, co usnul v divadelní škole, bylo 26 filištínských dětí vyučováno "komediální spravedlnosti". V roce 1675 však Gregorovi bratři onemocněli a odešli se radovat do německých zemí a pak náhle zemřeli v Merserburz de y boov a divadelní škola byla uzavřena. Po smrti cara Oleksija Michajloviče v roce 1676 nový car Fedir Oleksiyovych nevykazoval v divadle žádné přetížení, hlavní patron Artamon Matveev měl na starosti odesílání do Pustozerska, divadla dokončila růže. Brýle klopýtly, ale myšlenka se ztratila, co je možné, jako by se sám suverén uklidnil.

Gregory, který prožil většinu života Ruska, se stal staromódním díky současným divadelním trendům a inscenovaným komediím, prote, byl položen klas ruského dramatického a operního umění. Přijďte brzy do divadla, ono znovuzrození jógy přišlo za dvacet pět let pro hodiny Petra Velikého.

Od té doby uplynulo tři sta let, ale opera je považována za jeden z nejoblíbenějších hudebních žánrů. Rozmarýn operní hudby je přístupnější pokožce, což je podpořeno slovy i jevištními výkony, a hudba je silnější než působivost dramat, mocně a stručně vyzdvihuje to, co je důležité vyjádřit slovy.

V tuto hodinu má ruská veřejnost zájem plynule vyvolávat opery S. M. Slonimského, R. K. Ščedrina, L. A. Desjatnikova, V. A. Kobekina, A. V. Čajkovského - їх, хоч і, ale můžete se divit, přidejte vstupenky ve Velkém divadle. Nejoblíbenější a nejoblíbenější divadlo u nás a samozřejmě Velké divadlo je jedním z hlavních symbolů našeho státu a kultury. Jakmile navštívíte Velkou, budete moci znovu vidět celý svět hudby a dramat.

Lehká klasická hudba je nemyslitelná bez práce ruských skladatelů. Rusko, skvělá země s talentovanými a svými vlastními lidmi kulturní recese, zavzhdi bula mezi přední lokomotivy světelného pokroku a vědy, zvuk hudby. Ruská skladatelská škola, která navazovala na tradici tehdejší ruské školy, začala v 19. století se skladateli, kteří kombinovali evropské hudební umění s ruskými lidovými melodiemi a společně vytvářeli taurského ducha.

O kožních problémech mnoha slavných lidí můžete říct hodně, není to snadné pro každého, ale někdy tragický osud, ale v budoucnu jsme se snažili dát pouze Stručný popisživot a kreativita skladatelů.

1.Michailo Ivanovič GLINKA (1804—1857)

Michailo Ivanovič Glinka, zakladatel rus klasická hudba a první votchiznyany klasický skladatel, který je dosah světské slávy. Yogo roboti, jako spirála bohaté tradice ruské lidové hudby, byli novým slovem pro hudební mystiku naší země.
Narodil se poblíž Smolenské gubernie a osvítil zdraví Petrohradu. Vznik pozorovatele světla a hlavní myšlenka kreativity Michaila Glinky přímo souvisela s takovými zvláštními rysy jako O.S. Puškin, V.A. Žukovskij, O.S. Gribojedov, O.O. Tvůrčí impuls jógovým robotům dala cesta do Evropy na klasu 30. let 19. století a slavní skladatelé té doby - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn a později s G. Berliozem, J. Meyerberem. Úspěch se M.I.Glinkovi dostavil po nastudování opery „Ivan Susanin“ („Život pro cara“) (1836), neboť bula byla udusena zvukem celého světa, poprvé ruského sborového umění a evropského symfonie, a tak se v operní praxi objevil hrdina, podobný Susanin, obraz jakéhosi krásnějšího obrazu národního charakteru. V.F.Odoevskiy charakterizoval operu „Nový prvek ve vědě a nové období v historii začíná – období ruské hudby“.
Další operou je epos „Ruslan a Ludmila“ (1842), jehož dílo bylo provedeno a anatomie Puškinovy ​​smrti a ve skladatelových důležitých životních myslích, prostřednictvím hluboce inovativní podstaty tvorby, byla nejednoznačně zděšena pohledy a mocí. a přinesl důležité zkušenosti M. I. Glinkovi. Po nějakém víně, které zdražilo, střídavě žije v Rusku a za kordonem, ne pripinyayuchi psát. V józe se ztratily romance, symfonie a komorní díla. V 90. letech se "Vlastenecká píseň" Michaila Glinky stala oficiální hymnou Ruské federace.

Citát od M.I.Glinky: "Abyste vytvořili krásu, musíte si vyčistit duši sami."

Citát o M.I.Glinkovi: "Celá ruská symfonická škola, jako předtím celý dub u žaludu, je zabalena do symfonické fantasy "Kamarinska". P.I. Čajkovskij

Tsіkaviy fakt: Michailo Ivanovič Glinka se nezdál být v dobrém zdravotním stavu, bez ohledu na to, že je snadno na nohou a zázračně zná zeměpis, možná se nestal skladatelem a poté se stal mandrivnikem. Vin uměl šest cizích jazyků, včetně perštiny.

2. Oleksandr Porfirovič BORODIN (1833—1887)

Oleksandr Porfirovič Borodin, jeden z předních ruských skladatelů druhé poloviny 19. století, byl talentovaný chemik, léčitel, učitel, kritik a literární talent.
Po narození v Petrohradě se od dětství všichni vyznačovali neobvyklou aktivitou, dusností a mrazivostí v různých směrech, před hudbou a chemií. A.P. Borodin je ruský skladatel-nugget, neměl profesionální učitele-hudebníky, všechny jeho úspěchy v hudbě jsou zavdyaky samostatná práce přes techniku ​​skládání volodinnya. Na výlisku A.P. Borodina se kreativita M.I. Glinka (stejně jako u všech ruských skladatelů 19. století) az podnětu k silnému obsazení skladby na klasu 60. let 19. století dali dvě dělení - v první řadě seznámení s talentovaným klavíristou E.S. z M. A. Balakirevim a vstoupil do tvůrčího svazu ruských skladatelů, známého jako „Mighty Cup“. Například v 70. a v 80. letech 19. století A.P. století.
Ústřední místo v díle A.P. Borodina zaujímá opera "Princ Igor" (1869-1890), hrdinský epos Sám jsem u hudby a vína neměl rád (dokončili to přátelé jogínové A.A. Glazunov a N.A. Rimskij-Korsakov). U "knížete Igora" na mšice velkých obrazů historických podií byl obraz pomyslel si Golovna všechna díla skladatele jsou maskulinita, klidná vznešenost, upřímná vznešenost nejlepšího ruského lidu a mocná síla celého ruského lidu, která se projevuje v obraně vlasti. Bez ohledu na ty, kteří A.P. symfonická hudba, která se přelila na spoustu generací ruských i zahraničních skladatelů.

Citát o kráse A.P.." V.V. Stašov

Tsikavy fakt: po Borodinovi byla pojmenována chemická reakce stříbrných solí karboxylových kyselin s halogeny, jejímž výsledkem byla substituce halogenů v uhlohydrátech, v důsledku čehož byla poprvé 1861 roci.

3. Modest Petrovič MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovič Musorgskij - jeden z nejskvělejších ruských skladatelů 19. století, člen "Mighty Cup". Inovativní kreativita Musorgského byla daleko před jeho hodinou.
Narozen v provincii Pskov. Jako bohatě nadaný lid, od dětinství ukazující to nejlepší v hudbě, počínaje St. Petersburgem, buv, rodinné tradice, Viyskovich. Virishal podієyu, což znamenalo, že Musorgští lidé nejsou pro vojenská služba, a hudba, se stal jógou zustrіch od M.A. Balakireva a vstoupil do "Mogutnyu kupku". Musorgskij je skvělý tým, který ve svých grandiózních kreacích - operách "Boris Godunov" a "Khovanshchina" zobrazil dramatické milníky v hudbě ruské dějiny s radikální novinkou, jakou ruská hudba dosud neznala, ukazující v nich masové lidové scény a bohatou rozmanitost typů, jedinečný charakter ruského lidu. Tyto opery, mezi četnými vydáními, jako autor a další skladatelé, patří mezi nejoblíbenější ruské opery na světě. Dalším výrazným Musorgského výtvorem je cyklus klavírních skladeb „Babys from Exhibitions“, barevné a vinařské miniatury prostoupené ruským tematickým refrénem a pravoslavnou vírou.

Všechno na Musorgského životě bylo skvělé - velikost, tragédie, pivo vin zavzzhdy, oslnivé duchovní čistotou a hrubostí. Ostatní osudy byly důležité - život v nenásilí, nedostatek kreativity, soběstačnost, závislost na alkoholu, to vše se podepsalo na jeho předčasné smrti ve 42. roce, kdy zanechal polovinu děl, jejichž činy byly dokončeny od jiných skladatelů. Specifická melodie a novátorská harmonie Musorgského vedla postavy hudebního vývoje 20. století a hrála důležitou roli ve vývoji stylů bohatých světových skladatelů.

Citace od M.P.

Citát o M. P. Mussorgském: „Je to tiché ruštině znít ve všem, co Musorgskij vytvořil“ N. K. Roerich

To je fakt: například život Musorgského, pod tlakem „přátel“ Stasova a Rimského-Korsakova, byl inspirován autorským právem v jeho díle a dal je Tertiji Filippové.

4. Petro Illich Čajkovskij (1840—1893)

Petro Illich Čajkovskij, možná největší ruský skladatel 19. století, vyzdvihl ruské hudební umění k nebi. Vin je jedním z nejvýznamnějších skladatelů lehké klasické hudby.
Rodák z provincie Vjatka, i když kořen linie Batkiv na Ukrajině, Čajkovskij od dětství předváděl hudební vibrace, prot první vzdělání, že robot byl v síni vymáhání práva. Čajkovskij – jeden z prvních ruských skladatelů – „profesionálů“ – teorii hudby a kompozici se naučil na nové petrohradské konzervatoři. Čajkovskij byl respektován jako "zahіdnym" skladatel, ve srovnání s lidovým dijačem "Mocný Kupka", s nímž měl dobré tvůrčí a přátelské stosunki, ale jeho kreativita byla neméně prodchnuta ruským duchem, byl daleko jedinečně jako symfonie. symfonie, s. tradice, úpadek v očích Michaila Glinky.
Skladatel v aktivním životě - používá se jako učitel, dirigent, kritik, komunitní dítě, působí ve dvou hlavních městech, cestuje po Evropě a Americe. Čajkovskij buv lidi vydržet emocionálně nevyrovnané, dušení, znevira, apatie, okázalost, násilný hněv - všechny nálady se změnily novým způsobem, aby často vydrželi, být přítelem soudruha, vіn zavzhd vzdorovat sobectví.
V Čajkovského tvorbě je vidět to nejlepší - sofistikovanější tradice, spousta stejně skvělých děl ve všech hudebních žánrech - opera, balet, symfonie, komorní hudba. Rozdíl mezi Čajkovského hudbou je univerzální: s jedinečnou melodikou dusí život a smrt, láska, příroda, dětinskost, výtvory ruské a světské literatury jsou odhaleny novým způsobem, hluboké procesy duchovního života jsou odhaleny novým způsobem .

Citát skladatele:
"Jsem umělec, který může a je vinen přinášet čest své vlasti. Vidím v sobě velkou uměleckou sílu, ještě jsem nevypěstoval desetinu toho, co vypěstuji. Chci pracovat se vší silou svého duše."
"Život může být součástí života pouze tehdy, je-li tvořen radostmi a strasti, bojem za dobro proti zlu, za světlo a temnotu, jedním slovem - za rozmanitost v jednotě."
"Velký talent vede k velké praktičnosti."

Citát o skladateli: "Jsem připravený na den a nic, co by stálo za čestnou varty toho hajzla toho stánku, de live Petro Illich, - respektuji jógu" A.P. Čechov

Tsіkavy fakt: Univerzita v Cambridge v nepřítomnosti a bez disertační práce udělila Čajkovského titul doktora hudby, takže ho Pařížská akademie mystiky vitality zvolila za korespondenta.

5. Mykola Andriyovič RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Mikola Andriyovich Rimsky-Korsakov je talentovaný ruský skladatel, jeden z nejdůležitějších článků při vytváření neocenitelného hudebního banketu votchiznya. V dějinách hudby nejsou žádné analogy a v dějinách hudby nejsou žádné analogy, které by pohřbila diva buttya, jednota s přírodou.
Narodil se v provincii Novgorod, podle rodinné tradice se stal námořním důstojníkem na vojenské lodi kolem bohaté země Evropy a obou Amerik. Hudební osvětlení poté, co jsme vzali ruku do očí matky, pak jsme absolvovali soukromé lekce u klavíristy F. Kanille. Obnovuji zavdyaka M.A. Balakiryeva, organizátora „Mocného nákupu“, který přivedl Rimského-Korsakova do hudebního povědomí a vlil do něj svou kreativitu, svět talentovaného skladatele nepromarnil.
Opery jsou komponovány v centrálním místě v blízkosti Rimského-Korsakova regionu a demonstrují různorodost žánrových, stylových, dramaturgických, kompozičních řešení skladatele; Dvě hlavní přímo inspirují skladatelovu kreativitu: první je ruská historie, další je svět pohádek a eposů, za které si víno odneslo cenu „kazkar“.
Krym bez střední nezávislosti tvůrčí činnosti N.A. Rimsky-Korsakov, jako publicista, sestavuje sbírky lidových písní, projevuje velký zájem o taková vína a navit jako dokončení díla svých přátel - Dargomizhského, Musorgského a Borodina. Rimskij-Korsakov byl tvůrcem skladatelské školy, jako pedagog a ověřovatel Petrohradské vinařské konzervatoře vydal téměř dvě stě skladatelů, dirigentů, muzikologů, mezi nimi Prokofjeva a Stravinského.

Citát o skladateli: "Rimskij-Korsakov je spíš ruský člověk a spíš ruský skladatel. Respektuji, že to je klidně ruská podstata, že je to dnes bohatý folklórně-ruský základ, ale obzvlášť se to cení." Mstislav Rostropovič

Kreativita ruských skladatelů konce 19. - v první polovině 20. století a plné pokračování tradiční ruské školy. Zároveň se říkalo konceptu jít nahoru k „národní“ příslušnosti k jiné hudbě, nepřerušovaná citace lidových melodií prakticky neexistuje, ale ztratila se intonace ruského základu, ruské duše.

6. Oleksandr Mikolajovič SKRYABIN (1872 - 1915)

Oleksandr Mikolayovich Skrjabin je ruský skladatel a pianista, jeden z nejkrásnějších rysů ruské a světské hudební kultury. Spontánní a hluboce poetická kreativita Skrjabina byla považována za inovaci, která měla vštípit mšicím lidí bohaté nové směry v mystice způsobené změnami. suspіlnogo života mezi 20. stoletím.
Poté, co se narodila poblíž Moskvy, matka zemřela brzy, otec vzdal úctu svým synům a sloužil jako velvyslanec v Persii. Skryabin vikhovuvavsya tіtkoy a dіdom, od dětství, když odhalil hudební vibrace. Začínal na klasu v kadetském sboru, chodil na soukromé hodiny klavíru, po dokončení sboru nastoupil na moskevskou konzervatoř, což byl spolužák SV Rachmaninova. Po skončení konzervatoře se Skrjabin věnoval hudbě - jako klavírista-skladatel, koncertuje, koncertuje po Evropě a Rusku, většinu hodiny tráví za kordonem.
Vrcholem Skrjabinovy ​​skladatelské kreativity byly roky 1903-1908, kdy Třetí symfonie („Božská báseň“), symfonie „Zpěv k extázi“, „Tragic“ a „Satanichna“ klavír zpívaly, 4. a 5. sonáty a další díla. "Zpívání do extáze", která je složena z řady témat-obrazů, soustředila Srjabinovy ​​tvůrčí nápady a je mistrovským dílem. Láska skladatele v ní harmonicky přerostla do síly velkého orchestru a lyrické, opakující zvuk sólových nástrojů. "Sing Ecstasy" je naplněna kolosální životní energií, ohnivou zálibou, volova mіts se vyrovnává s neúprosnou újmou na posluchači a dodnes šetří sílu svých slin.
Dalším mistrovským dílem Skrjabina je „Prometheus“ („Zpívejme v ohni“), ve kterém autor zrenovoval svůj harmonický mov, který vstoupil do tradičního tonálního systému, a také poprvé v historii tohoto televizoru je malý doprovází barevná hudba, ale premiéra se z technických důvodů obešla bez světelných efektů.
Zbývající nedokončená "Tajemství" byla koncipována Skrjabinem, klerikem, romantikem, filozofem, aby se obrátila na celé lidstvo a inspirovala ho k vytvoření nového fantastického řádu světa, ke spojení Vesmírného ducha s Hmotou.

Citát A.N. Skrjabina: „Chodím jim (lidem) říct – smrdí... v životě na Krymu nevyrazili nic, co by sami mohli vytvořit... Vzlykání Nebál jsem se toho smradu, jako kdyby sám bych mohl zrodit správnou oslavu.

Citát o A.N. velký umělec, Vono nabuvaє postіyny význam a plachý nevyhnutelný “. G. V. Plechanov

7. Sergej Vasilovič Rachmaninov (1873 - 1943)

Sergiy Vasilovič Rachmaninov je největší lehký skladatel počátku 20. století, talentovaný klavírista a dirigent. Tvůrčí obraz Rachmaninova jako skladatele je často označován jako přídomek „nejruský skladatel“, který ve své krátké formulaci uznává jeho zásluhy o spojení hudebních tradic Moskvy a St. hudební kultury.
Poté, co se narodil v provincii Novgorod, z několika osudů, začal se věnovat hudbě pod matkou keramiky. Po studiu na Petrohradské konzervatoři jsem po 3 letech studia přestoupil na Moskevskou konzervatoř a promoval se skvělou zlatou medailí. Shvidko se stal předním dirigentem a klavíristou, skládal hudbu. Neúspěch premiéry inovativní První symfonie (1897) v Petrohradě nazval skladatelovu tvůrčí krizi, pro Rachmaninova viishova na klasu 20. století s formovaným stylem, který sjednotil ruskou církevní píseň, že Evropský romantismus, jako je impresionismus a neoklasicismus, - a všechno je skládací symbolika. Během celého tvůrčího období se rodí ty nejkrásnější výtvory, mezi nimi 2 a 3 klavírní koncerty, Další symfonie a samotná jóga milovat tvir- Báseň "Dzvoni" pro sbor, sóla a orchestr.
V roce 1917 opouští Rachmaninovův rozі ze sim'єyu buv zmusheny naši zemi a osu ve Spojených státech. Mayzhe deset rokіv po vіd'їzdu, aniž by bylo něco dohromady, spousta turné v Americe a Evropě a bu největší klavíristé epocha a největší dirigent. Přes všechnu tu bouřlivou aktivitu zůstal Rachmaninov zranitelný a neopěvovaný člověk, který zná sobectví a vštěpuje sobectví, což je jedinečné v nepříjemném respektu veřejnosti. Miloval štědře a sumuvav pro vlast, myslel si, že si nevypěstoval odpuštění, připravil se o її. Vіn stіyno tsіkavivsya vsіma podіami, scho vіdbuvayutsya v Rusku, čtení knih, novin a časopisů, finanční pomoc. Dělejte něco dál – Symfonie č. 3 (1937) a „Symfonické tance“ (1940) se staly výsledkem tvůrčí cesty, vzaly vám vše nejlepší z vašeho jedinečného stylu a truchlivě, téměř neprávem, plýtvaly touto těsností pro otčina.

Citace S.V. Rachmaninova:
"Cítím se jako starosta, jako bych se sám procházel v cizím světě."
"Největší vysoká kvalita jakéhokoli umění - tse yogo schirіst.
"Velcí skladatelé odjakživa ctili melodii pro všechno, jako dobrý hudební sluch. Melodie je esencí hudby, hlavním základem veškeré hudby... z tohoto důvodu projevovali velcí skladatelé minulosti zájem o lidové melodie svých zemí.

Citát o S. V. Rachmaninovovi:
"Rachmaninovovy výtvory jsou vyrobeny z oceli, která je zlatá: Ocel je v jeho rukou, zlato je v jeho srdci. Nemohu na něj myslet bez slz. Nejen že se stydím před velkým umělcem, ale miluji nového člověka." ." I. Hoffman
"Rakhmaninovova hudba je jako oceán. Yogo hvili - muzikál - podlahy začínají daleko za obzorem a zvedají tě tak vysoko a snižují tě tak vhodně... vidíš ten Dihanniin pokus." O. Konchalovský

Tsіkavy fakt: pod hodinou Velké Vytchiznyanoi válka Rachmaninov uspořádal několik charitativních koncertů a poslal z nich penny do fondu armády Chervona na boj proti německým fašistickým okupantům.

8. Igor Fedorovič STRAVINSKÝ (1882-1971)

Igor Fedorovič Stravinskij je jedním z nejvýznamnějších lehkých skladatelů 20. století, vůdce neoklasicismu. Stravinskij, který se stal „zrcadlem“ hudební éry, jeho kreativita ukazuje pluralitu stylů, které se postupně mění a jsou důležitě klasifikovány. Vіn volně kombinují žánry, formy, styly a vybírají je ze století hudební historieřídí se svými pravidly.
Narozen poblíž Petrohradu, po studiích na Právnické fakultě Petrohradské univerzity, samostatném zvládnutí hudebních oborů, soukromých lekcích u N. A. Rimského-Korsakova na stejné škole kompozice, Stravinského škole kompozice, po zvládnutí skladatelovy techniky . Profesionální stohování vín, které začalo znít pizno, ale zlіt bv strіmkim - série tří baletů: "Pták Ohnivák" (1910), "Petrushka" (1911) a "Svěcení jara" (1913) přinesl přes noc jógu skladatelům první velikost.
V roce 1914, po zaplavení Ruska, se zdálo, že je to znovu Mayzhe (1962 byl na turné v SSSR). Stravinskij je kosmopolita, vřava měnící se země - Rusko, Švýcarsko, Francie, přišla o život v USA. Jógová kreativita je rozdělena do tří období – „ruská“, „neoklasická“, americká „sériová výroba“, období jsou rozdělena ne na hodinu života v různé země, ale za „rukopisem“ autora.
Stravinskij buv je velmi osvícený, kamarádský člověk se zázračným smyslem pro humor. Předtím byli známí a korespondenti hudebníci, básníci, umělci, ženy, podnikatelé a státníci.
Zbytek Stravinského počinu – „Requiem“ (Pamětní písně) (1966) odstranil a spojil předchozí skladatelův umělecký záznam a stal se skutečnou apoteózou mistrovy kreativity.
Kreativita Stavinského vidí jednu jedinečnou rýži - "opakovatelnost", není bez důvodu, že jóga byla nazývána "skladatelem tisíce stejného stylu", neustálá změna žánru, stylu, přímo do děje - kůže jógové tvir se neopakuje, ale postupně se obrací ke konstrukcím, ve kterých je vidět Ruský výlet, mírně ruský kořen.

Citát I.F. Stravinského: "Jsem celý svůj ruský život, mám ruský sklad. Možná to v mé hudbě není tak docela vidět, ale je to v ní uloženo, cena je v mé připoutanosti."

Citát o I.F.Stravinském: "Stravinskij je skutečně ruský skladatel... Ruský duch zbídačení je jádrem pravého velikána, bohatě talentovaného, ​​lidnatého ruskou zemí a s ní krvavě spřízněného..." D. Šostakovič

Tsіkavy fakt (příběh):
Stravinskij si jako v New Yorku vzal taxíka a s úžasem si přečetl svou přezdívku na tabletu.
- Vy nejste příbuzný skladatele? - po vypití vína od řidiče.
- Je Heba skladatel s takovou přezdívkou? - řidič Zdivuvavsya. - Slyším to. Vtim, Stravinskij - přezdívka taxikáře. No, nechci nic spát s hudbou - moje přezdívka pro Rusko ...

9. Sergij Sergijovič PROKOF'EV (1891—1953)

Sergiy Sergiyovich Prokofjev - jeden z největších ruských skladatelů 20. století, pianista, dirigent.
Narodil se v Doněcké oblasti a od dětství dosáhl hudebního stupně. Prokof'evu lze považovat za jednu z mála (ale ne za jedinou) ruských hudebních "divů", z 5 let skládání, z 9 let psaní dvou oper spí na petrohradské konzervatoři, mezi učiteli N. A. Rimského. -Korsakov. Klas profesionální kariéry viklikav bouři kritiky a nerozumný jogínský princip antiromantického a vágně modernistického stylu, paradox toho, že ničí akademické kánony, struktura jogových skladeb ztratila své pravé klasické principy a stala se proudící silou modernismu. Na klasu kar'єri Prokof'ev bohatě vystupoval a koncertoval. V roce 1918 byli roci vins na mezinárodním turné, včetně těch, kteří přišli do SRSR, a vrátili se zpět do vlasti v roce 1936.
Země se změnila a Prokofjevova „svobodná“ kreativita se násilně vzdala realitě nových mocností. Prokofjevův talent stoupal s novou silou - psal opery, balety, hudbu k filmům - gostra, volova, přesnou hudbu s novými obrazy a nápady, položil základy radyanské vážné hudby, té opery. V roce 1948 došlo ke třem tragickým úmrtím současně: pro podezření byla špionáž zatčena a poslána do táborů prvního španělského oddílu; Vyishla Postanov z Polibura Ústředního výboru Všesvazové komunistické strany bolševiků v přítomnosti Prokofjeva, Šostakoviče a dalších byli napadeni zvuky „formalismu“ a špatné hudby; skladatelův zdravotní stav se zhoršil, odešel do dače a možná opustil své її, ale pokračoval v psaní.
Opera "Válka a mír", "Příběh dobrého člověka" se staly jedním z nejslavnějších výtvorů Radyanského období; balety "Romeo a Julie", "Popelyushka", které se staly novým standardem lehké baletní hudby; oratorium „Na stráž světa“; hudba k filmům „Olexander Něvskij“ a „Ivan Hrozný“; symfonie č. 5,6,7; klavírní díla.
Kreativitě Prokofjeva stojí v opozici bohatost šíře námětu, originalita jeho hudebního nápadu, svěžest a originalita epochy světové hudební kultury 20. století a dala silný příliv k bohatství Radian a zahraničních skladatelů.

Citace S.S. Prokofjeva:
„Co může stát umělec na okraji života? .. Snažím se smířit s tím, že skladatel, jako zpívá, sochař, malíř výkřiků, aby sloužil lidem a lidem... vedl lidi ke zářné budoucnosti ... "
"Já - když jsem ukázal svůj život, jako bych mi dal sílu opravit opíra celému neduchovnímu"

Citát o S.S. tak já nehraju a neposlouchám Prokofjeva, ale jen na něj myslím, beru náboj energie, vidím velikost života, děti“ Y. Kisin

Fakt Tsikavy: Prokofjev už měl rád šeky a obohatil skupinu svými nápady a úspěchy, uprostřed kterých našel „devět“ šeků - desku 24x24 polí s devíti sadami figurek.

10. Dmitro Dmitrovič ŠOSTAKOVIČ (1906 - 1975)

Dmitro Dmitrovič Šostakovič je jedním z nejvýznamnějších a nejslavnějších skladatelů světa, který bez míru vštěpuje moderní vážnou hudbu. Yogo tvorіnnya - tse spravzhnі vyslovlyuvannya vnutrіshnyo ї lyudskoy ї ї dram a litopis vozmozhnyh podіy 20. stolittya, de lybko propletené s tragédií lidí této rodné země, s podílem na původní zemi.
Rektor Oleksandr Glazunov, který se narodil v Petrohradě, první hudební lekce absolvoval od své matky, vystudoval Petrohradskou konzervatoř, když nastoupil na univerzitu, vyrovnal jógu s Mozartem – tak zapůsobil na jeho zázračnou hudební paměť, jemný sluch a skladatelský dar. Už na klasu 20. let, před koncem konzervatoře, Šostakovič nejlepší skladatelé okraj. Svatá sláva přišla Šostakovičovi po vítězství na 1 Mezinárodní soutěž Chopin v roce 1927 roci.
Před pěveckým obdobím a před nastudováním opery Lady Macbeth okres MtsenskŠostakovič tvořil jako velký umělec – „avantgarda“, experimentující se styly a žánry. přímo na umění V mém životě jsou politika a kreativita již pevně propojeny, chválíme sílu a její pronásledování, objímání vysokých plantáží a oceňuje je, nagorodzhuvsya a ale na hranicích samotného zatčení a mých sousedů.
Měkká, inteligentní, jemná osoba znala svou vlastní formu vyjádření tvůrčích principů v symfoniích, dokázala říct pravdu asi hodinu co nejotevřeněji. Kvůli velké kreativitě Šostakoviče ve všech žánrech zaujímá ústřední místo samotná symfonie (15 robotů), nejdramatičtější z nich - 5,7,8,10,15 symfonií, které se staly vrcholem radyanské symfonické hudby. Zovsіm іnshiy Shostakovich vіdkrivаєtsya і komorní hudba.
Bez ohledu na to, že sám Šostakovič byl „domácím“ skladatelem a za kordón se prakticky nepodíval, toto je humanistické, vlastně vpravdě umělecké, za podobou hudby rychle a široce rozšířené po světě, vítězné těmi nejlepšími dirigenty. Velikost Šostakovičova talentu je nevyčíslitelná, i když tohoto jedinečného projevu světové mystiky se zatím nikdo nedotkne.

Citát D. D. Šostakoviče: "Správná hudba budovy je méně humánně citlivější, méně pokročilé humánní myšlenky."

9. prosince 1836 (podle starého stylu spadne 27 listů) měla premiéru opery Michaila Ivanoviče Glinky „Život pro cara“ na scéně petrohradského Velkého divadla, čímž začala nová éra v ruštině. operní hudba.

Od počátku opery se objevovala novátorská cesta prvního ruského klasického skladatele, visícího jako jogo na lehké niti. Dovolte mi, abych vám řekl o nejdůležitějších hudebních vystoupeních Glinky.

První národní opera

Jeho referenční přiznání M.I. Glinka viděla svět za vyšší cenu než Evropa. Skladatel je nejvzdálenější od vlasti, protože pojal myšlenku vytvořit správnou ruskou operu a začít pro ni zábavný příběh. Pro radost Žukovského Glinka připomínal vlasteneckou historii - převyprávěl o činu Ivana Susanina, který viděl život v zemi svého otce.

V minulosti se takový hrdina objevil ve světové operní hudbě. jednoduchý výlet a s nejlepší rýží národního charakteru. Nejprve v hudební kreativita v takovém měřítku zněly nejbohatší tradice národního folklóru, ruská píseň. Veřejnost přijala operu s nadšením a tato sláva skladateli přišla. Na list jeho matky Glinka napsal:

„Včera večer se o mé bazhanyi snilo a po dlouhou dobu o mé koruně tím nejnudnějším úspěchem. Veřejnost přijala mou operu s nevídaným nadšením, herci vystupovali z rozmaru... císař-suverén... ke mně promluvil a už dávno ke mně promluvil...“.

Opera byla vysoce ceněna kritiky a dětmi kultury. Odoevskiy to nazval „začátkem nového prvku v umění – období ruské hudby“.

Kazkovy eposy přijdou k muzice

V roce 1837 začal Glinka pracovat na nové opeře, když znovu zpíval A. S. Puškina „Ruslan a Ludmila“. Nápad dát pohádkový epos na hudbu vinylu od Glinky pro život básníka, který by mu mohl pomoci s libretem, Puškinova smrt plány zničila.

Premiéra opery se konala v roce 1842 9. června, přesně šest let po "Susanině", ale bohužel nepřinesla tak ohlušující úspěch. Aristokratická nadvláda choli s císařskou rodinou ukradla inscenaci věštkyně. Kritici Glinkových navitniků byli před operou nejednoznační.

„Například 5. den císařského prizveshche přišel z divadla. Pokud stáhli oponu, začali mě méně oslovovat, ale tleskali nepřívětivější, zároveň pilně syčeli a důležitější je nastudovat orchestr,“

- Hádat skladatele.

Důvodem takové reakce byla Glinkina inovace, která vedla k vytvoření "Ruslan a Lyudmila". Skladatel má pro každé své dílo jiné motivy a obrazy, které byly dosud ruskému posluchači podávány nepochopitelně - lyrické, epické, folklórní, podobné a fantastické. Glinka navíc podlehla skvělé vykukující formě italské a francouzské operní školy.

Tse pіznіshe kazkovy epos zmіtsnivsya v dílech Rimského-Korsakova, Čajkovského, Borodina. Jenže tehdy veřejnost na takové revoluce v operní hudbě prostě nebyla připravena. Dlouhou dobu byla Glinkova opera oceňována jako nescénická tvorba. Jeden z її zahisnikіv kritik V. Stasov navit nazývá її "mučedníkem naší doby."

Klas ruské symfonické hudby

Po selhání Ruslana a Lyudmily Glinka překročila kordon a pokračovala v tvorbě. V roce 1848 se objevila slavná "Kamarinska" - fantazie o těchto dvou ruských písních - zábava a tanec. Od "Kamarinskoy" máme vlastní klas ruské symfonické hudby. Jako by skladatel tušil, psal ještě rychleji, ale nazval to fantasy.

"Můžu zpívat, že si vážím tvůrčích tsієї p'єsi pouze vnitřních hudebních pocitů, nemyslím na ty, kteří chodí na zvony, jako naši pravoslavní lidé chodí",

- Rozpovіd pіznіshe Glinka. Tsikavo, kteří mají blízko k císařovně Oleksandriya Fedorivna, "znalci" vysvětlili, že na jednom místě tvoříte trochu, jako "klepání na dveře chaty."

Osa je tak, prostřednictvím dvou lidových ruských písní od Glinky, upevnila nový typ symfonické hudby a položila základ pro další vývoj. Čajkovskij řekl o televizi toto:

„Celá ruská symfonická škola, stejně jako předtím celý dub u žaludu, je zabalena do symfonické fantazie „Kamarinska“.

Ruská skladatelská škola, která navazovala na tradici tehdejší ruské školy, začala v 19. století se skladateli, kteří kombinovali evropské hudební umění s ruskými lidovými melodiemi a společně vytvářeli taurského ducha.

O kůži těchto slavných lidí můžete říct hodně, není to pro každého snadné, ale někdy je to tragické, ale ve všech ohledech jsme se snažili stručně popsat život a kreativitu skladatelů.

1. Michailo Ivanovič Glinka

(1804-1857)

Michailo Ivanovič Glinka v hodinu vytvoření opery "Ruslan a Ludmila". 1887, umělec Illya Yukhimovich Repin

"Abyste vytvořili krásu, musíte si vyčistit duši."

Michailo Ivanovič Glinka, zakladatel ruské klasické hudby a první votchisnyany klasický skladatel, který je na dosah světové slávy. Yogo roboti, jako spirála bohaté tradice ruské lidové hudby, byli novým slovem pro hudební mystiku naší země.

Narodil se poblíž Smolenské gubernie a osvítil zdraví Petrohradu. Vznik pozorovatele světla a hlavní myšlenka kreativity Michaila Glinky přímo souvisela s takovými zvláštními rysy jako O.S. Puškin, V.A. Žukovskij, O.S. Gribojedov, O.O. Tvůrčí impuls jógovým robotům dala cesta do Evropy na klasu 30. let 19. století a slavní skladatelé té doby - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn a později s G. Berliozem, J. Meyerberem.

Úspěch dosáhl M.I.Glinka v roce 1836, po nastudování opery „Ivan Susanin“ („Život pro cara“), kdy bulu vyvraždil celý svět, nejprve ve světové hudbě, ruské sborové mystice, evropské opeře a symfonická praxe organicky, takže hrdina vypadal, podobně jako Susanin, obraz nějaké krásné postavy národního charakteru.

Odoevskiy popsal operu jako „nový prvek v umění a v jeho historii začíná nové období — období ruské hudby“.

Další operou je epos „Ruslan a Ljudmila“ (1842), dílo, na kterém bylo provedeno na popel Puškinovy ​​smrti a v důležitém životě skladatelových myslí, vzhledem k hluboce novátorské povaze díla, bylo nejednoznačné zděšena očima té moci a přinesla M.I. Zkušenosti. Po nějakém víně, které zdražilo, střídavě žije v Rusku a za kordonem, ne pripinyayuchi psát. V józe se ztratily romance, symfonie a komorní díla. V 90. letech se "Vlastenecká píseň" Michaila Glinky stala oficiální hymnou Ruské federace.

Citát o M.I. Glinkovi:„Celá ruská symfonická škola, stejně jako předtím, stejně jako celý dub na louce, je zabalena do symfonické fantazie „Kamarinska“. P.I. Čajkovskij

Cicavia fakt: Michailo Ivanovič Glinka se nestaral o své zdraví, bez ohledu na své vlastní světlo na nohou a zázračně znalý zeměpis, možná se nestal skladatelem, ale pak se stal mandrivem. Vin uměl šest cizích jazyků, včetně perštiny.

2. Oleksandr Porfirovič Borodin

(1833-1887)

Oleksandr Porfirovič Borodin, jeden z předních ruských skladatelů druhé poloviny 19. století, byl talentovaný chemik, léčitel, učitel, kritik a literární talent.

Po narození v Petrohradě se od dětství všichni vyznačovali neobvyklou aktivitou, dusností a mrazivostí v různých směrech, před hudbou a chemií.

A.P. Borodin je ruský skladatel-nugget, neexistují žádní profesionální učitelé-hudebníci, všechny jeho úspěchy v hudbě jsou počátky samostatné práce na kompoziční technice kompozice.

Na výlisku A.P. Borodina se kreativita M.I. Glinka (stejně jako u všech ruských skladatelů 19. století) az podnětu k silnému obsazení skladby na klasu 60. let 19. století dali dvě dělení - v první řadě seznámení s talentovaným klavíristou E.S. z M. A. Balakirevim a vstoupil do tvůrčí unie ruských skladatelů, známé jako „Mighty Cup“.

Například v 70. a v 80. letech 19. století A.P. století.

Opera „Princ Igor“ (1869-1890) zaujímá ústřední místo v díle A.P. Rimského Korsakova). V „knížatech Igorovi“ a natomistovi velkých obrazů historických pódií je hlavní myšlenkou veškeré skladatelovy kreativity maskulinita, klidná vznešenost, upřímná šlechta nejlepších ruských kupců, neosobní síla celého ruského lidu, která se projevuje. při ochraně.

Bez ohledu na ty, které A.P. Borodin zanechal po pozoruhodně malém počtu děl, je jeho kreativita rozmanitější a uctívána jedním z otců ruské symfonické hudby, která infiltrovala bohatou generaci ruských i zahraničních skladatelů.

Citace o A.P. Borodina:„Borodinův talent je mocný a nepřátelský, jako symfonie, opera a romance. Golovnі risi yogo — sametová síla a šířka, kolosální rozmakh, strіmkіst i rvuchkіst, poednana z úžasné záliby, nižší ta krása. V.V. Stašov

Cicavia fakt: Po Borodinu je pojmenována chemická reakce stříbrných solí karboxylových kyselin s halogeny, která vzniká v důsledku substituce halogenů v uhlohydrátech jako první přežívající v roce 1861 roci.

3. Modest Petrovič Musorgskij

(1839-1881)

"Zvuky lidského pohybu, jako zvuk, ukazují myšlenky a pocity, vinny bez přerušení a valtuvannya se stávají pravdivou hudbou, přesnou, ale uměleckou, vysoce uměleckou."

Modest Petrovič Musorgskij - jeden z nejskvělejších ruských skladatelů 19. století, člen "Mighty Cup". Inovativní kreativita Musorgského byla daleko před jeho hodinou.

Narozen v provincii Pskov. Stejně jako mnoho talentovaných lidí, kteří ukázali dětský talent v hudbě, začali v Petrohradě, buv, pro rodinnou tradici, Viysk. Virishalny podієyu, scho znamenalo, scho Musorgskij lidé ne pro vojenskou službu, ale pro hudbu, byla jóga zustrich z M.A.

Velký Musorgského tým, který ve svých grandiózních kreacích – operách „Boris Godunov“ a „Khovanshchina“ ztvárnil v hudbě dramatických období ruských dějin s radikální novotou, neznal před novou ruskou hudbou, ukazujíc v nich typickou množství buggy lidových scén v nich. jedinečný charakter ruského lidu. Tyto opery, mezi četnými vydáními, jako autor a další skladatelé, patří mezi nejoblíbenější ruské opery na světě.

Dalším pozoruhodným Musorgského výtvorem je cyklus klavírních skladeb „Obrazy z výstav“, světlé a vinné miniatury prostoupené ruským tematickým refrénem a pravoslavnou vírou.

Musorgského život byl plný všeho - velikosti, tragédie a piva vin zavzhdy, oslňujícího duchovní čistotou a hrubostí.

Ostatní osudy byly důležité - život v nenásilí, nedostatek kreativity, soběstačnost, závislost na alkoholu, to vše se podepsalo na jeho brzké smrti do 42. osudu, když zanechal polovinu děl, jejichž činy byly dokončili jiní skladatelé.

Specifická melodie a novátorská harmonie Musorgského vedla postavy hudebního vývoje 20. století a hrála důležitou roli ve vývoji stylů bohatých světových skladatelů.

Citát o M. P. Musorgském:"Je to tichá ruština znít ve všem, co vytvořil Musorgskij." N. K. Roerich

Cicavia fakt: Například Musorgského život pod tlakem „přátel“ Stasova a Rimského-Korsakova vzal v úvahu autorská práva k jeho dílu a dal je Tertiji Filippové.

4. Petro Illich Čajkovskij

(1840-1893)

"Jsem umělec, který může přinést čest své vlasti." Vidím v sobě velkou uměleckou sílu, ještě jsem nevypěstoval desetinu toho, co vypěstovat umím. Ze všech sil své duše chci růst.

Petro Illich Čajkovskij, možná největší ruský skladatel 19. století, vyzdvihl ruské hudební umění k nebi. Vin je jedním z nejvýznamnějších skladatelů lehké klasické hudby.

Rodák z provincie Vjatka, i když kořen linie Batkiv na Ukrajině, Čajkovskij od dětství předváděl hudební vibrace, prot první vzdělání, že robot byl v síni vymáhání práva.

Čajkovskij je jedním z prvních ruských skladatelů – „profesionálů“ – teorie hudby a kompozice se naučil na nové petrohradské konzervatoři.

Čajkovskij byl respektován jako „zachodný“ skladatel, ve srovnání s lidovými dijači „Mighty Kupki“, s některými dobrými kreativními a přátelskými stosunki v novém, jeho kreativita byla neméně prodchnuta ruským duchem, byl daleko jedinečně zahіdna symfonie , tradiční Michail Glinka.

Skladatel v aktivním životě - používá se jako učitel, dirigent, kritik, veřejná osobnost, působí ve dvou hlavních městech, cestuje po Evropě a Americe.

Čajkovského buv lidé snášet emocionálně nevyrovnané, dušení, znevira, apatie, okázalost, násilný hněv - tendence se často měnily v nové náladě, jsou to kamarádské osoby, vіn zavzhd vzdorující sobectví.

Můžete vidět to nejlepší z Čajkovského děl - skladnější dílo, může tam být pár stejně skvělých děl ve všech hudebních žánrech - opera, balet, symfonie, komorní hudba. A mistr Čajkovského hudby je univerzální: s jedinečným melodismem jsou obrazy života a smrti, lásky, přírody, dětinskosti přemoženy, díla ruské a světské literatury jsou odhalena novým způsobem, jsou odhaleny hluboké procesy duchovního života novým způsobem.

Citát skladatele:"Život může být pouze doplňkem, pokud se skládá z radostí a strastí, z boje dobra se zlem, za světlo a temnotu, jedním slovem - za rozmanitost v jednotě."

"Velký talent vede k velké praktičnosti."

Citát o skladateli: "Jsem připraven dnem i nocí stát po boku ctihodného ganka toho stánku, de live Petra Illicha, - respektuji podlahu jógy" A.P. Čechov

Cicavia fakt: Univerzita v Cambridge v nepřítomnosti a bez disertační práce udělila Čajkovského titul doktora hudby, stejně jako si jej vybrala pařížská akademie umění jako korespondenta.

5. Mykola Andriyovič Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

N.A. Rimsky-Korsakov a A.K. Foto 1906

Mikola Andriyovich Rimsky-Korsakov je talentovaný ruský skladatel, jeden z nejdůležitějších článků při vytváření neocenitelného hudebního banketu votchiznya. V dějinách hudby nejsou žádné analogy a v dějinách hudby nejsou žádné analogy, které by pohřbila diva buttya, jednota s přírodou.

Narodil se v provincii Novgorod, podle rodinné tradice se stal námořním důstojníkem na vojenské lodi kolem bohaté země Evropy a obou Amerik. Hudbě jsem se učil od maminky, pak jsem chodil na soukromé hodiny u klavíristy F. Kanilleho. Obnovuji M. A. Balakiryeva, organizátora „Mocného nákupu“, který přivedl Rimského-Korsakova do hudebního povědomí a vlil do jeho kreativity světlo, aniž by plýtval talentovaným skladatelem.

Na centrálním místě poblíž Rimského-Korsakovovy deprese jsou komponovány opery - 15 robotů, které jako zvláštní rukopis demonstrují žánrovou, stylovou, dramatickou, kompoziční řešení skladatele - s veškerou bohatostí vedoucího orchestrálního skladiště a melodickou vokální linky.

Dvě hlavní přímo inspirují skladatelovu kreativitu: první je ruská historie, další je světlem pohádky a eposu, za který si víno odneslo cenu „kazkar“.

Krym bez střední nezávislé kreativity M.A. Rimskij-Korsakov jako publicista pořádá sbírky lidových písní, o taková vína je velký zájem, a likviduje tvorbu svých přátel - Dargomižského, Musorgského a Borodina. Rimskij-Korsakov byl tvůrcem skladatelské školy, jako pedagog a ověřovatel Petrohradské vinařské konzervatoře vydal téměř dvě stě skladatelů, dirigentů, muzikologů, mezi nimi Prokofjeva a Stravinského.

Citát o skladateli:„Rimskij-Korsakov byl jak ruský člověk, tak ruský skladatel. Respektuji, že jde o klidně ruskou podstatu, že tento bohatý folklorně-ruský základ dnes může být zvláště ceněn. Mstislav Rostropovič

Fakt o skladateli: První lekce kontrapunktu Mikoly Andriyovyče začala takto:

"Okamžitě už mluvím bohatě, ale měl bys poslouchat s úctou." Pak mluvím méně, ale ty posloucháš a přemýšlíš, a, nareshti, já nemluvím vůbec, a ty přemýšlíš hlavou a cvičíš nezávisle, víc než můj úkol jako učitele - stáváš se pro tebe nevhodným ...

Změna statistik

RUSKÁ OPERA. Ruská operní škola je ve stejném pořadí jako italská, německá, francouzská - má nejvyšší celosvětový význam; je důležité ocenit nízké opery z druhé poloviny 19. století a několik děl 20. století. Jedna z nejpopulárnějších oper na světelné scéně, jako 20. století. - Boris Godunov M.P. Musorgskij, často takto paní Piková P.I. Čajkovskij (čtěte více pro další opery, důležité Evžen Oněgin); stát se velmi populární kníže Igor A. P. Borodina; Pravidelně je uváděno 15 oper N.A. Rimského-Korsakova Zlatý pivník. Opery poloviny 20. století největší repertoár ohnivý anděl S.S. Prokof'eva to Lady Macbeth z Mtsenského okresu D.D. Šostakovič. Uvědomil jsem si, že jsem nevyčerpal bohatství národní operní školy.

Vystoupení opery v Rusku (18. století).

Opera byla jedním z prvních západoevropských žánrů, které se uchytily na ruské půdě. Již ve 30. letech 18. století vznikla italská dvorní opera, hudebníci-cizinci psali stejně jako v Rusku, v druhé polovině století se vyčítají obrovské operní události; opery se také hrají v divadlech forte. Poctěn první ruskou operou Mělník - chaklun, oshukanets a dohazovač Michail Matviyovič Sokolovsky na text A. O. Ablesimova (1779) - pobutová komedie s hudebními čísly písňového charakteru, který koncipoval řadu populárních děl tohoto žánru - rané komické opery. Jsou mezi nimi opery Vasila Oleksijoviče Paškeviče (bl. 1742–1797) ( lakomý, 1782; Petrohrad Vitalnya, 1792; Neštěstí v kočáru, 1779) a Evstigney Ipatovič Fomin (1761–1800) ( Zásuvky na stojanu, 1787; Američané, 1788). V žánru operního cyklu vznikla ve francouzském libretu dvě díla největšího skladatele této doby Dmitrije Stěpanoviče Bortňanského (1751–1825). Sokil(1786) to Sin-supernik, neboli Moderní Stratonika(1787); v žánrech melodramatu a hudby až po dramatické vistavi.

Opera do Glinky (19. století).

V nadcházejícím století popularita operního žánru v Rusku ještě roste. Opera byla vrcholem aspirací ruských skladatelů 19. století a inspirovat ty z nich, kteří se o svou tvorbu v žádném žánru neochudili (např. M.A. Důvody pro to byly pochopeny: za prvé, opera, jako by respektovala Čajkovského, byla žánrem, který dával příležitost promluvit k mé mši; jiným způsobem opera umožnila uměleckou vizi velkých ideologických, historických, psychologických a jiných problémů, které zaměstnávaly mysl ruského lidu 19. století; nareshti, v mladé profesionální kultuře to bylo těžší pro žánry, mezi které patřilo slovo, scénický pohyb, malba najednou z hudby. Navíc se již vytvořila pěvecká tradice - recese, která byla zbavena hudebního a divadelního žánru 18. století.

V prvním desetiletí 19. stol. dvořané a soukromá divadla zvítězila, monopol byl svěřen do rukou státu. Hudební a divadelní pobut obě hlavní města již žila: první čtvrtina století - éra rozvoje ruského baletu; v 19. století měl Petrohrad řadu divadelních mrtvol - ruských, francouzských, německých a italských, z nichž první tři inscenovaly jak činohru, tak operu, zbytek - pouze operu; u šprota, mrtvola pracovala v Moskvě. Italský podnik se ukázal jako skutečný podnik - přivést na kost 70. let 19. století mladého Čajkovského, který po vstupu do kritického pole zmušenija bov viboruvaty řádný tábor moskevské ruské opery v Porivnya s Italem; Rayok Musorgskij, v jehož jedné z epizod se na přelomu 70. let 19. století zapsala vášeň petrohradské veřejnosti i kritiků ke slavným italským projevům.

Boildie ta Cavos.

Mezi zahraničními skladateli požadovanými v tomto období do Petrohradu jsou vidět jména slavného francouzského autora Adriana Boildiera ( cm. BOIALDIO, FRANCOIS ADRIENNE) a Ital Caterino Cavosa (1775–1840) , který se v roce 1803 stal kapelníkem ruských a italských oper, v letech 1834–1840 se stal pouze ruskou operou Život pro krále Glinka, i když v roce 1815 nazpíval operu na samý děj, která měla malý významnější úspěch, stal se inspektorem a ředitelem orchestrů císařských divadel, psal bohatě na ruské spiknutí - jako Kazach ( Princ neviditelnostiі Іllya-bogatir na libreto I. A. Krilova, Svitlana na libreto V.A. Žukovského a in), a vlastenecké ( Ivan Susanin na libreto A.A. Shakhovského, Kozák-virš na libreto téhož autora). Nejpopulárnější opera první čtvrtiny století ležela před okouzlující kazkovou linií Lista, neboli Dněprovská mořská panna Kavos a Štěpán Ivanovič Davidov (1777-1825). V roce 1803 byl nedaleko Petrohradu dodán Vidensky singspiel dunajská mořská panna Ferdinand Cauer (1751–1831) z Davidova doplňkových hudebních čísel - u překladu Dněprovská mořská panna; v roce 1804 se v Petrohradě do Kavosu objevil další díl téhož singspielu s čísly vložek; pak jsme si naskladnili - dokonce jedním Davidovem - ruské výrobky. Fantastické, skutečné národní a bláznivě vtipné plány byly v ruském hudebním divadle dávno opožděny (pro západoevropskou hudbu mohou sloužit jako analogie rané romantické opery K. M. Webera - Vіlniy lukostřelecі Oberon, které polehávají ke stejnému typu kazkovy singspiel).

Jako další vůdčí linie operní kreativity v prvních desetiletích 19. století. lze vidět komedii z "lidového" života - stejný žánr, připomínka minulého století. Před ní lze vidět například jednoaktové opery. Yam nebo poštovní stanice(1805), Sedni si nebo důsledek jámy (1808), Devishnik, nebo Filatkina svatba(1809) Oleksij Mikolajovič Titov (1769–1827) na libreto A.Ya. Operní repertoár dlouhodobě ubýval Starý svatýČech Franz Blimi na text historika A.F.Malinovského na motivy lidového rituálu; Úspěšné malé „písňové“ opery Danila Mikitoviče Kašina (1770–1841) Natalia, boyarova dcera(1803) podle příběhu N.M. Olga je krásná(1809) na libreto téhož autora. Tato linie zvláště vzkvétala v době války roku 1812. Milice, nebo Láska k vіtchizni, Kozák u Londýna, Svatý v táboře spojeneckých armád na Montmartru, Kozák a pruský dobrovolník u Nimechchyně, milice obrat), koncipovaný divertisment jako zvláštní hudební a divadelní žánr.

Verstovský.

Největší ruský operní skladatel před Glinkou buv A.N. Verstovským (1799-1862) ( cm. VERSTOVSKÝ, OLEKSIJ MYKOLAEVICH). Chronologicky se éra Verstovského rozšiřuje s érou Glinky: ačkoli první operou moskevského skladatele je Pan Tvardovský(1828) se objevil dříve Život pro krále, nejoblíbenější TV - Askoldův hrob- jedna řeka z Glinkovy opery a zbytek je Verstovského opera, Blesk(1857), již po smrti Glinky. Velký (s přáním dobrého moskevského dne) úspěch Verstovského oper a jejich "přežití" nejdále - Askoldův hrob- Poyasnyuєtsya privablivіstyu pro suchasnikіv syuzhetіv, pobudovanih melodii "naydavnіshih rosіysko-slov'yanskih perekazіv" (zrozumіlo, interpretace Velma umovno), i muzyky v іntonatsіynomu ladі yakoї Strokatov poєdnuyutsya natsіonalno-rosіyskі, zahіdnoslov'yanskі že Moldavsko-tsiganskі pobutovі іntonatsії. Je zřejmé, že Verstovský není inspirován velkou operní formou: ve všech jeho operách jsou hudební „čísla“ načmáraná rozsáhlými romantickými scénami (zkuste skladatele v jeho dílech psát recitativy se nemění), orchestrální fragmenty nebude znít tsіkavі і not pissant, skladatelova opera, za slovy partnera „zněly povědomě“, „nádherně povědomě“. " šlechta láska k vlasti“, kterou tyto „legendární“ opery probouzejí, lze přirovnat k nepřátelskému publiku z románů Zagoskina, skladatelova postlibretního libretisty.

Glinka.

Michail Ivanovič Glinka (1804–1857) se ve zjevení Michaila Ivanoviče Glinky (1804–1857) objevil hned po hudbě předGlinkovy éry a nikdy nepřestane být zázrakem. Hlavními rysy tohoto daru jsou hluboký intelektualismus a jemné umění. Glinka nevdovzі dіyshov ideї napsat „velkou ruskou operu“, která se nachází na pokraji tsim tvіr vznešeného, ​​tragického žánru. Spopchatka (1834), téma činu Ivana Susanina, přiděleného skladateli V.A. Nicméně budeme Život pro krále(1836) se stala spravžnyj operou s napjatým chórovým klasem, která dokazovala tradice národní kultury a bohatě v níž znamenala vzdálenou cestu ruské opery. Glinka k prvnímu z ruských autorů, který se zabýval problémem jevištního hudebního pohybu, a pokud jde o hudební „čísla“, smrad, psaný v tradičních sólových, souborových, sborových formách, se zdál být podobný takovému novému intonace zmist, která byla obdobou jiných literárních předloh Kromě toho v Život pro krále byla přidána stylová linie rané ruské opery, pokud byly žánrové scény psány „rusky“, lyrické árie „italsky“ a dramatické momenty „francouzsky“ nebo „Nimets“. Mnoho ruských hudebníků příštích generací, kteří pilně hrají toto hrdinské drama, však stále chtělo Glinkovu operu pro přítele - Ruslan a Ludmila(podle Puškina, 1842), přičemž vytvořil přímo celý nový svět (v yogu pokračovali N.A. Rimskij-Korsakov a A.P. Borodin). Šéf opery Ruslana- Zovsіm іnshі, niž v Puškinově díle: nejprve v hudbě v duchu starého ruského ducha; "Autentický" Skrytý v různých podobách jógy - "mdlý" a "bojovník"; fantasy (Naina, hrad Chornomoru) je naprosto spontánní a nic neslevuje z fantazie Glinkina nejvyspělejšího současníka – Berlioze a Wagnera.

Dargomizky.

Oleksandr Sergiyovich Dargomizhsky (1813–1869) zahájil cestu operního skladatele v mladém věku, v druhé polovině 30. let 19. století, pokud byl velkou premiérou Život pro krále, začíná psát hudbu na francouzské libreto V. Hugo Esmeralda.

Zápletka ofenzivních operi viniků před inscenací Esmeraldi(1841), a Puškinův kostel Mořská panna se však na scéně objevil až v roce 1856. P'esa Pushkina se ve skladatelově mysli jevil jako modernější, nižší až starověký a Mořské panny tezh vyyavivsya blíže k současnému hudebnímu pobutu. S ohledem na virtuózní instrumentaci Glinky, skromný orchestr Dargomize, garni lidových sborů Mořské panny mají tradiční charakter a hlavní dramatický prvek se nachází v sólových partech a zejména v zázračných souborech, navíc v melodickém zabarvení ruského prvku jsou slova kombinována s ruským a polským slovem. Poslední opera Dargomizky, Kam'yanský host(po Puškinovi, 1869, inscenováno 1872), zcela inovativní, experimentální tvir v žánru „romantické opery“ (operní dialog). Skladatel se zde objevil bez jakýchkoli vokálních forem typu arija (kromě inkluzí byly pouze dvě písně od Lauriho), bez symfonického orchestru a v důsledku toho se objevilo zkroucení nadzvukových višukanů, ve kterých byla nejkratší melodická fráze nebo inspirovat jeden zvuk velké sebediverzity.

Serov.

Pіznіshe Dargomizkogo a dříve kuchkіstіv i Čajkovskij o sobě prohlásil v operním žánru Oleksandr Mikolajovič Serov (1820-1871). Persha jóga opera, Yudif(1863), se objevil, když autorovi již bylo přes čtyřicet (předtím si Serov získal významnou popularitu jako hudební kritik, ale jako skladatel, aniž by vytvořil něco pozoruhodného). P'isa P. Giacometti (napsaná speciálně pro slavnou tragickou herečku Adelaidu Ristori, jak ve své roli nazvala furore v Petrohradě a Moskvě) na biblický příběh o hrdinkách, které převádějí svůj lid v otroctví, plně podporovaly probuzený tábor ruské společnosti na přelomu 60. let 19. století. Přidejme také barvitý kontrast Suvora Judea a Asýrie, kteří se topí v luxusu. Yudif patří k žánru „velké opery“ typu Meyerber, který byl na ruské scéně rovněž novinkou; v něm je silně oratorní cob (vypálené sborové scény, které nejvíce odpovídají duchu biblické legendy a podpora v klasickém řečnickém stylu händelovského typu) a zároveň divadelní a dekorativní (divertissement s tanci). Musorgskij volá Yudif první po Glinkově "seriózně interpretované" opeře na ruské scéně. Srdečně vás vítáme, Serov se okamžitě pustil do nové opery, nyní na ruské historické zápletce, - Rognida. „Historické libreto“ za litopisem vyvolalo mnoho pomluv z nevěrohodnosti, nepravdivých faktů, „orazítkovaných“, nepravdivosti obyčejného lidového filmu; Inu, hudba bez ohledu na masu „pekelných míst“ nevhodně umístila efektní fragmenty (mimo jiné si samozřejmě vypůjčila vikingskou baladu Rognidi - ta z koncertního repertoáru nezazní). Po Rognidi 1865 Nežij, jak chceš a sám se stal prvním skladatelem, který se odvážil napsat "operu současnosti" - věštecká síla (1871).

"Mohou koupit."

Vzhled zbývajících oper Dargomizky a Serov je méně než trio vítězství za hodinu nastudování prvních oper skladatelů "Mighty Cup". Kuchkist Opera má mnoho „laskavých“ obrazů, které se projevují v tak odlišných umělcích, jako je Musorgskij, Rimskij-Korsakov a Borodin: ztvárnění ruských témat, zejména historických a pohádkově-mytologických; velký respekt je nejen k „autentickému“ vývoji děje, ale také k fonetice a sémantice slova a k tomu, aby vokální linka zpravidla inspirovala orchestr s jiným zázemím, aby byla v popředí ; ještě výraznější je role sborových (převážně „lidových“) scén; „neuvěřitelný“ spíše než „číslovaný“ typ hudební dramaturgie.

Musorgského.

Opera, stejně jako další žánry, spojené s vokálními intonacemi, se staly hlavní součástí recese Modesta Petroviče Musorgského (1839-1881): jako mladík se vydal vlastní cestou s hudbou z operního plánu (ne- podobná opera Han-Islander pro V. Huga) a pishov iz života, když zanechal dvě opery nedokončené - Khovanshchinaі Soročinský veletrh(první byl z větší části dokončen v klavíru, ale druhý nebyl instrumentován, další měl složené hlavní scény).

Prvním velkým dílem mladého Musorgského v druhé polovině 60. let 19. století byla opera Salambo(podle G. Flauberta, 1866; ztraceno nedokončeno; v nejnovějším autobiografickém dokumentu není Tver označena jako „opera“, ale jako „scéna“ a ona sama tak vítězí). Vznikl zde celý vlastnoručně vytvořený obraz Skhodu - ne tak exotický "kartaginský", kus rusko-biblického, který může mít paralely v malbě ("biblické náčrty" Oleksandra Ivanova) i v poezii (například Oleksija Khomyakova). Opačný „antiromantik“ přímo představuje přítele Musorgského nedokončené rané opery – Přátelství(pro Gogola, 1868). Tsey, pro jmenování autora, "studie pro komorové testování" pokračuje v linii Kamenný host Dargomizky, ale pokud možno s volbou prózy místo poezie, zápletkou naprosto „skutečnou“, stejně „denní“, rozšiřující v takovém rozsahu škálu operního žánru a dosahující „romantické scény“ jako živý Dargomižskij ( Titulární radník, Červ ta in) a sám Musorgskij.

Boris Godunov

(1. vydání - 1868-1869; 2. vydání - 1872, odehrává se v roce 1874) může mít podtitul "podle Puškina a Karamzina", podle Puškinovy ​​tragédie, ale s výraznými vsuvkami skladatele. Již první, komornější vydání opery, vážné drama zvláštních rysů, jako je drama „Maschief and Trest“ ( Boris Godunov- Sochasnik Zlý ten trest F. M. Dostojevskij), Musorgskij je na hony vzdálen jakémukoli opernímu kánonu – jak ve senzačním dramaturgickém napětí a působivosti filmu, tak ve výkladu historické zápletky. Pratsiyuchi přes další vydání Boris Godunov, která zahrnovala tradiční „polský akt“ jako tradiční „polský akt“, takže scénu lidového povstání („Pid Kromami“) v opeře nazývám možná Musorgskij, i když mysl Dumy měla další vývoj precedens Času potíží - povstání Raziny, střelecké nepokoje, rozdělení, Pugachevshchina, pak. méně často lze vštípit zápletky jejich budoucích oper, hudebně-historické kroniky Ruska. Z cієї programy bluo zdіysnenno méně dramatické rozdělení - Khovanshchina, dokud Musorgskij nezačal hned po dokončení dalšího vydání Boris Godunov navіt jednu hodinu s її dokončena; Dokumenty zároveň uvádějí myšlenku „hudebního dramatu pro osud volžských kozáků“ a později mu Musorgskij znamenal nahrání lidových písní „Pro zbytek opery Pugachivshchyna».

Boris Godunov, zejména v prvním vydání představuje typ opery s hlubokým rozvojem hudební infuze a objevují se dokončené fragmenty, méně osvícené scénickou situací (chór slávy, nářek princezny, polonéza u koule paláce tence.). V Khovanshchina Musorgskij si dal za úkol vytvořit ze slov jógy „pochopenou/ověřenou“ melodii, a píseň se stala základem, tobto. nikoli instrumentální po přírodě (jako klasická árie), ale strofická, volně variující struktura - v "čistém" vzhledu jako recitativní prvek. Tsya vybavení bohatě v tom, co znamenalo formu opery, yak, při zachování zlitostі, plinnostі diї, zahrnovalo bohatě více „dokončených“, „zaokrouhlených“ čísel – a sborové ( Khovanshchina obohacený o větší klid, nižší Boris Godunov, sborová opera - „lidové hudební drama“) a sólo.

Na vіdmіnu vіd Boris Godunov, jakýsi ishov na scéně Mariinského divadla, sypání skal a vizí pro život autora, Khovanshchina Poprvé byla uvedena v redakci Rimského-Korsakova druhé desetiletí po autorově smrti, např. v 90. letech 19. století bulu nastudoval v Moskevské soukromé ruské opeře S.I.Mamontov s mladým Šaljapinem v partu dosifey; v Mariinském divadle Khovanshchina objevil se zavdyaki zavdyaks téhož Chalyapina v roce 1911, může to být jedna hodina s operními představeními v Paříži a Londýně a v Diaghilevově podniku Boris Godunov). Ve 20 st. opakovaně se snažil zkusit neděli a dokončit Přátelstvíі Soročinský veletrh v různých vydáních; další reference byla rekonstrukce V.Ya.Shebalin.

Rimskij Korsakov.

V pastščině Mikoliho Andrijoviče Rimského-Korsakova (1844-1908) je prezentována bohatá paleta hlavních hudebních žánrů a největší dosah pojazanu, jako u Musorgského, s operou. Vaughn projít celým životem skladatele: v roce 1868 na klasu díla první opery ( Pskovityanka), do roku 1907, dokončení zbytku, patnáctá opera ( Zlatý pivník). Rimskij-Korsakov se v tomto žánru intenzivně věnoval od poloviny 90. let 19. století: v nadcházející sekundě tohoto desetiletí vytvořil 11 oper. Až do poloviny 90. let 19. století měly opery Rimského-Korsakova premiéru v Mariinském divadle; později, od poloviny 90. let 19. století, skladatelovo provedení moskevské soukromé ruské opery S.I. Sadko. Tsya spіvpratsya sehrála zvláštní roli při formování nového typu designu a rozhodnutí režiséra o hudebním představení (stejně jako kreativní rozvoj umělci Mamutího kůlu, jako jsou K. A. Korovin, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel).

Zcela unikátní ediční činnost Rimského-Korsakova: byl postaven jako první Khovanshchinaі kníže Igor, které zůstaly nedokončené po smrti Musorgského a Borodina (vydání opery Borodino bylo vystřiženo spolu s A.K. Glazunovem); vinařský nástroj Kamenný host Dargomizky (navíc poprvé v roce 1870 a znovu v letech 1897–1902) a poté, co viděl Přátelství Musorgskij; Redakce Yogo si získala lehkou oblibu Boris Godunov Musorgskij (i když některé události budou spíše publikovány autorovou redakcí, v bohatých divadlech nadále běží korsakovská verze); Nareshti, Rimsky-Korsakov (spolu s Balakirevem, Lyadovem a Glazunovem), dvě dívky připravující Glinkiny operní partitury, než je bylo možné vidět. Dílo Rimského-Korsakova tak v souladu s operním žánrem (i v řadě dalších aspektů) tvoří jakýsi příčesek ruské vážné hudby navazující na éru Glinky a Dargomizského z 20. století.

Mezi 15 operami Rimského-Korsakova nejsou žádné žánry stejného typu; navit yogo operní příběhy bohaté na to, proč se jedna po druhé liší: Sněhurka(1882) - "Jarní kozák", Pohádka o caru Saltanovi(1900) - "jen pohádka", Chachlik Nevmirushchiy(1902) - "podzimní kazachka", Zlatý pivník(1907) - "nebilitsya osobně". V podobném překladu by se dalo pokračovat: Pskovityanka(1873) - opera-litopis, Mladá(1892) - opera-balet, Noc před Vánocemi(1895) - pro jmenování autora, "bil-carol", Sadko(1897) - opera-bilina, Mozart a Salieri(1898) - komorní "dramatické scény", Opovіd o neviditelném místě Kitezh a Panny Fevroniya(1904) - operní pořekadlo (neboli "liturgické drama"). Lyrická komedie předchází tradičním operním typům. Travneva Nicch(po Gogolovi, 1880), lyrické drama o ruské historické zápletce Carská se jmenuje(podle L.A. Mey, 1899; i prolog k cієї opeře Bojarina Vira Sheloga, 1898) a dvě menší popularity (a vlastně i menší vzdálenosti) na přelomu 19.–20. - Pan vojvoda(1904) v polských motivech Servilia(1902) pro píseň Mey, která se zdá být poblíž Říma v prvním století našeho eri.

Rimskij-Korsakov po reformě operního žánru v podstatě nevyšel z míry své tvůrčí práce a teoretické teoretické zanikly. Reforma Tsya byla založena na již vytvořených zákonech ruské školy (na Ruslana a Ludmila Glinka a o estetických principech Kuchkismu), na Lidová tvořivost Nairіznomanіtniki yogo Ski-Misynnya - MIF, Epos, Vazku (Ostunno Oblastavina, Unspeed, Zelzozhnikov, Rosіyky skladatel, přiblížený starším textařem - Rіhardem Wagnerem, chce hlavní parametr svých Operací operních konceptů známých oper Wagnerových). Typický obraz „mytologických“ oper Rimského-Korsakova, svázaný ze slov Yanského ospalého kultu ( Travneva Nicch, Noc před Vánocemi, Mladá, operní pohádky), є „bagatomir'ya“: diya je řván dvěma nebo více „světy“ (lidé, přírodní živly a jejich izolace, pohanská božstva), navíc kůže „světa“ mluví svou vlastní řečí, což potvrzuje sebevědomí Rimského-Korsakova jako skladatele "objektivního" skladu. Pro opery středního období, in Tráva noc před Noci před Vánocemi, charakteristicky bohaté na hudební dії rituální a rituální scény (jsou pokryty světci starověkého vesnického kalendáře - hrál se celý jazyk v operách Rimského-Korsakova); v jiných dílech se ritualismus, „status“ (křesťanský ortodoxní krém a často syntéza „starého“ a „nového“ lidového vera) jeví spíše jako zprostředkovaný a ztenčený pohled. Zatímco v 19. století byly skladatelovy opery pravidelně oslavovány, správné posouzení smradu sebralo až na přelomu 19. a 20. století. a později v hlavním městě Sribnyj, kterému se mistr zdál být nejzvučnější.

Borodin.

Zadum kníže Igor Oleksandr Porfirovič Borodin (1833-1877), na kterého se bude vzpomínat až do této epochy, co myslíte Boris Godunov, Khovanshchiniі Pskovité, pak. do konce 60. let - počátek 70. let 19. století, avšak vlivem různých okolností byla opera až do autorovy smrti v roce 1886 zcela dokončena a premiéra opery (redakcí Rimského-Korsakova a Glazunova ) piková ženaČajkovskij (1890). Je příznačné, že na vіdmіnu vіd іh suchasnіv, yakі zvіdalis іstorichnymi opіchnyh pozemků іn іtаlії іn ії ії іїїchnyh opііn the Terriu ііі ііі ііі ііііh opіch opіch bohů Pár slov o pluku Igora. Být velkým vědcem-hlavním průzkumníkem, má zastosuvav vědecký pidkhіd a operní libreto, zaměstnával se zatemňováním důležitých míst památníku, připomínáním epochy dei, shromažďováním informací o starověkých kočovných národech, slova. Borodin se do problému operní formy podíval do hloubky a neváhal ji předělat. Výsledkem byl vzhled díla jako krásné pomluvy a detaily, a na jedné straně strunné a vrіvnovazhenny, na druhé straně - nadpřirozeně spontánní. Ruská hudba 19. století je důležité znát více „autentických“ výtvorů vesnického folklóru, níže vesničané Hori chi Lamentations of Yaroslavl. Sborový prolog k opeře Ruslana, podobně jako fresky středního věku. Східні motivy kníže Igor(„Polovská divize“), vzhledem k síle a autenticitě „stepního“ zbarvení, nemá ve světovém umění obdoby (nové studie ukázaly, že Borodin se z pohledu hudební etnografie vyvinul k podobnému folklóru). I tsya spravzhnistnost se nejpřirozeněji spojuje s rozmanitostí tradičních forem velké árie - charakteristika hrdiny (Igor, Končak, Jaroslavna, Volodymyr Galitsky, Konchakivna), duet (Volodymyr a Konchakivna, Ihor a Jaroslavna) a další Borodina z Západoevropská hudba (například „schumanismus“, chcete-li vlastní árii z Jaroslavli).

Kyui.

Při zpětném pohledu na Kuchkistovu operu si bylo možné představit i jméno Caesara Antonoviče Kui (1835–1918) jako autora dvou desítek oper o nejrůznějších zápletkách Kavkazské nadávky na motivy zpívat Puškina Angelo pro Huga předtím Mademoiselle Fifi pro G. de Maupassanta), byli ohlášeni a uvedeni na pódium s pivstolіtta úsekem. Narazі všechny opery Kuї mіtsno zabutі, prote varto bulo b zrobiti vinyatok za první vyzrálé dílo v tomto žánru - William Ratcliff pro G. Geina. Ratcliff se stala první operou skupiny Balakirevského, která rozhoupala jeviště (1869), a poté se inspirovala vize opery a dramatu nové generace.

Čajkovského.

Stejně jako Rimskij-Korsakov a Musorgskij byl Petro Illich Čajkovskij (1840-1893) celý život obtížnější pro operní (a také z pohledu kuchkistiva a baletu) žánr: první jógová opera, Guvernér(podle A.N. Ostrovského, 1869), dorůst až k samému počátku samostatné tvůrčí činnosti; premiéra zbytku, Iolanti.

Čajkovského opery jsou psány na různých zápletkách - historické ( Opričník, 1872; Orleánská diva, 1879; Mazepa, 1883), komiks ( Koval Vakula, 1874, a další autorská verze opery - Čerevički, 1885), lyrika ( Evžen Oněgin, 1878; Iolanta, 1891), lyricko-tragický ( Kouzelnice, 1887; paní Piková, 1890) a zřejmě těm, kteří vypadají jinak. Prote, ve výkladu Čajkovského knír, zápletky, jako vína, byly naplněny zvláštním, psychologickým zabarvlennya. Ve stejné době, trochu ts_kaviv místní chuť, popsal měsíc tu hodinu dne - v historii votchiznyany umění, Čajkovskij bude připomínán jako tvůrce lyrického hudebního dramatu. Čajkovskij, jako a kuchkіst, nejen jeden, univerzální operní koncept, a vіn volno koristuvavsya vsіma vіdomimi formy. Hocha styl Kamenný host Navždy zdavavsya yoma "nad světem", v novince pěvecká infuze myšlenky operního dialogu, která byla určena pro převahu hudební dramaturgie rodícího se, nepřerušovaného typu, toho melodického rozspіvnoj movi zamіst " formální" recitativ (zde Čajkovskij, vtіm, yshov nejen ve formě Dargom) ) jako Glinka, zvláště jako hluboce shanovano Život pro krále). Když tsomu pro Chaykovskogo nabagato bіlshoyu mіroyu, nіzh pro peterburzhtsіv (pro vinyatkom Borodіna) charakteristika poєdnannya bezperervnostі muzichnoї dії z yasnіstyu že rozchlenovanіstyu vnutrіshnіh formy kozhnoї scéna - vіn není vіdmovlyaєtsya od traditsіynih arіy, duetіv že іnshogo, Maisternia volodіє forma skládací "pіdsumkovogo" ansámbl (Což dávalo známky předsudku Čajkovského udušení dílem Mozarta a toho joga operami zokrema). Nepřijmout Wagnerovy zápletky a zpívat před Wagnerovou operní formou, jako by se vám zdálo absurdní, Čajkovskij, prote, přistupuje německý skladatel při interpretaci operního orchestru: instrumentální part paní Piková).

Ve zbytku dekády svého života se Čajkovskij proslavil jako největší ruský operní skladatel a některé jeho opery byly uvedeny v zahraničních divadlech; Poslední dny Čajkovského baletů byly také triumfálními premiérami. Úspěch hudebního divadla se však skladateli nedostavil tak, jako v minulosti, nižší v instrumentálních žánrech. Mentálně lze v hudební a divadelní recesi Čajkovského vidět tři období: raná, Moskva (1868–1877) - Guvernér, Opričník, Koval Vakula, Evžen Oněginі labutí jezero; uprostřed, do konce 80. let 19. století - tři velké tragické opery: Orleánská diva, Mazepaі Kouzelnice(a také přepracování Koval Vakuli v Čerevički, která výrazně změnila podobu rané opery); pizzy - paní Piková, Iolanta(jeden v Čajkovského „malé“ – jednoaktové, komorní opeře) ten balet spící kráskaі Luskunchik. První reference, velký úspěch doprovázející moskevskou premiéru Evžen Oněgina Snahou studentů konzervatoře u břízy v roce 1879 se petrohradská premiéra opery v roce 1884 stala jedním z vrcholů skladatelovy tvůrčí cesty a kolosální popularity jeho díla. Dalším a ještě dalším vrcholem byla premiéra pikové dámy 1890.

Anton Rubinstein.

Mezi fenomény, které nezapadají do hlavního vývoje ruského hudebního divadla 19. století, lze jmenovat opery Antona Grigoroviče Rubinšteina (1829-1894): 13. opera a 5 duchovních oper-oratorií. To nejlepší ze skladatelovy hudební a divadelní tvorby je spojeno s „podobným“ tématem: monumentálně-dekorativní, oratorní opera Makabejské(1874, odehrává se v roce 1875), lyrický Démon(1871, dodáno 1875), že Sulamith (1883). Démon(podle Lermontova) - šílený vrchol Rubinsteinova operního úpadku, jedna z nejlepších ruských a nejoblíbenějších lyrických oper.

Blaramberg a Napravnik.

Mezi další operní autory patří moskevský skladatel Pavlo Ivanovič Blaramberg (1841-1907) a petrohradský skladatel Eduard Frantsovič Napravnik (1839-1916), slavný a neomylně dlouholetý dirigent ruské opery v Maryinském divadle. Blaramberg byl samouk a snažil se sledovat opony skupiny Balakir, chtěl si vybrat zápletky, především ruské (historické melodrama je nejmenší úspěch Tušinci z Doby Čas potíží, 1895). Na vіdmіnu vіd Blaramberg vysoká třída je šíleně poháněna skladatelovou technikou; jóga persha opera Nižnij Novgorod na národně-vlastenecké téma (1868) se objevil na jevišti třikrát dříve než první Kuchkistické historické opery - Boris Godunovі Pskovité a před їх premiéra je malý pěvecký úspěch; útočný operní tvir Napravnik, Harolde(1885), vytvořená pod skvělým Wagnerovým nálevem, je zároveň jako skutečná a dosí opera autora, která se někdy používá v divadelním repertoáru. Dubrovský(Podle Puškina, 1894) inspirovaný dílem Čajkovského, oblíbeného ruského skladatele Napravnika (pro nízkou kvalitu operních a symfonických premiér Čajkovského).

Tanyev.

Například 19 st. jediná opera (operní trilogie) se narodila Sergiy Ivanovič Taneva (1856–1915) orestea(Založeno na pozemku Eschila, 1895). Libreto opery ve spěchu jde daleko od antického persodžerelu, ve smyslu bezmocného antického „psychologismu“, v romantickém podání ústředního ženský obraz. Prote hlavní kresby stylu opery je třeba srovnat s klasicistní tradicí, zokremou, s lyrickými hudebními tragédiemi Glucka. Suvory, proudící tónem Tanievova díla, vzniklého na prahu nového století, jej přibližuje k nejnovějším projevům neoklasické přímosti (např. k opeře-oratoriu král Edip I.F. Stravinskij).

Rubizh 19-20 centů.

Pozůstatky druhého desetiletí 19. století a první desetiletí nadcházejícího století, tobto. v období po smrti Musorgského, Borodina, Čajkovského (a zároveň v období otevření operního díla Rimského-Korsakova) existuje mnoho nových operních skladatelů: M. M. Politov-Ivanov (1859-1935) (1859-1935) ( Ruth z Bible Opovid, 1887; Asya podle Turgeněva, 1900; Zrada, 1910; Ole z Nordlandu; 1916), A.S. Arensky (1861-1906) ( Sen na Volzu podle Ostrovského, 1888; Raphael, 1894; Nal ta Damayanti, 1903), V. I. Řebikov (1866-1920) ( Mít bouřku, 1893; Yalinka, 1900 a dále), S. V. Rachmaninov (1873-1943) ( Aleko podle Puškina, 1892; lakomý obličej pro Puškina a Francesca a Romeni pro Danteho, 1904), A. T. Grechaninov (1864-1956) ( Dobrinja Mikitovičová, 1901; sestra Beatrice podle M. Maeterlincka, 1910); vyzkoušet si operní žánr i Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (prolog opery V roce 1812 roci, 1899) a AD Kastalsky (1856-1926) ( Klára Milichová podle Turgeněva, 1907). Kreativita těchto autorů byla často spojována s aktivitami moskevských soukromých podniků - páteř Moskevské soukromé ruské opery S. Mamontova, další Opera S. I. Zimina; nové opery mladého muže patřily do komorně-lyrického žánru (nízké їх - jednoaktovka). Deyakі z seznam více kreativ se pojí ke kuchkistické tradici (například bilinniy Dobrinja Mikitovičová Grechaninovou, do pěveckého světa také Ruth Ipolitov-Ivanov, uznávaný pro originalitu původního zbarvení, a Kastalského opera, v největší vzdálenosti hudebních zamalki budu pobut), a větší svět, autoři nové generace zkusili lyrický operní styl), styl Čajkovského. Evropská opera v tu hodinu.

Stravinského první opera Slavík(podle pohádky H. K. Andersena, 1914) vytvořené na základě Ďagilevova podniku, je stylově spjato s estetikou „Světa umění“ i s novým typem hudebního dramatu, který se objevil v r. Pellease a Melisandi C. Debussy. Opera o drogové józe Maura(za Budinochok u Kolomyje Puškin, 1922) - na jedné straně vřelá hudební anekdota (parodie), na druhé - stylizace ruské ruské romance Puškinovy ​​éry. třetí opera, král Edip(1927), v podstatě ani ne tak jako opera, jako neoklasické jevištní oratorium (chceme zde a vikoristánské principy kompozice a vokálního stylu italské operní řady). Zbytek skladatelovy opery, Pojď pomoci gulvisi, bula byla napsána nedbale pozdě (1951) a nelze ji srovnávat s fenoménem ruské opery.

Šostakovič.

Sečtu podíl Mali a dvě opery Dmitrije Dmitroviče Šostakoviče (1906–1975), které napsal jako ve 20. letech – na klasu z 30. let: já(po Gogolovi, 1929) Lady Macbeth z Mtsenského okresu(Podle Leskova, 1932, 2. vydání 1962). já, oblouk yaskraviy a gostry tvir, například 20 st. která je proslulá velkou oblibou v Rusku na Zachodě, je stylově spjata s expresionistickým divadlem a je založena na nejostřejším principu parodie, dosahující úrovně smrtící satiry. První vydání Lady Macbeth bula v pěveckém smyslu pokračování stylu nos, і Golovna hrdinka tsієї operi nazývá asociace s takovými postavami, jako je Mary v Wozzecke A. Berg a navit Solomiya v opeře pro jednoho muže R. Strausse. Yak vіdomo, sám Lady Macbeth, byť s malým úspěchem na premiéře, se stal „objektem“ programového článku deníku Pravda Muddle zamіst hudba(1934), yak silně zatlačil do losu Šostakoviče a stejně tak i situace v Radyanské hudbě té hodiny. V jiném, podstatně novějším vydání opery autor lapidární nápovědu rozbil - jako dramatický, hudební a stylový plán, v důsledku toho tvir narostl do tvaru, často se blíží klasice pro ruské operní divadlo, ale ztratil svou svobodu.

Problém opery ji hlasitě ukončit stál jako vleklý průtah celého radiánského období ruské hudební kultury. Střípky tohoto žánru, které vstoupily do jednoho z „nejdemokratičtějších“ a zároveň samých „ideologických“, zněly varhaníky, jako by si umění vážili, jako by skladatelé chtěli pracovat v dánské galerii, ale v zároveň je zcela ovládali. Ve dvacátých letech a na počátku třicátých let byla operní kultura v Rusku v třpytivém stavu: v Moskvě a Leningradu se objevily zázračné inscenace klasického repertoáru, široce se uváděly nové vzrušující kreace; experimenty v galerii hudebního divadla prováděli největší režiséři počínaje K.S. Stanislavským a V.E. Roky dobývání byly bohaté na vynaložené prostředky. Hodina experimentů v opeře skončila počátkem třicátých let (zvuk, v pořádku, s inscenacemi oper Prokofjeva a Šostakoviče, zde se jmenují opery, které měly svého druhu úspěch, na „revolučních“ zápletkách L. K. Knippera (1898–1974), V. V. De (1889-1955), A. F. Paščenka (1883-1972) a žádný z nich neupadl v zapomnění). Ve 30. letech 20. století se do popředí dostal koncept tzv. „písňové opery“ jako „přístupné lidem“: standard pro її buv Tichý Don(pro M. Sholokhov, 1935) I. I. Dzeržinskij (1909-1978); Do jaké míry by měly být opery T. N. Khrennikova (nar. 1913) uváděny na svou dobu populární Mějte bouřku(1939) a D. B. Kabalevsky (1904–1987) Sim'ya Taras(1950). Pravda, ve stejném období jsou například v dálce stále méně „normální“ opery uklidit(1957) V.Ya.Shebalina (1902-1963), Decembristé(1953) Yu.A. Shaporina (1887-1966). Od 60. let 20. století je budova opery uprostřed pěveckého období; pro jakou hodinu je typické ospravedlnění různých „hybridních“ žánrů (opera-balet, opera-oratorium atd.); Žánry komorní opery a zejména monoopery jsou v posledním desetiletí široce rozvinuté. Před operou v 60.-90. letech hrálo rock hodně autorů, včetně talentovaných (ze skladatelů, kteří aktivně působili v hudebním divadle, jmenujme R. K. Ščedrina (nar. 1932), A. P. Petrova (nar. 1930), S. M. Slonimsky (nar. 1932), operní opery vytvořené N. N. 1938) ), G. I. Banshchikova (nar. 1943) a tak dále vytvořit dnes(jako domorodci, tak i cizinci) se objevují na velkých plakátech operní divadla méně sporadické. Opravdový vinyatok, který dělá malé mrtvoly z různých míst, rád pohotově inscenuje nové opery, jako by jen málokdy byly v repertoáru odloženy na delší dobu.